Ñoñerismo Musical

Rock al Parque 2009

2009-07-03T11:59:00.003-05:00

Y ya pasó la edición número quince de Rock al Parque… Ahora que la tierra en el parque Simón Bolívar ha vuelto a asentarse y los amplificadores han sido guardados, quizá sea buena idea echarle una mirada a la versión más reciente del que dice ser el festival de rock gratuito al aire libre más grande de Latino América.

Arranco admitiendo que hasta cierto punto estaba equivocado. Buena parte de mis recuerdos de los últimos años de Rock al Parque estaban adornados con el hecho que regresaba a mi casa con barro hasta las orejas (Literalmente… No me pregunten como, por favor), sin embargo este año no fue así, y a pesar de lo que sugería el clima de los días que precedieron al festival, en ese sentido, hay que admitir que el cambio de fecha pudo resultar adecuado para evitar traumatismos en la logística de los conciertos. Por otro lado, dicho cambio de fecha resultó ser (Como muchos temíamos), un arma de doble filo; Si bien fue conveniente desde el punto de vista logístico, desde el punto de vista artístico resultó ser una pésima idea: Un Rock al Parque realizado a mitad de año no es más que un pez muy pequeño en un estanque muy grande, dominado por eventos como Glastonbury, Coachella y demás, los cuales terminan por eclipsarlo y de alguna manera limitan las posibilidades que tiene Rock al Parque de crecer en términos de la calidad de su cartel, claro, no implica que traer artistas del hemisferio norte sea garantía de éxito, pero siempre es agradable tener sorpresas del calibre de Apocalyptica, Suicidal Tendencies, Black Rebel Motorcycle Club o Bloc Party. En este sentido, el cambio de fecha y sus implicaciones sobre el cartel de artistas tuvo un efecto nocivo para los verdaderos protagonistas del festival: Las bandas locales. La desafortunada verdad es que al no haber un listado solido de bandas internacionales, el público asistente al festival no estaba tan interesado por ir al festival desde el principio de la jornada, con lo que las bandas que abrían estos escenarios se encontraron tocando ante audiencias absurdamente pequeñas, que en algunos casos, no hacían justicia a la calidad de las bandas.

Pasando a otro tema, la retrospectiva sobre Rock al Parque dejó mucho que desear. Las imágenes de conciertos pasados que se presentaban entre concierto y concierto, en el mejor de los casos no pasaban de esta década, con lo que se evidenció el precario trabajo que se ha hecho en preservar la memoria del festival. Aunque fue una sorpresa agradable tener a nombres tan importantes en el rock bogotano como Mario Duarte y Amós Piñeros en vivo y no en video, hay un odioso subtexto al hecho que no exista tal registro: ‘En esa época no nos importaba lo que se estaba haciendo, así que no nos molestamos en registrarlo’. Así mismo, el hecho que con quince años de festival aun no existan alianzas serias con disqueras y otras industrias culturales para tener un registro mas allá de las transmisiones de Canal Capital habla mal de la organización del festival, que podría hacer mas cuando se tiene el apoyo del gobierno de la ciudad de Bogotá, que desafortunadamente, en otro acto de demagogia decidió convertir al festival en una ventana mas para el proselitismo político y cierto nepotismo y tráfico de influencias, como lo demostró la presentación del colectivo Seykiwia, que si bien tiene tras de sí una causa noble y necesaria, artísticamente hablando no tenía lugar dentro del cartel del festival. Las mentes suspicaces podrían decir que solo estuvo en el festival por sus vínculos con la concejala del Polo Democrático Ati Quigua y uno de los integrantes de la banda Dr. Krápula, convirtiendo esa presentación en un evento político que destiló un odioso tufo a Etnocentrismo para rematar.

Es evidente que la edición numero quince del festival dejó mucho que desear, con un cartel que tuvo buenos momentos pero que no hizo justicia a los estándares dejados por la versión de 2008, y que demostró que si bien el hecho que ya lleve 15 años es prueba que se está haciendo algo bien, también ha habido muchísimos yerros en una organización que podría lograr más con lo que tiene a disposición.

Por lo menos en estos quinces no hubo un Cisne de Icopor.

Estoy perfectamente consciente que ha pasado mucho tiempo desde la última vez que publiqué algo en este blog... Distintos compromisos han hecho que la fecha que cuadro para empezar a publicar de nuevo sea corrida cada vez. Por otro lado, las reseñas que estoy publicando en Cortesía de la Casa tambien me han quitado algo de tiempo. El punto al que trato de llegar es que ÑM ya no va a tener la periodicidad que antes tenía, lo cual me duele muchísimo en el alma porque esta página es mi bebé y quiero seguir publicando cosas en ella. De momento, pueden encontrar mis reseñas semanales en esta página. Asi mismo, estén pendientes de la revista Cartel Urbano, en cuya proxima edición tambien tendré una columna publicada.

Chau, se cuidan

Jesus Christ SuperStar

2009-04-09T23:59:00.002-05:00

Como lo había anunciado, el post de esta semana tiene que ver con la Semana Santa, y mas exactamente, con Jesus Christ SuperStar. Uno de los pocos musicales que ha logrado llamar mi atención. Ni Cats ni Rent me han gustado de a mucho.

Tenía unos dieciseis años cuando vi por primera vez la versión dirigida por Norman Jewison en 1973, y poco despues pude ver la versión de 2000 dirigida por Gale Edwards y Nick Morris, y me parece sorprendente la facilidad con la que una misma obra puede cambiar de una manera tan radical... Sobre todo porque ambas versiones son, de alguna manera, hijas de sus respectivas épocas.

Pordía decirse que la versión del '73 es mucho mas hippie en su visión y ejecución. Empezando con el hecho que es filmada en exteriores por completo, y siguiendo con que es una obra filmada por una generación que tiene cierta medida de optimismo sobre lo que puede lograr en el mundo (Aunque en esta época lo podríamos llamar ingenuidad). Es mucho mas colorida y cinematográficamente se siente como una película de los años setenta.

Por otro lado, la versión del 2000 sigue su linaje como hija del videoclip. De alguna manera, las actuaciones de los personajes de este remake rompen la cuarta pared y se reconocen como personajes de una historia. Asi mismo, el estilo visual y musical se despiden del peace and love de los 70 y le hacen guiños a la época mas cinica en la que vivimos hoy.

Y para ilustrar mi punto, aqui hay dos versiones de una misma canción, Jesus Must Die, primero en su versión del 73 y luego la del 2000.

Disfruten, y nos vemos la otra semana.

Emergency Broadcast System

2009-04-05T23:59:00.002-05:00

Hola a todo el mundo

La semana pasada no hubo posts porque he estado bastante ocupado por el trabajo y otras cosas... No por falta de material sobre el cual escribir porque hartas cosas han habido. Sin embargo, esta semana haré el esfuerzo para tener al menos un post ambientado en la semana santa.

Lo mas probable es que quizá tenga que reducir la frecuencia de los posts a dos o quizá uno por semana. No estoy completamente seguro y es algo que realmente no quiero hacer, pero me temo que es algo inevitable si quiero garantizar que haya contenido en el blog todas las semanas.

A aquellos que leen esta paginita con frecuencia, les pido que por favor no dejen la sintonía.

Gracias!

El Canto Del Cisne

2009-03-29T23:59:00.002-05:00

Lo sabía. Lo sabía, lo sabía, lo sabía!

Sabía que si Nine Inch Nails iba a desaparecer (Por un tiempo, eso esperamos todos), lo iba a hacer con toda la clase del mundo. O si no, como llaman a una gira de Nine Inch Nails y Jane's Addiction? Es la unión de dos de los nombres mas importantes en la música de los noventa. Y lo que es mejor, junto con Street Sweeper (Proyecto de Boots Riley y Tom Morello), han lanzado un sampler de la gira que realizarán en el verano de este año.

La banda de Perry Farrell aporta Chip Away y Whores, canciones que no habían sido grabadas en estudio de manera oficial hasta el momento. La labor de Trent Reznor en la producción se nota de manera decisiva en los temas. Mientras que Whores tiene un sonido realmente duro y contundente, Chip Away es mas dispersa y atmosférica. Not So Pretty Now y No-Entity, canciones de Nine Inch Nails son como dos caras de una misma moneda, encarnaciones distintas de un mismo sonido que guarda similitudes con las canciones mas pesadas del álbum mas reciente de NIN, The Slip.

Finalmente, Street Sweeper aporta dos temas, Clap For The Killers y The Oath. Mientras que The Oath recuerda a los últimos días de Rage Against The Machine, aunque Clap For The Killers tiene un incómodo sonsonete funk que demerita un poco al tema.

Si dos de las bandas mas importantes de los últimos 20 años se reunen en una gira, una para decir adiós, y otra para decir hola de nuevo (al parecer) es algo que vale la pena notar. El sampler, disponible para descarga acá, es una excelente muestra del sonido de Nine Inch Nails y Jane's Addiction, a la vez que muestra la propuesta de Street Sweeper.

Ida Maria - Fortress 'Round My Heart

2009-03-26T23:59:00.001-05:00

Cuando se vive en alguno de los países de la peninsula escandinava (o en Islandia), realmente no hay mucho que hacer, si le hacemos caso a Björk... Asi que combaten su aburrimiento haciendo música, como lo muestra la gran cantidad de buena música que llega de los países habitados por los descendientes de los Vikingos, como la noruega Ida María con su album del 2008, Fortress 'Round My Heart.

En los 31:03 (!) que dura este álbum, Ida María muestra un sonido que aunque convencional y sencillo de alguna manera, es increiblemente pegajoso. Oh My God y I Like You So Much Better When You're Naked son hasta cierto punto, variaciones sobre un mismo tema de sonido guitarrudo y rápido, sin que por ello no sean interesantes en su propio derecho. Mientras que Oh My God tiene algo mas de rabia, I Like You... tiene un tono mas pegajoso y juguetón. Por otro lado, Drive Away My Heart, Keep Me Warm y See Me Through cumplen con la cuota de canciones lentas y ciertamente mas melancólicas... No todo puede ser fiesta.

El sonido del álbum hace lo mejor posible con los recursos a la mano. Los hiccups que puede tener la voz de Ida Maria en ocasiones se amoldan de manera perfecta a la canción dependiendo de las circunstancias, con lo que deja de ser un gimmick o una falta de profesionalismo sino que le dan al album una agradable cualidad de cercanía e intimidad.

Simple, directo al grano, y efectivo, son los mejores adjetivos que se le pueden dar a Fortress 'Round My Heart. Un álbum divertido y pegajoso que se queda en quien lo escucha de una manera bastante agradable. Cabe decir que lo descubrí gracias a Lucía.

Mastodon - Crack The Skye

2009-03-24T23:59:00.002-05:00

Este es un álbum con el que di mucha alharaca y al fin la hora ha llegado. Mastodon ha lanzado su cuarto álbum, titulado Crack The Skye y cumple todo lo que promete.

Cuando hablaba del primer sencillo del album, Divinations, comentaba como el sonido de este álbum apunta mas a la creación de una atmósfera determinada, a diferencia de sus anteriores esfuerzos, mas específicamente, Leviathan y Blood Mountain. En ese sentido, el primer sencillo del álbum es un abrebocas con respecto a lo que logran las demás canciones, como es el caso de Oblivion, Ghost of Karellia o la homónima Crack The Skye, canciones cuyo peso y fuerza reside en la atmosfera que crean en lugar de guitarras o baterías que vayan a velocidades rompecuellos, aun cuando esto no quiera decir que hayan abandonado por completo el lado mas HeadBanger de su sonido, The Czar y The Last Baron, en sus 10:54 y 13:01 respectivamente son un paseo por todo lo que tiene que ofrecer la banda de Atlanta en términos de cambios de tiempo, voces, batería y riffs de guitarra y bajo.

Conceptualmente, es tan complejo como Blood Mountain, intentando contar una historia llena de viajes astrales, cultos, Rasputín y la Rusia Zarista, aunque tiene algunos contratiempos en lograrlo, en general salen bien librados de su intento de contar una historia.

Crack The Skye sin duda alguna destrona a Leviathan como el mejor album de la banda, y junto a Jane Doe de Converge, tiene un lugar entre los mejores álbumes del género en esta década, mostrando que lejos de morir o anquilosarse, el Metal se ha convertido en una nueva bestia, con una oscuridad distinta a la de anteriores encarnaciones, y aun mas interesante.

Placebo - Battle For The Sun

2009-03-19T23:59:00.002-05:00

Cuando pasa tanto tiempo entre el lanzamiento de un single y el lanzamiento de un álbum, es una agridulce espera, especialmente cuando ese sencillo es el abrebocas al nuevo álbum de Placebo, titulado Battle For The Sun.

Con la salida de Steve Hewitt de la banda en 2007, eramos muchos los que temíamos por lo que pudiera pasar con Placebo, sin embargo, este sencillo demuestra que estabamos equivocados. Aunque el comienzo del tema puede parecer un poco lento y hasta soso, rápidamente toma impulso con una mezcla de fueza y rapidez que tambien muestra el cambio que ha tenido la voz de Brian Molko, perdiendo esa cualidad nasal de los primeros álbumes y mostrandose mas añeja y mas interesante. Es un cambio con respecto al sonido del Meds que se caracterizaba por tener un sonido mas electrónico y con mas sintetizadores, Battle For The Sun es el abrebocas de un sonido con mas arreglos de cuerdas que le da una naturaleza un tanto épica hacia el final de la canción.

Battle For The Sun se convierte en el abrebocas de esta nueva etapa de la banda británica, aunque habrá que esperar hasta Junio para poder comprobarlo, mientras tanto, pueden bajar el sencillo acá.

Erin Go Bragh

2009-03-17T23:59:00.001-05:00

El 17 de Marzo es el día de San Patricio, Santo Patrón de Irlanda, y es una excusa para que todos nos sintamos un poco Irlandeses (Tambien es una excusa para tomar cerveza un martes... En el espíritu de la fecha, presento una lista de canciones apropiadas para la celebración.

Ode To My Family - The Cranberries
Whiskey In The Jar - The Dubliners (La versión de Thin Lizzy tambien es apropiada)
Tobacco Island - Flogging Molly
I'm Shipping Up To Boston - Dropkick Murphys
Grace of God Go I - Flogging Molly
Johnny I Hardly Knew Ya - La versión de los Dropkick es bastante buena... No la vayan a cantar con la letra sobre Fernando Torres
Irish Blood, English Heart - Morrisey
Allison - Elvis Costello
Gloria - Van Morrison
Nobody's Hero - Stiff Little Fingers
When You Sleep - My Bloody Valentine (Admito que rompe un poco el mood de la fecha, pero son Irlandeses, y son My Bloody Valentine, asi que...)

Para rematar la fecha, no hay nada mejor que una sobredosis de Flogging Molly: Seven Deadly Sins, Devil's Dance Floor, The Kilburn High Road, What's Left of The Flag, Drunken Lullabies, y cuando ya todo el mundo esté que se caiga de la borrachera, Death Valley Queen, un hermoso tema de despecho para que toda la concurrencia cante junta... Y por cantar junta me refiero a fuera de tiempo, desafinados, y borrachos como un marinero irlandés en día de paga.

Espero que hayan pasado un buen día de San Patricio y que se hayan puesto ropa verde, o si no... Hay pellizcos.

Umlauts Criollas

2009-03-15T23:59:00.002-05:00

Lo que va corrido del año ha sido muy bueno con los admiradores del Metal en Colombia, en tres meses ya se han presentado In Flames, Anthrax y Iron Maiden, y antes de que lleguemos a Mayo, Opeth, MotörHead y Kiss darán conciertos en el país... Sin embargo una pregunta me queda en el aire: ¿Que pasa con el Metal nacional? No me malinterpreten, conciertos como los que han pasado y los que vienen demuestran que las bandas del género tienen una audiencia significativa... Pero ¿Porque recibimos y no damos? ¿Porque no aparece una banda colombiana de Metal importante?

Pienso inmediatamente en el estereotipo del metalero del que por años se ha hablado y que ha sido el blanco de una que otra broma; mas allá de un look visual específico, es su mentalidad y disposición la que por lo menos, a mi me irrita hasta niveles indecibles: Esa imposibilidad de escuchar música de generos distintos al que le dedica todo su esfuerzo, y lo que es mas grave, circunscribirse de manera dogmática y un poco ridicula a un periodo de tiempo determinado, mas de una vez he quedado francamente sorprendido ante 'Metaleros' que no conocen a bandas como Converge, Mastodon o The Sword o a los que la llamada 'New Wave of American Heavy Metal' les pasa por encima, o como tambien lo demuestra el hecho que Rock al Parque tenga que dedicarle un dia completo al género... Actitudes como esa son prueba del punto muerto en el que se encuentra el Metal colombiano, en el que aunque hay una audiencia y un grupo significativo de seguidores, no hay una producción local meritoria, es muy diciente el hecho que Kraken, que podrían ser considerados los padrinos del Metal Colombiano, lleven mas de diez años sin producir un nuevo álbum de estudio, contentandose con lanzar álbumes sinfónicos, tributos y demás.

La palabra acá es 'Abrir'. De la misma manera que en otras escenas el género se ha mantenido vivo porque se abre a otras influencias y deja de lado la sobre especialización excesiva, la unica manera en la que Colombia va a tener una verdadera escena Metal, en la que las bandas extranjeras tienen una audiencia al mismo tiempo que hay una producción importante de bandas locales es cuando se deje la estrechez de mente ante lo nuevo o distinto.

Where The Grrls Are: Cat Power

2009-03-12T23:59:00.002-05:00

Y vuelve la sección favorita de todos y todas, en esta ocasión, hablando de Charlyn 'Chan' Marshall, mas conocida como Cat Power.

Nacida en 1972, la obra de Cat Power vería la luz en la década del 90. Bajo el impulso de nombres como Steve Shelley (Sonic Youth), su primer álbum, Dear Sir, sería lanzado en 1995, con la participación de Shelley. Un año después, lanzaría Myra Lee, que tambien es el nombre de la madre de Cat Power. El mismo año vería el lanzamiento de su tercer álbum, What Would The Community Think? Estos primeros tres álbumes nos mostrarían un sonido provisto de un minimalismo casi que In Extremis, con arreglos precisos aunque pequeños, en los que la guitarra tenía el papel principal y Marshall nos mostraba la voz rasposa e influenciada por el blues que se convertiría en una de las marcas resgistradas de su sonido. Tras un retiro de la música durante 1996 y 1997, 1998 sería el año en el que su cuarto álbum, Moon Pix aparecería, en el que se ve un esfuerzo por llevar el sonido en una dirección distinta, mas estructurado y con mas capas en el mismo, dandole una nueva dimensión a su sonido minimalista de los anteriores álbumes y dejando de lado los elementos experimentales que tenía anteriormente.

El comienzo de la década vería a Marshall afrontando problemas personales, mas exactamente, un problema de bebida que se trasladó a sus conciertos, que se hacían cada vez mas erráticos, con Chan interrumpiendo canciones a la mitad de la presentación y otras cosas por el estilo. El primer álbum de ella en esta década sería You Are Free, con colaboraciones de Eddie Vedder y Dave Grohl, entre otros, mientras que The Greatest, lanzado en 2005 con la participación de Teenie Hodges (Guitarrista que tocó para Al Green) empezaría a marcar el camino hacia su sonido mas influenciado por el blues y el soul. Sin embargo, tambien es el momento en el que sus problemas aumentarían con un consumo de alcohol, fármacos y otras sustancias que la dejaría al borde del suicidio. Fue gracias a la intervención de su amiga, la artista Neoyorquina Suzanna Vapnek que entraría a rehabilitación, lanzando un nuevo álbum de covers, Jukebox, y embarcándose en una gira que la vería tocar en Colombia el 07 de mayo del pasado año (Si me permiten el comentario, uno de los mejores conciertos que he visto). A finales del 2008 lanzaría un nuevo EP, The Dark End of the Street, anunciando estar preparando un nuevo álbum para 2009.

Chan, o Cat Power es una de las voces femeninas mas importantes en la música de los últimos quince años, con un estilo que en un principio manifestaba influencias de Sonic Youth pero que en la actualidad se enmarca en una tradición mas propia del blues y del soul.

Conversación con David Escandón

2009-03-11T00:01:00.000-05:00

En los últimos días, tuve oportunidad de hablar con David Escandón, bajista de la banda bogotana Los Poetas Ácidos. Conversamos sobre el Indie, Ableton, y otras cosas

Julián: Desde su punto de vista tanto en Bogotá Ciudad Rock como bajista de Los Poetas Ácidos, ¿Con que asocia el término 'Indie'?

David: Bueno… en los últimos años se ha asociado lo "indie" como una corriente musical asociada más a una moda que recopila la influencia musical de las décadas pasadas, y las mezclas con nuevos sonidos. sin embargo, cuando nos referimos a lo indie como banda, o como organización, lo hacemos más refiriéndonos al origen de la palabra, es decir, lo independiente... Estamos generando un movimiento independiente, que genera sus propios medios y que se hace autosostenible. Un movimiento que se nutre de sí mismo, donde cada uno de sus componentes hace su aporte propio...

Julián: En ese sentido , Vd. creería que hay dos 'acepciones' de lo 'Indie'? ¿Una que hace referencia al sonido de la banda y otra que alude a lo que tiene que ver con canales de distribución, promoción y demás?

David: Exactamente... Digamos que está muy relacionado a la cultura del "hágalo ud. mismo"... Haga su música, grábela por sus medios, distribúyala por su cuenta, Sin intermediarios, sin una industria que lo regule. Porque ha habido un auge en estos últimos años.. porque se han habierto los canales de distribución, promoción y difusión, y han llegado al alcance de los músicos.

Julián: ¿Que papel ha tenido la tecnología en todo esto? ¿Hasta que punto la aparición de computadores poderosos a precios mas o menos razonables, y herramientas como Reason, Ableton, o Last.FM han hecho esto posible?

David: La tecnología ha sido decisiva en esta transformación... La tecnología ha facilitado herramientas para la grabación y la producción... Nunca antes había sido tan fácil grabar, hacer fotografía, producir video, hacer estrategias de mercadeo... La piratería ha jugado también un papel importantísimo, La piratería está cambiando completamente la lógica del mercado musical...

Julián: ¿De qué manera?

David: Simplemente marca tendencias... si la gente compra pirata, o descarga gratuitamente, es porque el mercado discográfico está en desventaja... esto hace que bajen los precios, que se reformulen las estrategias de mercado. Eso hace que se descentralice la producción musical, es decir, que no dependa exclusivamente de la industria... Incluso podría decirse que los intentos legales o técnicos para combatir la piratería han fracasado siempre, y en realidad no existe una manera de combatirla que no sea a través del mercado... También ha hecho que algunos artistas le den más importancia a su obra que a su valor comercial con iniciativas como los Creative Commons en donde simplemente se comparte abiertamente la producción artística sin un propósito comercial, los artistas obtienen mayor difusión, e ingresos por presentaciones, y eventos, más no por distribución.

Julián: Siguiendo esa lógica, ¿Cree que vamos a ver mas modelos de distribución como el de Nine Inch Nails, que lanzó su álbum más reciente con una licencia Creative Commons?

David: Claro, el público mismo se va a encargar de que así sea... Hoy en día, cuando una persona compra un CD original lo primero que hace es bajarlo a MP3 para escucharlo en el computador, en el iPod, para compartirlo con sus amigos, que a la vez lo compartirán con otros, sin importar cuán legal sea

Julián: Volviendo al tema de lo 'Indie'... En los últimos años se ha visto una popularización del término que ha llegado a otros campos como la moda, como lo muestra el tan cacareado estereotipo del 'Hipster' ¿Hasta que punto cree que lo 'Indie' se ha visto reducido a la categoría de cliché, si es que eso ha ocurido?

David: Sí.... de cierta forma se convirtió en un comodín para referirse a una corriente... que aunque no sea del todo desacertada, sí la enmarca en un cliché. Siempre se tiende a nombrar las cosas de alguna forma, y supongo que en algún momento determinado la relación entre moda, música e industria terminaron por asociarse en un solo concepto...

Julián: Entiendo. Muchas gracias por sus respuestas, David

David: Vale.

Se que estoy empezando a sonar como ese tipo 'Andrés Candela' que llena las secciones de comentarios del Tiempo con propaganda descarada, pero Cartel Urbano acaba de relanzar su sitio con una versión online de mi columna 'El Circo de las Buenas Intenciones' publicado en la edición impresa de la revista.

Hablamos luego.

Tres Tríos en una Tarima

2009-03-08T23:59:00.002-05:00

Realmente, tenía pensado escribir un 'Where the Grrls Are', con lo del día de la mujer y toda la cosa, pero cosas pasan y decidí que sería mejor idea hablar sobre el concierto al que asistí este pasado 07 de marzo, con las bandas Bogotanas Los Poetas Ácidos, Moskito Corp. y Madremonte en Jackass Bar (Cra 16#80-84).

No soy muy amigo de la creación excesiva de géneros, pero la verdad es que en el caso de Moskito Corp, la etiqueta de 'TropiGrunge' no es muy descabellada a la hora de describir su sonido. Camilo Donato, John Robayo y Sergio Méndez logran tener un feel muy tropical a la vez que cuando asi lo quieren, hacen mas pesadas sus guitarras. Sin embargo, aunque es una banda que logra hacer un buen trabajo en la parte 'Grunge' y un muy buen trabajo en la parte 'Tropi' de su sonido, se quedan un poco cortos a la hora de juntar ambas de una forma armoniosa, con lo que el paso de un tipo de sonido a otro en sus canciones se puede llegar a sentir un poco forzado.

Ya había tenido ocasión de escuchar un par de veces antes a Los Poetas Ácidos, banda conformada por los hermanos Rafael, David y Sergio Escandón, pero en el concierto de anoche fue cuando pude comprobar el nivel de la banda. Con un sonido fuerte y letras inteligentes, los Escandón mostraron porque tienen todas las credenciales para ser considerados como una de las bandas mas importantes de Bogotá en este momento. Los Poetas Ácidos recuerdan al sonido de los noventa con sus guitarras distorsionadas, pero sin caer en posturas nostalgicas que a nada llevan. Es una banda influenciada por esa década y por la ciudad, pero que en ningún momento trata de copiar o de imitar a sus influencias.

El concierto fue cerrado por MadreMonte, que de lejos, tuvo el sonido mas bluesero de la noche, con una guitarra elaborada y llena de distintas capas en su sonido, obra de su guitarrista Bluesman Nuga, pero al mismo tiempo, tienen una sensibilidad muy propia y nacional, como lo evidencian las letras de Erandy y el bajo de Óscar Puentes. Aun asi, quizá es por esa sensibilidad tan bluesera que de alguna manera, el sonido de MadreMonte desencajó un poco con el sonido en general del concierto.

En general, el concierto del 07 de marzo fue un excelente portafolio del sonido de las bandas bogotanas. En las respectivas páginas de Myspace y Last.FM de las bandas pueden conocer mas de ellas. Tras el concierto, tuve la oportunidad de hablar un rato con Rafael Escandón, lider de Los Poetas Ácidos, y pueden escuchar la conversación acá.

Patitos Feos/Bellos Durmientes

2009-03-03T23:59:00.003-05:00

Hay algo mejor que encontrar un álbum que es bueno la primera vez que se escucha: Encontrar un álbum que la primera vez que se escucha no es nada del otro mundo, pero que con el tiempo va agarrando mas y mas calidad. Buscando en mi colección de música encontré dos ejemplos de ello que pongo a consideración.

Garbage - Bleed Like Me: Soy uno de los muchos que se decepcionó con Beautiful Garbage, ocho años después, aun no logro saber que es, si es que lo asocio con una época no muy buena de mi vida, si es que es demasiado electrónico, no se realmente que sea, pero realmente no tenía muchas expectativas cuando Bleed Like Me vio la luz en 2005. Why Do You Love Me?, el primer sencillo, no me pareció malo, pero tampoco nada del otro mundo, sin embargo con el paso del tiempo, empecé a encontrarle el gusto a este álbum. Su éxito reside en que vuelve a buscar el balance entre elementos electrónicos y eléctricos que hizo a Garbage una de las bandas mas importantes de los '90. Si Why Do You Love Me? o Sex Is Not The Enemy nos presentaba a una banda mas a gusto con las guitarras electricas con amplificadores llevados a 11, Why Don't You Come Over tiene secuencias y beats que son del agrado de cualquiera y que con los años no han hecho mas que mejorar. El secreto para el éxito de este álbum es el balance.

Green Day - American Idiot: Green Day es la banda sonora de mi preadolescencia y adolescencia. Dookie y Nimrod tienen algunas de las que son las canciones mas importantes para mi. Y a pesar de lo que algunos digan, Warning tiene sus cosas buenas de entrada. American Idiot representa un cambio significativo en el estilo de la banda con respecto a su album de 2001, el sonido es quizá un poco mas duro y ciertamente hay un mayor compromiso político en el contenido lírico de la banda. Desafortunadamente, ese cambio que implicó el paso definitivo de la banda al Mainstream fue interpretado por muchos como el momento en el que se "Vendió" la banda; al mismo tiempo, el estilo visual que adoptaron fue rápidamente interpretado como 'emo', en el preciso momento en que ese estilacho agarraba mas fuerza y era vilipendiado por todos (Me incluyo). El mérito del álbum se logra ver cuando no se entiende como un álbum de punk, sino como el punto de bisagra en el sonido de la banda, que veremos en el siguiente álbum.

Estos dos son unos de los 'Patitos Feos' que han aparecido en mi colección musical. ¿Cuales han encontrado ustedes?

We're Back! (Unas por otras)

2009-03-01T23:59:00.003-05:00

Así como unos se van, otros anuncian que vuelven.

Faith No More acaba de anunciar en su página que despues de 11 años, se reunen

Aquí está el anuncio, con el que de paso actualizan su página por primera vez en once años, justo después del aviso de la disolución de la banda. Ojalá aprovechen para arreglar el diseño porque es taaaaaan de 1998.

Hay razones para estar razonblemente contento.

Sahara Hotnights - Sparks

2009-02-26T23:59:00.001-05:00

Parece que Febrero es el 'Mes del artista sueco' acá en Ñoñerismo Musical... A Camp y Mando Diao han lanzado sus mas recientes álbumes y ahora es el turno de las encantadoras señoritas de Sahara Hotnights, que presentan su álbum mas reciente, titulado Sparks.

Aunque mas de uno mira para otro lado cada vez que una banda lanza un álbum de covers, la verdad es que no hay mejor escuela que hacer versiones de las canciones de las bandas que han influido en el sonido propio. En ese sentido, es una agradable sorpresa encontrar que dentro de las bandas y artistas que son revisados en este álbum se encuentran (entre otros) Foo Fighters (Big Me), Dusty Springfield, (In Private), Aneka (Japanese Boy), Y la que a mi juicio, es la sorpresa mas agradable del álbum, Suzi Quattro, que es homenajeada con una excelente versión de If You Can't Give Me Love. Es bastante agradable encontrar esta versión porque a fin de cuentas, es gracias a artistas como Quattro que bandas como Sahara Hotnights existen. Por otro lado, la inclusión de una banda como Foo Fighters le hace honor a las raíces mas rockeras de la banda, mientras que Aneka o Dusty Springfield demuestran la influencia del pop en el sonido de la banda, y mas especificamente, en la voz de su vocalista, María Andersson.

Su album de 2007, What if Leaving is a Loving Thing marcó un cambio en el sonido de la banda, dejando de lado esa faceta mas cercana al punk para adoptar un sonido mas maduro y mas cercano al pop. aunque en canciones como Wide River, Calm Down o If You Can't Give Me Love siguen mostrando que 'Tienen con que', se podría decir que el paso del tiempo ha tenido su efecto en María, Josephine y las hermanas Asplund, haciendolas menos aceleradas, y un poco mas sabias. Por eso mismo, quienes se prendaron de ellas con canciones como Alright, Alright o Hot Night Crash pueden sentirse alienados con este sonido mas pop.

Aquellos que conocieron a estas señoritas con su álbum de 2007 se sentirán en su salsa con este álbum, sin embargo, aquellos que las escuchaban desde antes de What if Leaving... quizá se sientan tentados a abandonar el barco de Sahara Hotnights. Sin embargo, lo que hay que entender es la progresión que el sonido de la banda ha tenido, y los lugares a los que puede llegar.

*cough* Lean mi columna en la edición 25 de Cartel Urbano *cough*

War Sucks, Let's Party!

2009-02-24T23:59:00.001-05:00

De nuevo, este es otro de esos posts en los que no hablo de música, sino que me las doy de profundo y hablo de otra cosa, asi que de antemano pido disculpas.

Este año arrancó acá en Bogotá con, entre otras cosas, la muerte de Juan Pablo Arenas, un joven estudiante de periodismo en una zona que desde hace mucho tiempo no era uno de los rumbos mas seguros de la ciudad. Como se necesita que las tragedias tengan nombre propio para que alguien haga algo al respecto, fue hasta la muerte de el que la alcaldía decidió tomar cartas en el asunto de una forma mas bien torpe, que no hizo mas que trasladar el asunto a otras partes de la ciudad, al mismo tiempo que empezó a echar luz sobre como, a pesar de los avances en materia de cobertura de salud y educación, la alcaldía de Samuel Moreno ha resultado incompetente a la hora de manejar el tema de seguridad, escudándose constantemente en el hecho que es solo una cuestión de percepción, olvidan el hecho que las percepciones subjetivas se basan en una realidad objetiva, si el emperador parece estar medio desnudo, es porque está medio desnudo.

En una época de manifestaciones populares facilmente ensamblables, solo fue cuestión de tiempo para que alguien dijera algo al respecto. Como suele ocurrir, fue gracias a Facebook. Una manifestación que en principio reclamaba ante la "Indiferencia del alcalde" (Si tal cosa es real o no, es historia para otro día), pero que rápidamente se retractó... Con el tiempo, vino a convertirse en un evento con un mensaje diluido y sin una dirección clara, en la que simplemente se manifiesta la inconformidad por una situación sin proponer una alternativa de solución, y lo que es mas grave, sin demandar responsabilidad de aquellos que tienen como trabajo salvaguardar la seguridad de los habitantes de la ciudad, resultando en un evento tibio y que simplemente manifiesta una inconformidad con una situación, hasta cierto punto es como decir "Me gustan los perritos". Para rematar todo, se ha programado un evento como son costumbre en este país, que realmente no va a quitar ni poner porque no va a proponer nada.

Ciertamente estoy sonando como un viejo gruñón acá. Pero la triste verdad es que esa es la unica reacción que cabe, de quejarse y manifestar lo que está mal. Desafortunadamente hay que tomar esa actitud ante los mismos intentos de manifestarse, que no son mas que susurros en un momento en el que se requieren gritos para exigir que aquellos a quienes hemos elegido para que ocupen cargos publicos asuman su responsabilidad.

No olviden conseguir su copia de Cartel Urbano si viven en Bogotá. Adivinen quien tiene una columna titulada 'El Circo de las Buenas Intenciones' (psssst, soy yo).

Asobi Seksu - Hush

2009-02-22T23:59:00.001-05:00

Sienten eso en el aire? Si! Es un nuevo álbum de Asobi Seksu, Yuki Chikudate y James Hanna vuelven al ataque con un nuevo álbum! Después del Citrus de 2006, el dúo proveniente de Nueva York nos presenta su producción mas reciente, titulada Hush.

La mejor manera de describir el sonido del álbum es "Parecido Pero Distinto", en el sentido que sigue sonando y sintiéndose como un álbum de Asobi Seksu, pero la sensación se logra a través de medios distintos. Mientras que su álbum homónimo y la producción del 2006, Citrus destilaban guitarras distorsionadas que creaban un muro de sonido propio del shoegazer, combinado con arreglos menos espesos de guitarra y con la eterea voz de Chikudate, Hush nos presenta un sonido mas propio del Dream Pop, en el que el muro de sonido no se logra a partir de guitarras distorsionadas hasta el punto de quiebre, sino que se obtiene a partir de sucesivas capas de la voz de Yuki, como ocurre en Gliss, mientras que en In The Sky tal efecto se logra a partir de los arreglos de sintetizador, e incluso de percusión, presentando un hermoso efecto envolvente.

Aun así, hay cosas que siguen recordandonos al anterior sonido de la banda, como es el caso de Me & Mary, el primer sencillo del álbum, con una guitarra mas distorsionada que aunque ciertamente no puede ser considerada como una canción menor, es demasiado parecida tanto en instrumentación como en estructura a otros temas de otros álbums de la banda.

Con un sonido mas propio del Dream Pop que del Shoegaze, Hush de Asobi Seksu representa un sonido mas accesible para quienes se sienten abrumados por el género que popularizo My Bloody Valentine, y que se convierte en un buen punto de entrada para concoer a esta banda Neoyorquina.

Si leen este blog y viven en Bogotá, les interesará conseguir la nueva edición de la revista Cartel Urbano, que sale a las calles esta semana (25 de Febrero, si no me equivoco). ¿Porqué? Además de ser una muy buena revista sobre arte y cultura en Bogotá, esta edición contendrá una columna escrita por su simpático servidor, Julián Felipe Gutiérrez (O sea, yo). La revista es de distribución gratuita, y la pueden encontrar en sitios como el Art Books de la Calle 26 con 10, el MAMBO, o la galería Matik-Matik (Cra 11 # 67-20). Una vez mas, le agradezco a Jorge Pinzón la oportunidad de ver mi escrito publicado en la revista.

Nickel Eye - The Time of the Assasins

2009-02-19T23:59:00.001-05:00

Algo me dice que no resulta descabellado llamar a 2009 "El Año Internacional de los Proyectos en Solitario" acá en Ñoñerismo Musical. Los proyectos de Nina Persson (The Cardigans), John Frusciante (Red Hot Chilli Peppers) y Héctor Buitrago (Aterciopelados) han ocupado su espacio en esta humilde página, y hoy, la tradición se mantiene con Nikolai Fraiture (Bajista de los Strokes), y su proyecto en solitario Nickel Eye que presenta su primer álbum: The Time Of The Assasins.

La impresión mas grande que deja este álbum es el aire folk que tiene, que además de expresarse en su sonido, se pone de manifiesto en sus letras y la 'actitud' por llamarla de alguna manera... Es fácil imaginarse a alguien cantando alguna de las canciones de este álbum en el bar de algún pueblo en el medio del desierto, como This is The End, o a algun viajero al lado de un camino cualquiera, con un sombrero de ala ancha tapandole la mitad del rostro, tarareando la melodía de Providence, RI. Cada una de las canciones de este álbum es una historia en si misma, llenas de una poderosa naturaleza acústica, que contrasta con el sonido de The Strokes, y que aparece con gran fuerza en temas como Where The Cold Wind Blows (Que cuenta con la participación de Regina Spektor), Back From Exile, o Another Sunny Afternoon. Por otro lado, un par de canciones nos recuerdan de donde viene Fraiture, como es el caso de Dying Star, una colaboración con Nick Zinner de los Yeah Yeah Yeahs, y Brandy of the Damned .

Cuando hablaba del proyecto en solitario de Kevin Drew de Broken Social Scene, comentaba como este tipo de álbums permitían ver la influencia de un artista en el sonido de una banda, sin embargo, en este album se da el inverso de la situación. Al igual que con el álbum en solitario de Albert Hammond Jr, el trabajo vocal de Fraiture se parece demasiado al de Julian Casablancas, y lo que es peor, no es necesariamente sobresaliente.

Con un marcado folk y colaboraciones de Nick Zinner y Regina Spektor, The Time of the Assasins es un álbum que permite ver una dimensión distinta del trabajo de Nikolai Fraiture a la vez que nos da contentillo a todos los que estamos esperando el cuarto álbum de los Strokes.

Goodbye, Farewell, and Amen (For A While, Let's Hope)

2009-02-17T23:59:00.003-05:00

Resulta sorprendente pensar que este año se cumplen 20 años del lanzamiento del primer álbum de Nine Inch Nails, Pretty Hate Machine. Aunque no es mi álbum favorito de toda la producción de la banda de Trent Reznor (De hecho, es el que menos me gusta), me resulta fascinante imaginar que pasó por las cabezas de quienes oyeron ese álbum por primera vez en 1989. Guardando las proporciones, debió ser un evento de una magnitud similar a cuando, en 1938, miles de niños abrieron por primera vez las páginas de la Action Comics número 1 (La primera aparición de Superman).

De acuerdo a un comunicado escrito por el mismo Reznor en la página de NIN, una de las bandas mas importantes de los últimos 25 años desaparecerá, por lo menos, por un tiempo. Es una noticia que coge a todo el mundo por sorpresa. A fin de cuentas, no es como si NIN se haya convertido en una de esas bandas que está en una gira eterna, sin molestarse en sacar nuevo material y viviendo de glorias pasadas. Su álbum mas reciente, The Slip, es una muestra clara y contundente que la creatividad de Reznor que vimos en álbumes como The Fragile o Downward Spiral permanece, no como una entidad estática, sino como una criatura viva que con el paso del tiempo se ha transformado y es un animal completamente distinto, pero no por ello, menos interesante. Por otro lado, veinte años son Veinte Años, y así como en este momento podemos estar arrojando flores sobre la genialidad de NIN, dentro de poco podríamos estar acusando a Reznor et. Al de manchar el nombre de Nine Inch Nails y otros crimenes por el estilo.

Me niego a creer que en este hiato que va a tener la banda, Trent Reznor va a quedarse callado, estoy convencido que veremos nuevos proyectos, para usar un cliché: Amanecerá y veremos. Nos queda esperar que no haya ningún contratiempo y que en la gira que anuncia en su página se decida a pasar por el país del Sagrado Corazón.

Mando Diao - Give Me Fire

2009-02-15T23:59:00.002-05:00

Hay mucha música saliendo de Suecia en estas semanas, el nuevo album de A Camp, Sahara Hotnights y su nuevo álbum que saldrá en unos días, y los cinco simpáticos patanes de Mando Diao que acaban de lanzar su nuevo álbum, títulado ´Give Me Fire'.

A pesar de que es dificil para algunos de nosotros admitirlo, estamos en una época en la que la labor del productor de un álbum es casi tan importante como la labor de la banda per se a la hora de lograr el sonido carácteristico del disco. En este caso, la labor de Salla y Masse Salazar, del grupo sueco de Hip Hop The Latin Kings se hace notable en cada una de las 13 canciones del álbum. La influencia que aparece en el disco, sin embargo, es una de espíritu mas que de sonido, que se manifiesta de forma mas contundente en la canción que le da nombre al disco, Give Me Fire, un tema con un aire retro pero al mismo tiempo con un aire bastante 'latino', una combinación que tambien se ve en Maybe Just Sad, que tiene un curioso tufillo a surf y películas de James Bond. Por otro lado, los otros temas del álbum recuerdan a su álbum anterior Never Seen The Light of Day pero con un sonido mas bailable, como es el caso de la apropiadamente llamada Dance With Somebody, Mean Street, o Gloria. A Decent Life, un tema instrumental de 1:45, por su parte, se convierte en el puente perfecto entre la primera mitad del álbum, mas bailable, y la segunda, que no lo es tanto y apela mas a un sonido mas propio del post-punk.

Aunque no es exactamente un punto de partida para quienes no conocen a estos suecos, Give Me Fire se convierte en una invitación para ver como ha evolucionado el sonido de la banda despues de escuchar con juicio sus anteriores trabajos.

Amor Ñoño

2009-02-12T23:59:00.004-05:00

Francamente, la idea del día de San Valentín, o del día del Amor y la Amistad como se conoce por estas latitudes, me parece desagradable. Lo último que necesito es que la mafia de las tarjetas, las flores y los chocolates dicte las fechas en las que puedo decirle a alguien lo que siento. Sin embargo, me pareció que esta es una buena fecha para publicar una lista que venía cocinando desde hace un tiempo, de canciones ñoñas de amor, desamor y demás. Así que aqui vamos (Noten que hay varias canciones de un solo artista, y que algunas de estas canciones son, si me permiten una ligera guarrez, para 'Rematar la faena'):

P.S You Rock My World -Eels
You're The Storm, And Then You Kissed Me, Heart Breaker, Our Space Lead Me Into The Night, If There Is A Chance - The Cardigans (Que no se note mi teenage crush de Nina Persson)
Oh Oh I Love Her So, She's A Sensation, I Wanna Be Your Boyfriend, Needles And Pins - The Ramones
I Can Buy You, Song For The Leftovers - A Camp
I Love You - The Pipettes
Set The Fire To The Third Bar, Open Your Eyes, Crack The Shutters, Run - Snow Patrol
Nicest Thing - Kate Nash
De Viaje - Los Planetas
In Joy And Sorrow, Join Me (In Death), It's All Tears (Drown In This Love) - HIM (La última es para 'Rematar la faena')
Dagger - SlowDive
Cancao Pra Voce Viver Mais, Eu, Por Perto, Me Explica, 30000 Pés - Pato Fu
The Girl, Forgive Me - City & Colour
Ni Tu Ni Nadie, Mi Novio Es Un Zombie - Alaska & Dinarama (Se lo que están pensando, pero si entraron a un blog que se llama 'Ñoñerismo Musical', sabían a que se atenían)
Walk Like A Zombie - Horrorpops (Para seguir con el tema de los Zombies y 'el amort' como lo llaman algunas chicas)
Saturday Night - The Misfits
Eres - Café Tacuba
I Just Think She's The Best, Will You Go To Prom With Me - HelloGoodbye
Glycerine - Bush
Liquid Paper - Airiel
Funny Little Frog - Belle & Sebastian
Como Eran Las Cosas, Las Demás, Risa, Mareo, Suturno, Irresponsables, El Colmo - Babasónicos (Adrián Dárgelos es el Sandro de nuestra época)
La Estaca, Bolero Falaz, Sortilegio - Aterciopelados
Hurt (Preferiblemente, la versión de Johnny Cash)
My Immortal - Evanescence (Si. Evanescence. ¿Problemas?)
Como te diré, Rosa, Yo Te Amo, Tengo, Dame Fuego - Sandro de América (La verdad sea dicha, hubiera puesto mas canciones de el, pero mejor lo dejo así)
Samson, Fidelity, Your Honor - Regina Spektor
Walk On The Moon, And Then He Kissed Me - Asobi Seksu
Drag, Without You I'm Nothing, I'll Be Yours, Every You Every Me, Special Needs - Placebo
Guilty Cubicles, I Slept With The Bonhomme At The CBC, Mossbreaker - Broken Social Scene (Tambien son mas canciones de fondo que cualquier otra cosa)
In The Flesh, Hanging On The Telephone, One Way Or Another - Blondie
I'm Gonna Make Him Mine (Tonight) - The Donnas
Sidewalk When She Walks - Alexisonfire
Too Cold For You, Hot Night Crash, If Anyone Matters It's You - Sahara Hotnights
Obstacle 2, No I In Threesome. Evil, C'Mere, NARC - Interpol
You Look So Fine, Milk, Medication - Garbage
Teardrop - Massive Attack (De nuevo, canción para terminar la noche)

Creo que esta es una lista razonablemente completa de canciones sobre aquello que La Guía del Viajero Intergaláctico recomienda evitar en la medida de lo posible... Pues nada, disfruten. Chau

Clara Rockmore - Clara Rockmore's Lost Theremin Album

2009-02-10T23:59:00.002-05:00

El Theremin...De la misma manera que el trabajo en radares nos dio el horno microondas, la investigación de Léon Theremin (Lev Termen) sobre sensores de proximidad financiada por el gobierno soviético nos dejó un instrumento que en principio, fue patrimonio de las películas de serie B, pero que en su momento, fue explorado de manera juiciosa por algunos musicos, como Clara Rockmore, en el Clara Rockmore's Lost Theremin Album.

Sin ponerme demasiado técnico con el tema, el Theremin es uno de los instrumentos mas díficiles de controlar debido a su diseño. Al no requerir contacto directo del músico con el instrumento, el control del tono se convierte en una tarea complicada, a fin de cuentas, tampoco hay guías por el estilo de los trastes de una guitarra, así que que depende del control que tenga él músico sobre sus movimientos, siendo esto una de las razones que ha hecho que el instrumento sea visto mas como una novedad y un gimmick. Sin embargo, el entrenamiento clásico de Rockmore le dio una técnica que muchos thereministas no tenían, y que conjugada con su oído absoluto le daba grandes ventajas a la hora de ejecutar piezas en el Théremin. A fin de cuentas, tener la capacidad de reconocer cualquier nota tiene que ayudar a la hora de tocar un instrumento que puede producir notas de cualquier tono a lo largo de su rango.

Todas estas características se expresan en la sorprendente capacidad de Rockmore para explorar el potencial del instrumento, logrando producir un sonido que solo puede ser descrito como una combinación entre un violín, un cello y la voz humana. Acompañada de su hermana Nadia Reisenberg en el piano, Clara Rockmore presenta versiones fascinantes de Schubert (Ave María), Dvorak (Humoresque), Villa-Lobos (Aria de Baquianas Brasileras No. 5), entre otros, rematando el álbum con una versión de La Vie en Rose que es un final perfecto para mostrar el rango y capacidades del instrumento.

Otrora patrimonio de las películas de serie B, el Théremin, en las manos de Clara Rockmore, es un instrumetno fascinante y sorprendente, y el Clara Rockmore's Lost Theremin Album es una prueba de porque Rockmore es considerada una de las mejores exponentes del Théremin en la historia.

No hubiera escuchado este álbum de no haber sido por Grace. A Grace le gusta el té, pero no le gusta lavar los platos

Mastodon - Divinations

2009-02-08T23:59:00.001-05:00

Conozco el buen Metal cuando lo oigo, y Mastodon es una banda de buen Metal. Como he dicho en otras ocasiones, hay que quitarse el sombrero cuando uno oye a una banda que logra crear un album entero basado en Moby Dick (Leviathan), y como mencionaba en el primer post de este año, se encuentran próximos a lanzar Crack The Skye, la continuación de su álbum de 2006 Blood Mountain, y cuyo primer sencillo, Divinations, está disponible en la página de MySpace de la banda.

Es una canción que se siente distinta a lo que ha hecho la banda de Georgia, mas no por ello es irreconocible con respecto a anteriores trabajos. El aspecto que mas resalta es el trabajo vocal, dejando de lado las partes excesivamente guturales para hacer uso de una voz que aunque rasgada, es reconocible. Con respecto al sonido en general, aunque sigue teniendo la batería imparable y rápida de anteriores trabajos, las partes mas melódicas de las guitarras han cambiado de una manera tan sutil que es dificil determinar la naturaleza de ese cambio, aun cuando se siente. Aunque sigue teniendo el peso y oscuridad de anteriores épocas, lo hace desde una dimensión distinta, tratando de crear una atmósfera que evoque todo ello.

Divinations se convierte en un excelente abrebocas para lo que será el cuarto álbum de esta banda de Georgia... Desafortunadamente, hay que esperar hasta el 24 de Marzo. Unas por otras, supongo

John Frusciante - The Empyrean

2009-02-05T23:59:00.001-05:00

¿Que es ese olor en el aire? Oh si, es el aroma de nuevos proyectos en solitario de integrantes de bandas reconocidas, dentro de unos días NickelEye, el proyecto de Nikolai Fraiture (The Strokes) verá la luz, pero mientras tanto, echémosle una mirada a The Empyrean, nuevo álbum en solitario de John Frusciante, guitarrista de los Red Hot Chilli Peppers.

Una de las maneras en las que se puede describir el sonido de este album de Frusciante es 'Libre Asociación', como lo demuestra Before The Beginning, corte que abre el disco, que en sus 9 minutos apela a un beat de batería muy sencillo sobre el cual Frusciante elabora un complejo pero accesible trabajo de guitarra... Cada uno de los 12 temas del álbum parte de un punto determinado para terminar de una manera diametralmente distinta gracias a esta Libre Asociación que Frusciante le imprime a su música, con un carácter improvisacional pero al mismo tiempo metódico y pulido. Otra manera de describir el sonido del álbum es a través del lente del Rock con mas fuerte inspiración bluesera que se haya oido en un buen tiempo, como el caso de Unreachable, God, o Central, canciones con un sonido construido a partir de capas sucesivas de instrumentación que le dan un sonido complejo y agradable de explorar al álbum.

Otra de las agradables sorpresas del álbum es la voz misma de Frusciante, si en sus participaciones en los coros de RHCP siempre se caracteriza por un registro mas o menos alto, en varias de las canciones de este álbum sorprende con una voz que con un registro bajo le imprime mucha fuerza al sonido del álbum, aun cuando en One More Of Me se oye algo forzado por momentos.

Junto con Matt Bellamy, y Omar Rodríguez López, John Frusciante es uno de los mejores guitarristas que hay en la actualidad, con un sonido desprovisto de artificios The Empyrean es una visita a las raíces del Rock, presentándolas de una manera que sin sonar anticuada o anacrónica, nos recuerda lo que fue ese sonido, al mismo tiempo que nos muestra aquello de lo que puede ser capaz.

Albricias! Que es eso que veo ahi! Es un nuevo link en la sección de vinculos!! Asi es, ahora Artifacts Tshirts hace parte de la lectura recomendada de esta humilde paginita. Camisetas extremadamente coquetas, con las cuales cubrir nuestras vergüenzas.

A Camp - Colonia

2009-02-03T23:59:00.001-05:00

Y ya se llegó Febrero. Por un lado es malo... Quiero decir, ya estamos en Febrero y esa odiosa sensación de 'No se ha hecho nada' sigue ahi, pero por otro lado, quiere decir que ya empiezan a salir los lanzamientos, como es el caso de Colonia, el segundo álbum de A Camp, el proyecto en solitario de Nina Persson (Vocalista de The Cardigans).

A pesar que la voz de Persson ha madurado desde sus comienzos en los Cardigans, sigue reteniendo una sorprendente sensación de dulzura, como lo muestra en Stronger Than Jesus, el sencillo inicial del álbum, y otras canciones como Here Are Many Wild Animals (Mas specíficamente, los coros), o My America; mientras que por otro lado, temas como Golden Teeth And Silver Medals, Chinatown y The Weed Had Got There First muestran una versión mas adulta y menos adolescente de la voz de la cantante sueca.

Musicalmente, es un álbum dificil de describir, si el primer álbum del proyecto, lanzado en 2001, tenía un marcado aire country, este segundo álbum toma prestado de varias inspiraciones para constituir su sonido.Como el nombre Colonia lo puede sugerir, hay un aire de antiguedad en el sonido de los temas evidenciado en primer lugar, a través de los arreglos de trompetas en canciones como The Crowning o de cuerdas en Love Has Left The Room, mientras que las letras, con sus referencias al Congo Belga, los Barrios Chinos y los desiertos africanos evocan la sensación de un imperio que está en decadencia, pero que combinado con la guitarra electrica y la voz de Nina Persson, recuerda que estamos en la primera década del siglo 21. No me parece descabellado decir que mas que ser un Pop Bárroco por el estilo de I'm From Barcelona, Colonia es un album de pop steampunk, con una peculiar combinación de elementos antiguos y nuevos que hacen de cada una de las 12 canciones de este disco una exploración intrigante y fascinante.

Con colaboraciones del calibre de James Iha, Colonia es la mejor elección para quienes quieren una experiencia musical elegante y sobria pero no pomposa, quienes están esperando un nuevo álbum de Los Cardigans, y quienes aun no nos recuperamos de la traga adolescente de Nina Persson.

Franz Ferdinand - Tonight: Franz Ferdinand

2009-02-01T23:59:00.001-05:00

Evidentemente, mi lista de albums a los cuales echarle el ojo en 2009 estaba un pelín incompleta, porque dejé de lado álbumes que van a salir en este año tales como el de Yeah Yeah Yeahs, y el que nos ocupa en esta ocasión: Tonight: Franz Ferdinand, de Franz Ferdinand.

Hay una cosa que me molesta mucho cuando una banda está grabando un nuevo álbum, y esa cosa es el exceso de experimentación. No me malinterpreten, me encanta que una banda explore otras cosas y no se quede en el mismo sonido álbum tras álbum, pero en ocasiones simplemente 'experimentan por experimentar' y no sale nada bueno (Coldplay, los estoy viendo, en serio, que pasó en el Viva la Vida?). Y ciertamente temí eso mientras leía artículos sobre lo que estaban haciendo Alex Kapranos y cía, debido a los reportes de la significativa influencia del sonido dub en el álbum. Aunque de cuando en cuando me he encontrado moviendo el bote (hago lo mejor que puedo) con canciones de reggae, nunca creí que combinar ese sonido con las guitarras mod e interpolescas de FF fuera buena idea.

Sin embargo, la influencia de estsos sonidos es una influencia que se ve mas en espíritu que en el sonido per se. Desde su primer álbum, el sonido de Franz Ferdinand ha sido un sonido que cabe perfectamente dentro de los límites del Dance Rock o el Dance Punk, y este álbum asienta en esos terrenos a la banda con mas fuerza que nunca, manteniendo esa sensación de 'Noche de debacle' que se oía desde sus comienzos (Como lo demostró Darts of Pleasure). Canciones como Can't Stop Feeling, Dream Again, o Send Him Away muestran esto de una manera sorprendente, incluyendo elementos de sintetizador que sin sentirse fuera de lugar dentro del sonido mas 'tradicional' de la banda escocesa, si se pueden econocer con facilidad como influencias y expeimentaciones por parte de Franz Ferdinand, rematando el álbum con Katherine Kiss Me, un tema en el que una guitarra acustica y la voz de Alex Kapranos cierran el álbum de una manera tan sencilla y a la vez sorprendente que uno queda con algo de shellshock despues de oírla... como el vaso de jugo de naranja frío y el silencio de la mañana que contrastan con los tequilas y la música a todo volumen de la noche anterior.

Tonight: Franz Ferdinand es el ejemplo perfecto de como una banda debe experimentar con su sonido sin alejarse en exceso de sus raíces. Aunque Lucid Dreams es un tema que se siente demasiado largo e incluye quizá demasiadas cosas para su propio beneficio, es probablemente el único lunar en un álbum que demuestra porque Franz Ferdinand es una de las bandas mas importantes en salir durante esta década.

Hoy Lunes a las 8:00 de la noche, en El Kanal (Canal número 70 de Telmex), se presentará Conector, el proyecto de Héctor Buitrago y del que tuve ocasión de hablar en un post pasado. Es un proyecto realmente interesante al que les invito que le echen una mirada (La gente aun usa VHS para grabar cosas, no)

The Kills - Midnight Boom

2009-01-29T23:59:00.001-05:00

Estoy a punto de hace una afirmación que probablemente me quite a 2 de mis 3 lectores: Hasta hace muy poco, lo único que había oido de The Kills era la participación de Allison 'VV' Mosshart en Meds de Placebo. La banda era una de mis muchas 'Asignaturas Pendientes': De esas bandas que se que debería pararles oreja pero que por X o W razón no les he puesto mucha atención, habiendome enterado que lanzaron un nuevo álbum (Midnight Boom) en 2008, pensé que era buena idea escucharlos y cruzarlos de mi lista de bandas que no había escuchado.

De la misma manera que muchas veces la gente confunde el término 'Bestiarista' con 'Malo', tambien suele confundirse el término 'Minimalista' con adjetivos como 'Limitado' o 'Chambón'. The Kills es prueba que semejante emparejamiento carece de todo fundamento. Midnight Boom sigue la línea de No Wow y Keep On Your Mean Side (Si, hice la tarea completa). Usando la sencilla pero poderosa combinación de Guitarra+Drum Machine+Otros Arreglos para crear canciones que se sienten completas, y demostando como en muchas ocasiones, 'Menos es Mas', y lo que se demuestra en canciones como Last Day of Magic o What New York Used To Be, mientras que en otros momentos forman un sonido que aunque similar al muro de sonido del shoegaze, no tiene la misma densidad de este, pero no por ello deja de ser intrigante. Goodnight Bad Morning, la canción que cierra el álbum es un contraste agradable con respecto a las canciones rápidas, de guitaras distorsionadas y beats igualmente alterados y secuenciados (Como en Cheap & Cheerful), mostrandonos una guitarra acústica, una percusión sencilla, y una nueva dimensión dentro de la voz de Mosshart.

Por otro lado, aunque ciertamente se ha notado un cambio en la voz de 'VV' Mosshart, en algunos pasajes del álbum, su voz se sigue sintiendo muy parecida a la de Shirley Manson de Garbage. algo que se sentía con mayor fuerza en anteriores trabajos pero que con el paso del tiempo ha disminuido gradualmente.

En una época en la que las bandas de Lo-Fi y Garage Rock están a 500 pesos la libra, es agradable ver bandas que realmente exploran el concepto y no tratan de simplemente salirse con la fácil. Aunque con algunos vicios, Midnight Boom es otro paso mas en la exploración que hace The Kills de las posibilidades de una guitarra, una máquina de secuencias, y una voz con agallas.

Conector

2009-01-27T23:59:00.006-05:00

Esta semana tuve la oportunidad de asistir a una presentación de Conector, proyecto alterno de Héctor Buitrago (Aterciopelados) para el programa Nuestra Música, que será transmitido en Telmex la próxima semana (El Kanal, lunes a las 8 de la noche).

Habiendo escuchado el primer disco del proyecto, que contaba con colaboraciones de artistas como Julieta Venegas y Fernanda Takai (Vocalista de la banda brasilera Pato Fu), estaba realmente interesado en conocer que estaba haciendo el proyecto en este momento, encontrándome con una propuesta que difiere considerablemente de lo oído en el primer disco y que es, como el mismo Héctor lo define, una forma de 'Meditación Sónica Urbana', que según me explicó Héctor es producto de la experimentación con otros sonidos después de la grabación del primer álbum de Conector, aun así, mantiene el carácter de 'Mestizaje Musical' que tenía su anterior trabajo, aunque de una manera mas global por decirlo así; si en el primer álbum conjugaba con éxito elementos de la herencia cultural de toda SurAmérica, esta nueva versión de Conector tiene un carácter mas global, incluyendo cantos guturales de Mongolia y Tibet junto con la presencia del Diggeridoo australiano.

Junto con Ricardo Fernández en la guitarra y Samuel Alfonso en la voz, Buitrago ha logrado crear una propuesta de caracter enteramente ambiental a partir de una base constituida por el sintetizador, los efectos de la guitarra y voz, una base sobre la cual se combinan distintos elementos que dan pie a una colección de sonidos que se convierte en el telón de fondo ideal para los procesos meditativos que busca el sonido de Conector, una naturaleza meditativa que se ve potenciada por los montajes visuales de Claudia Tobón que logran tener un efecto similar al de una mandala cuando se conjugan con la propuesta sonica de Conector. En este sentido, la propuesta de Héctor Buitrago debe tomarse en consideración no solo desde su dimensión sónica, sino que tambien debe tener en cuenta su acompañamiento visual, así como su caracter improvisacional que da como resultado un sonido que puede llevar a quien lo escucha a través de un viaje similar al de Phillip Glass en la serie Qaatsi en la que se empieza en un lugar determinado, y antes de darse cuenta, se termina en otro lugar completamente distinto, con un cambio por dentro que requiere una cuidadosa introspección para determinar su naturaleza. En este sentido, Conector es una propuesta que requiere un esfuerzo por parte de quien la escucha para dejarse llevar por la música, un esfuerzo tanto a nivel psíquico en términos de una determinada disposición mental, como físico en términos de los efectos que trae sobre el cuerpo, lo cual puede o no ser algo a lo que la audiencia esté dispuesta desde el comienzo, pero no es algo que de alguna manera demerite a la propuesta per se.

De la misma manera que su primer álbum es una de las joyas no descubiertas de la música nacional, este nuevo camino que recorre Conector es una propuesta que requiere una mirada juiciosa, que va mas allá de la musica y se convierte en una experiencia que tiene efecto sobre todos los sentidos.

Y cierro con este video de Héctor hablándo sobre el trabajo con Fernanda Takai en el primer álbum de Conector (Perdonarán la interrupción abrupta):

The Loved Ones - Build & Burn

2009-01-25T23:59:00.001-05:00

Aunque en los últimos 6 años mi gusto musical ha sabido crecer mas allá del Punk (No es que haya nada malo con ello), siempre habrá un lugarcito en mi corazón para las canciones de 3 minutos con guitarras fuertes, como es el caso de The Loved Ones, banda de punk de Philadelphia que presenta su segundo album de estudio, Build & Burn.

En sus 10 canciones y casi 33 minutos, la banda de Dave Hause, Mike Sneeringer, David Walsh y Chris Gonzalez recorre buena parte de lo que el Punk ha sabido ofrecer a lo largo de estos años. Las canciones del álbum están llenas de coros que invitan al sing-along sin ser cursis o forzadas de alguna manera, como ocurre con The Inquirer y Pretty Good Year, canciones que abren el álbum, al mismo tiempo que logran manejar el 'cambio de velocidades' de una manera sorprendentemente buena, como ocurre en Brittle Heart y Selfish Masquerade, canciones que se encuentran a la mitad del disco, y que por su naturaleza mas lenta (mas no por ello débiles o faltas de fuerza) dan ese efecto de 'Intermezzo' que preparan a quien escucha el álbum para 3rd Shift que con su caracter básico logra una sensación de fuerza y rápidez que se multiplica en Dear Laura, probablemente la canción de carácter mas político del álbum.

Producido por Pete Steinkopf y Brian Keinlen de The Bouncing Souls, y con participaciones de Franz Nicolay y Tad Kaubler de The Hold Steady, este álbum de The Loved Ones es la prueba que en el caso del Punk, la palabra clave es 'Evolución': Como el sonido de la banda va cambiando y madurando sin perder aquello que hace al género lo que es, la fuerza y las ganas de hacer las cosas a la manera propia

Prueba que es posible ser rudo y cursi

2009-01-22T23:59:00.001-05:00

Se que quizá me estoy excediendo un poco con esto de los videos de YouTube, pero Enero es un mes tradicionalmente poco activo en lo que a lanzamientos se refiere, asi que tampoco es tan grave. De todos modos, algo como lo que voy a mostrar a continuación no se encuentra todos los días... Quiero decir, ¿cuando nos podemos encontrar con una versión en corrido de 'I Want You To Want Me' de Cheap Trick cantada por Gael García Bernal? Esta canción hace parte de la banda sonora de Rudo y Cursi. Disfruten, porque no hay nada mas ñoño que una versión en corrido de una canción setentera.

Les gustan las propuestas de diseño interesantes e intrigantes? Entonces les va a gustar Metralla Gráfica.

A Very Special Episode

2009-01-20T23:59:00.003-05:00

Para ser honesto, dudé un poco sobre que tan necesario resulta escribir este post, a fin de cuentas, la poca gente que viene acá viene es a leer sobre música y no sobre política, pero la verdad es que el presidente de los EEUU es (Queramos admitirlo o no) el hombre mas poderoso del planeta, y dado que hasta el momento no tengo lectores de fuera de la Tierra, quizá si sea buena idea opinar algo al respecto.

Si alguien me hubiera preguntado sobre la posibilidad de ver a una persona negra llegar a la presidencia de los Estados Unidos durante mi vida, probablemente hubiera dicho que si, pero en un futuro mas o menos lejano, ciertamente no antes que llegara a cumplir 30 años, y mucho menos antes que terminara esta década, sin embargo, ocurrió, y mientras estoy escribiendo estas líneas, Barack Obama está a punto de tomar posesión como presidente de los Estados Unidos. A pesar de lo cacareda que se ha visto este término, realmente es un cambio, un cambio generacional en la política estadounidense y un cambio en la manera misma en la que se hace política y en la que la gente participa en ella, y la verdad sea dicha, toda la campaña presidencial de Barack Obama, la elección y la posesión de su cargo tienen una contagiosa sensación de optimismo y esperanza que le llega hasta a un cinico como yo, una sensación que, de alguna manera, las cosas no solo van a mejorar para el país del Baseball, los vaqueros y los Ramones, sino que van a mejorar para todos los que vivimos en este mundo.

Aunque obviamente, no todo es color de rosa, otra de las cosas que ha demostrado esta elección es el tremendo racismo que aun corroe a los Estados Unidos, la tremenda polarización que existe en ese país, y que en buena parte, es producto del efecto del fanatismo cristiano de ultraderecha que ha logrado tener en la psique colectiva norteamericana, y peor aun, el efecto de lo 'Políticamente correcto': Una odiosa forma de fascismo cultural que trata de eliminar las diferencias que nos hacen únicos y pone de manifiesto el temor irracional que tenemos los humanos a lo que es distinto de nosotros.

Como dice Harvey Dent en El Caballero Oscuro, "La noche es mas oscura justo antes del amanecer" y la aterradora verdad es que la noche aun no ha llegado a su punto de máxima oscuridad; asi como se vienen tiempos un poco mas oscuros para los EEUU, se vienen tiempos mas oscuros para el resto de nosotros, especialmente en este país. Aún así, la esperanza que logra ocultarse en mi eterno cinismo me dice que hay que esperar, que esa sensación de esperanza y cambio que invade el ambiente tiene que servir para algo y que las cosas van a cambiar.

Amanecerá y veremos.

Por cierto, Radio Galáctica (En la sección de Links) ya volvió al aire, eso es algo por lo que estar contentos.

To The Faithful Departed: Sleater-Kinney

2009-01-18T23:59:00.002-05:00

No, no voy a hablar del álbum de 1996 lanzado por los Cranberries, pero me pareció un bonito titulo para hablar de una banda que ya no está con nosotros y que es de esas bandas que uno se pregunta ¿Porque se disolvieron? hablo de Sleater-Kinney.

Compuesta por Corin Tucker, Janet Weiss (Inserten chiste del Show de Terror de Rocky acá), y Carrie Brownstein en 1994, era una banda con un linaje harto significativo, Tucker había hecho parte de Heavens to Betsy y Cadallaca, mientras que Brownstein hizo parte de la banda de Queercore Excuse 17, ubicandolas en un sitio privilegiado a la hora de sacar un mensaje feminista que a la vez tambien tenía que ver con una perspectiva de género; Tucker y Brownstein fueron pareja en los comienzos de la banda (La canción One More Hour trata sobre su ruptura) y la banda participó con Fred Schneider en un álbum de beneficiencia para la secundaria Harvey Milk, un colegio de Nueva York para jóvenes LGBT. Por otro lado, Fueron una voz fuerte frente al sexismo que imperaba en el rock durante los 80 y 90 (Que a fin de cuentas, fue lo que originó el Riot Grrl), como lo mostró Tucker con el slogan "Show Me Your Riffs" (Muestrame tus riffs) en respuesta al "Show Me Your Tits" (Muestrame tus tetas) que tanto el público como las bandas popularizaron durante la década del 90, o su frase: "We just want to say that we're not here to fuck the band. We are the band" ("Solo queremos decir que no estamos acá para follar con la banda, Somos la banda") en respuesta a un incidente en el que fueron confundidas con groupies de Jon Spencer Blues Explosion. Estas tres mujeres de Olympia, Washington resultaron ser una voz significativa, válida e de gran peso en el panorama del Riot Grrl.

Musicalmente hablando, Sleater-Kinney es uno de esos hermosos ejemplos de una banda cuyo sonido madura con cada album que lanzan, haciendose mas pulido y solido, sin por ello perder su fuerza y contundencia. El sonido desinhibido e In-Your-Face de su álbum debut homónimo se transformó a lo largo de su discografía para dejarnos en su último album, The Woods, con un sonido en el que la improvisación hendrix-esca tenía lugar, como aparece en la canción Let's Call It Love, una maratón de 11 minutos con un impresionante solo de batería. La formación de 2 guitarras, en las que el estilo de Tucker hacía las veces de bajo, y la combinación de la voz de Carrie Brownstein con el vibrato de Corin Tucker daban como resultado la propuesta mas intrigante del Riot Grrl y una de las bandas mas interesantes de finales de los '90/comienzos de los '00.

En 2006, un año despues del lanzamiento de su ultimo álbum The Woods, la banda anunció un paro indefinido, motivadom principalmente por el hecho que Corin Tucker acababa de dar a luz a su hijo y consideraba poco probable la salida de otra grabación despues de The Woods, dejándonos una carrera de 12 años, 7 álbums y una marca crucial en el panorama del Riot Grrl.

To The Faithful Departed volverá dentro de poco con The Blood Brothers.

A Camp - Stronger Than Jesus

2009-01-15T23:59:00.001-05:00

Por esas curiosas coincidencias de la vida, Mientras hablaba del próximo álbum de Nina Persson, me encontraba con el hecho que el primer sencillo del mismo, titulado 'Stronger Than Jesus' ya ha sido lanzado y está disponible para ver en YouTube.

Quienes hemos oido a The Cardigans a lo largo de los años nos hemos encontrado con la agradable evolución que ha experimentado la voz de Persson, pasando de ese tono 'cute', sacarinoso y ciertamente adolescente de las épocas de LoveFool a una voz un poco mas ruda, un poco mas sugerente pero igualmente hermosa de canciones como If There Is A Chance o la hermosamente brutal And Then You Kissed Me, un cambio que permite ver a Nina Persson como una de esas mujeres que han causado la perdición de mas de un hombre, y que detrás de esa imagen de seguridad hay un historial de corazones rotos y algo de tragedia. Stronger Than Jesus es todo eso, y mas; mientras que el sonido nos recuerda a una combinación de los dos últimos álbumes de The Cardigans, la letra es un gancho a la mandibula con frases como "You know that Love can do you like a Shotgun".

Aqui está el video de la canción, un medley de todos los clichés de Eurovision que se amolda de manera perfecta a la canción.

Cat Power - The Dark End Of the Street

2009-01-13T23:59:00.001-05:00

Junto con Nina Persson, podría decirse que Chan Marshall (Tambien conocida como Cat Power) es una de mis 'teenage crushes' en lo que a música se refiere, no solo por el hecho que es una mujer hermosa, sino porque la música que hace es de las cosas mas interesantes que se han oido en los últimos años. En mayo del año pasado tuve la oportunidad de verla en vivo (Lo que realmente no creí posible), quedando gratamente soprendido con lo que vi, una presentación pulida y elegante, que se distanciaba de los reportes de conciertos en los que paraba las canciones a mitad de camino y otras cosas por el estilo.

Su EP The Dark End Of The Street, lanzado a finales de 2008, continúa mostrando el cambio en el sonido de Cat Power que fue inaugurado en su mas reciente álbum, Jukebox, un sonido menos experimental y mas bluesero, que aumenta en una forma exponencial la cualidad atmosférica de la música de Marshall, con su suave voz de acento sureño flotando sutilmente sobre la melodía, dándole a las canciones de The Pogues, Nina Simone, Otis Redding, Creedence Clearwater Revival, Sandy Denny y Aretha Franklin que componen este EP una nueva lectura.

Como suele ocurrir en el caso de un artista que lanza un EP poco depsués de un album, las canciones que componen The Dark End of the Street son canciones que por x o w razón no entraron en el Jukebox, sin embargo, no deben considerarse como canciones de segunda o algo por el estilo; aunque es cierto que dada su similitud con el álbum que le precedio "ni quita ni pone" dentro de la discografía de la talentosa Srta. Marshall, es un buen tentempié mientras su nuevo álbum de estudio (que según la revista Spin se encuentra preparando) ve la luz.

En otras noticias, he añadido a la sección de links a RadioCapsula, un excelente sitio de música al que vale la pena echarle un ojo, también, en la medida que mi experticia me lo permita, empezaré a cambiar el diseño del blog.

Aaaaaand I'm Back

2009-01-11T23:59:00.001-05:00

Y Ñoñerismo Musical hace su regreso triunfal en este 2009 despues de un 2008 que terminó algo accidentado (por usar un término). A quienes siguen esta página con regularidad les doy una bienvenida, y para volver al ritmo de competencia, pensé que era una buena idea mencionar algunas bandas que lanzarán sus nuevos álbumes en este 2009 y a las que resulta necesario echarles un ojo.

A Camp: La hermosa y talentosa Nina Persson vuelve con su proyecto en solitario después de su muy interesante primer álbum de 2001. Titulado Colonia y con colaboraciones de la talla de James Iha, este álbum promete una dirección distinta tanto lirica como musicalmente hablando con respecto al trabajo de 2001.

Mastodon: Una de las mejores bandas de Metal de esta década ataca de nuevo con el sucesor al Blood Mountain, con Crack the Skye, basado en la Rusia Zarista y con un mood mas etéreo pero a la vez mas oscuro que tambien parece ser una desviación con respecto a lo mostrado en álbumes como Leviathan y Blood Mountain.

LostProphets: Tres años despues de su controvertido Liberation Transmission, la banda galesa presentará su cuarto álbum, It's Not The End Of The World But I Can See It From Here, que a diferencia de los álbums anteriormente mencionados, parece representar un regreso al sonido mas duro de la banda que vimos en su primer álbum combinado con una inspiración lírica mas oscura.

Alexisonfire: Despues de Crisis, los 5 de St. Catharines, Ontario presentan Young Cardinals, un album prometedor tras las declaraciones de George Petit en las que afirma que AOF quiere ser la banda que clave el puñal en el screamo con un álbum mas pesado en términos de su atmósfera.

Sahara Hotnights: A juzgar por lo oido en su sencillo In Private (cover de Dusty Springfield), estas encantadoras señoritas suecas seguirán con el camino marcado en su album mas reciente, con un sonido mas sofisticado y que en ocasiones llega a recordar a bandas como Goldfrapp. Amanecerá y veremos.

Junto a estos álbumes, bandas como The Strokes tambien estarán metiendose al estudio para grabar nuevos proyectos. Además de estos lanzamientos, ¿Cuales otros esperan ustedes?

Milagros de Navidad y Álbumes Recomendados

2008-12-24T09:35:00.004-05:00

Es un milagro de navidad! La pequeña crisis de mi PC se resolvió a tiempo para la víspera de navidad, y justo a tiempo para cerrar con un post sobre los álbums recomendados de este año, cabe aclarar que no están en ningun orden particular, y aqui vamos

Cat Power - Jukebox

Otro álbum de Covers por Cat Power? Si, pero covers que muestran la madurez que ha alcanzado la hermosisíma Chan Marshall (A quien vi en vivo en mayo de este año) después de su lucha con la depresión, un estilo menos experimental y mas bluesero que le da una lectura muy interesante a los temas que toca en este álbum, se recomiendan la versión que hace de Naked If I Want To y de Angelitos Negros (Cuando la cantó ayudada de una hoja con la traducción en el concierto fue un momento harto encantador)

The Mars Volta - The Bedlam In Goliath

En este nuevo álbum, Cedric Bixler-Zavala y Omar Rodríguez López nos muestran que el rock progresivo está muy lejos de ser un dinosaurio, cada una de las canciones de este álbum resultan complejas e intrigantes sin ser empalagosas o díficiles de abordar, mostrando una vez mas como la genialidad técnica de Rodríguez-López es puesta al servicio de un sonido que invita a ser explorado una y otra vez. Temas recomendados: Metatron y Asklepios

M83 - Saturdays = Youth

El proyecto francés de shoegaze regresa con todo después que muchos (me incluyo) los dimos por acabados con un álbum que en las palabras de Jeph Jacques es "Una carta de amor a los 80" pero lejos de ser una carta nostalgica y forzada, es un esfuerzo cuidadoso de recoger todo aquello que nos gustó de esa década y hacerlo funcionar en esta época, con canciones llenas de angustia, belleza y algo de tristeza propia del shoegaze. Temas recomendados: We own the sky y Graveyard Girl

Nine Inch Nails - The Slip

Cuando un artista (aun si es Trent Reznor) lanza dos álbumes en dos años, uno puede pensar que son simples ganas de ganar algo de $$ llenando las tiendas con sus discos, lo que ciertamente no es el caso con este álbum. Aunque en ocasiones se siente con una división demasiado modular para su propio beneficio, es una muestra clara del la evolución que ha experimentado el sonido de Trent Reznor a lo largo de esta década, con una propuesta conceptual y sónica muy clara. Temas recomendados: Corona Radiata y Discipline

Rise Against - Appeal to Reason

Lo bueno de las bandas de Hardcore que logran permanecer a lo largo de los años es ver como su sonido lentamente anda por caminos mas sofisticados pero no por ello menos comprometidos, fuertes, o agresivos, como es el caso del álbum mas reciente de Rise Against, que retiene la fuerza de sus primeros trabajos, conjugada con el aire mas melódico que la banda ha ido adquiriendo. Temas recomendados: Savior y Hairline Fracture

Mogwai - The Hawk is Howling

Otro álbum que puede ser descrito en términos de 'Rabia contenida', aunque no por el estilo de Rise Against, este álbum de los escoceses de Mogwai recuerda a un hombre con una vendetta por llevar a cabo y que está encerrado en una habitación esperando su momento de salir a la calle. Guitarras fuertes pero no por ello desprolijas hacen su aparición en cada uno de los cortes de este álbum, uno de los mejores de este año. Temas recomendados: Batcat y The Sun Smells Too Loud.

Sigur Rós - Með suð i eyrum við spilum endalaust

Hace un par de años no hubiera creido posible que me terminara gustando tanto un álbum de Sigur Rós, sin embargo este es el caso con su mas reciente producción, dejando atrás el sonido etéreo y dificil de agarrar de sus anteriores trabajos, Með suð... nos presenta un sonido mas orgánico, y en ocasiones, mas juguetón, sin por ello perder la gravedad y carga emocional asociada a los trabajos de Jonsi y Cía. Temas recomendados: nní mér syngur vitleysingur y Illgresi.

Babasónicos - Mucho

Los Babasónicos vuelven a la carga con un álbum que es mas rockanrolero que cualquier otra cosa, que sigue manteniendo el aire de 'Elegante Decadencia' que muestra el sucesor de Sandro, Adrián Dárgelos, lleno de canciones que enmascaran drama detrás de sus sombreros de ala corta. Canciones recomendadas: MicroDancing y Como Eran Las Cosas

Austin TV - Fontana Bella

Sin lugar a dudas, el descubrimiento mas agradable de RockAlParque, con un sonido que recuerda a bandas como Mogwai y Explosions in the sky pero sin sonar como una importación a la fuerza, teniendo un aire autóctono y mestizo muy interesante. Temas recomendados: Flores sobre las piedras y Ana no te fallé.

Estos son a mi juicio, los álbumes mas interesantes del 2008, hay algunos que se me escapan, como el debut de Does it offend you, yeah? (Cuyo vocalista es identico a Bam Margera) pero realmente no lo he escuchado con el juicio con el que debiera haberlo hecho asi que sería deshonesto de mi parte dar un juicio al respecto. Junto a los trabajos que he mencionado acá, otros como Bring Me Your Love de City & Colour o Lust, Lust, Lust de The Raveonettes, que merecen echarles una mirada.

Pensé que era un poco pretencioso de mi parte escribir lo que sigue, pero si se tomaron la molestia de leer todo esto, porque no leer un párrafo mas? Empecé este blog hace unos 6 meses básicamente como una forma de mantenerme ocupado mientras me recuperaba de un accidente mas o menos grave que sufrí a comienzos de este año, al hacerlo redescubrí algo que realmente me gustaba hacer pero que había olvidado, como es escribir. Quiero agradecerle a Lucía, Gloria, Andrea de EJE Records, Rafael Escandón de Bogotá Ciudad Rock, Jorge Pinzón y Juanita Bernal de CartelUrbano, Daniela de La Galáctica, Rafael, Bestiario del Balón, y en general, a todas las personas que han pasado a leer esta página. Este año fue un año bastante movido para mi, con una carga considerable de altas y bajas, y muchas cosas que creo que pasaron por la actitud con la que arranqué este 2008, la cual, cambiaré para recibir este 2009 que ya se viene encima. Ñoñerismo Musical volvera en enero del próximo año, mientras tanto, le deseo a todos aquellos que ha pasado por esta humilde paginita una muy feliz navidad y el mejor de los años nuevos.

Suerte, y cuidense. Los dejo con el saludo de navidad de las encantadoras Pipettes, yo me iré a alistar el playlist de la novena de hoy, que incluirá temas tan simpáticos como Merry Christmas Baby de los Ramones y Papai Noel Filho Da Puta de los Ratos de Porao.

Chau

Emergency Broadcast System

2008-12-16T23:59:00.003-05:00

Hola a todo el mundo.

Por inconvenientes técnicos (el disco duro de mi laptop está fallando) no va a haber posts nuevos en lo que queda de semana. Aunque la situación ha sido controlada, necesitaré reemplazarlo y eso se va a tardar unas semanas (y estoy siendo optimista acá) Eso tambien implica que algunos álbumes que tenía alineados para reseñar antes que terminara el año no serán reseñados (por lo menos, no en este año); sin embargo, haré todo lo posible para cerrar con mínimo uno, espero dos posts nuevos.

A aquellos que leen con cierta frecuencia esta humilde paginita, les agradezco su comprensión.

Muffin With A Candle On Top

2008-12-14T23:59:00.001-05:00

Aunque debía tener unos 8 o 9 años la primera vez que escuché algo de Nirvana (probablemente el unplugged), la verdad es que la primera vez que escuché el Nevermind tenía 12 años. Es ciertamente sorprendente que ya hayan pasado 11 años desde esa primera vez que escuché el álbum y 17 desde que vio la luz, y aunque Nirvana nunca ha sido una de mis bandas favoritas, resultaría un tremendo ejercicio de negligencia no reconocer la importancia que ha tenido ese álbum dentro de la historia de la música.

La importancia histórica de este álbum viene en dos frentes: En primer lugar, es el tiro de gracia al (ya en esas épocas) agonizante Hair Metal; durante toda la década del 80, bandas como Mötley Crüe, WhiteSnake, Poison, Europe y un larguísimo etcétera convirtieron al Rock (y por extensión al Metal) en una burla de si mismos: Además de reducir su producción musical a una formula preconcebida de canciones pesadas y Power Ballads, se terminaron encerrando en en un estilo autoglorificante y decadente, una eterna fiesta que no se identificaba con su audiencia y que enmascaraba situaciones mas patéticas, como lo demostró Penelope Spheeris en su documental The Decline of Western Civilization y escenas tan trágicas como la entrevista a Chris Holmes, ahogándose en una botella de vodka mientras flotaba en una piscina. La intromisión de los intereses de las grandes disqueras, que habían visto en esas bandas su gallina de los huevos de oro, junto a un zeitgeist que glorificaba y aupaba dichos excesos terminó cavando la tumba del 'género'. Kurt Cobain, a diferencia de personajillos como Vince Neil, Bret Michaels, o David Coverdale, se vestía, lucía, pensaba, y actuaba como aquellos a quienes les cantaba.

Por otro lado, Nevermind fue la materialización de un movimiento musical que se había estado gestando en secreto durante los años 80. Cada vez que se habla de Nirvana siempre se usa la trilladisima frase "Y de la nada, una pequeña banda de Seattle..." pero como lo dice Thurston Moore en el documental Punk: Attitude, lo que representó Nirvana no salió de ningun vacío, lograron sintetizar lo recorrido por bandas como Black Flag, Melvins, Sonic Youth y artistas como Glenn Branca para presentar algo que no solo tenía un mensaje conciso, sino que tambien tenía la capacidad de llegar a una audiencia particularmente grande, en ese sentido, se puede hablar de Nevermind como un album pop en su capacidad de llegar a distintas audiencias.

Dentro de unos años, Nevermind alcanzará su status definitivo como uno de los álbums mas importantes del Rock, manifestando su influencia a partir de bandas que revivirán un 'sonido noventero'... Será una experiencia harto interesante y que nos hará entender la verdadera importancia de (si me perdonan el cliché) esa 'pequeña banda de Seattle que salió de la nada'.

Guns 'n' Roses - Chinese Democracy

2008-12-09T23:59:00.001-05:00

Si he de ser realmente franco con ustedes, temía reseñar este álbum, y por eso le di tantas largas; la verdad sea dicha, negar a Guns 'n' Roses, es como negar a la mamá; te puedes refugiar todo lo que quieras detrás de Sonic Youth, CocoRosie, Los Campesinos y demás, pero sabes que muy dentro de tu gusto musical, hay un lugarcito para Civil War, Welcome to the jungle y un sujeto rubio que anda por ahí en boxers que dejan muy poco a la imaginación; ese aprecio por GNR en conjunción con la decepción que resultó ser Death Magnetic y el proceso de producción tan traumático del álbum (inserten chiste obvio sobre la democracia en China y la fecha de salida del álbum aquí) hicieron que realmente no quisiera darle una mirada por miedo a resultar decepcionado.

Haciéndole honor a su larguísimo proceso de producción y a la legión de personas que estuvo detrás del mismo proceso, la mejor forma de describir las intenciones de este álbum sería con el adjetivo épico, en su hora y 11 minutos de duración Axl Rose et. Al hacen un viaje por una serie de géneros que en manos de una banda de menor valía resultaría un desastre, pero que en este caso no lo es; el Hard Rock del que GNR hizo escuela en sus anteriores épocas aparece en canciones como Chinese Democracy, I.R.S. There Was a Time, Riad n' The Bedouins o Madagascar, apareciendo de una manera que no resulta anticuada u obsoleta; al mismo tiempo, la experimentación con los elementos industriales que había resultado tan malograda en la canción Oh my God, reaparece en una interesante manera en Prostitute o Shacklers' Revenge que es, hasta el momento, mi corte favorito del álbum; y en una prueba que no se pueden negar los origenes, This I Love, Street of Dreams y There was a Time se convierten en las sucesoras espirituales al himno para la melancolía que es November Rain; en ese sentido, es necesario reconocer que la proeza de mezcla de géneros del álbum es posible gracias a quienes hicieron parte de el, desde el virtuoso del avant-garde Buckethead, hasta Josh Freese, incluyendo a Sebastian Bach (Que si me cae bien, a diferencia de mi archi-nemesis Bret Michaels).

Puede que haya algo de verdad en la afirmación que el hard Rock es un género obsoleto y que a estas alturas del partido tiene poco que ofrecer, pero siempre es bueno ver que aquellas bandas y músicos con los que uno creción aun tienen algo que ofrecer. Aunque en ocasiones se sienta un álbum demasiado grande para su propio beneficio, escucharlo de a poco es la mejor manera de acostumbrarse a el.

Deadly Sins

2008-12-07T23:59:00.000-05:00

Como lo mencionaba en anteriores ocasiones, una de las grandes ventajas de la tecnología de hoy en día, es el hecho que le es mas fácil a las bandas hacer conocer su obra a través de medios no convencionales, pudiendo recurrir a plataformas como MySpace o Last.FM para mostrar lo que tienen, como es el caso de Deadly Sins, banda bostoniana de Punk.

Con un álbum (Selling Our Weaknesses) y un split con la banda Left Alone a sus espaldas, el sonido de Deadly Sins es un sonido agalludo y fuerte que recuerda a bandas como The Forecast, pero un poco mas pesadas, especialmente por la similitud en el registro de sus respectivas vocalistas, aunque Stephanie Dougherty (Deadly Sins) canta en un registro mas bajo que Shannon Burns (The Forecast) la fuerza que ambas imprimen a su canto es harto similar, lo cual siempre es agradable de ver, especialmente cuando la melodía y el estilo de la banda corresponde al esfuerzo de Dougherty, que tambien ha colaborado con los Dropkick Murphys en The Dirty Glass, canción del álbum Blackout.

En la página de MySpace de la banda se encuentran disponibles canciones de su álbum mas reciente, para echarle una mirada al sonido de estos pecados capitales.

The Ramones - Merry Christmas

2008-12-04T23:59:00.002-05:00

Sé perfectamente que estoy haciendo 'La Fácil' con estos vídeos de navidad pero me gustan mucho y no he tenido tiempo de hacer un post en propiedad (La otra semana por fin hablaré de Chinese Democracy, lo prometo)

The Ramones - Merry Christmas Baby

David Bowie & Bing Crosby - Little Drummer Boy

2008-11-30T23:59:00.001-05:00

Si hay algo que realmente me molesta en esta vida es la creciente tendencia a adelantar la navidad... Desde mediados de noviembre los centros comerciales se llenan de árboles de navidad e importadas versiones de Papá Noel (A quien ahora empiezan a llamar 'Santa') y otras cosas por el estilo. Por otro lado, me gusta mucho la música de Navidad, y si que hacia el primero de Diciembre nos estén bombardeando con cosas navideñas significa que se puede oir a David Bowie y Bing Crosby cantando El Tamborilero, bienvenido sea.

The Prodigy - Invaders Must Die

2008-11-27T23:59:00.001-05:00

Algo que parece marcar tanto a este año, como al que viene (por lo menos en parte) es el regreso de bandas que habían estado calladas por un periodo prudencial de tiempo, como ocurrió con Metallica, Guns & Roses, y The Prodigy, quienes lanzarán su nuevo álbum, Invaders Must Die hacia Marzo del siguiente año.

Desafortunadamente, en el caso de Metallica, dichos regresos aunque han no han sido malos, tampoco han sido particularmente sobresalientes, este no parece ser el caso con Invaders Must Die, cuyo primer sencillo del mismo nombre puede ser descargado en la página oficial de la banda.

Aunque resulta un poco arriesgado empezar a hablar de un álbum con solo un sencillo del mismo, hay algo que me impulsa hacerlo, principalemente, por el hecho que es agradable ver un 'Regreso a Forma' que está bien hecho, a diferencia de algunas de las canciones de Death Magnetic, Invaders Must Die nos recuerda al Prodigy Vieja Escuela, sin sonar desactualizado, viejo o repetitivo. Invaders Must Die se convierte en un excelente abrebocas para un álbum que ya de por si tiene altas expectativas.

El sencillo pued ser descargado acá.

Hasta la otra semana

The Sword - Gods of the Earth

2008-11-25T23:59:00.001-05:00

Todos tenemos un primo/amigo/conocido que es un completo stoner, y que dentro de todo es inofensivo y hasta divertido, a pesar que despues de andar con el uno siempre termine con munchies de segunda mano y con un dolor de cabeza del tamaño de una ballena, y lo mismo ocurre en la música, con el Stoner Metal y los exponentes de dicho género que hoy nos ocupan: The Sword con su 2do álbum, Gods of the Earth.

Aunque ciertamente es una descripción de la banda y que puede ser considerada como un estereotipo del género en su totalidad, las historias producto de la alteración de la conciencia constituyen una parte significativa del estilo lírico y musical de la banda de Texas, como lo demostraba su primer album, Age of Winters, guitarras densas y afinadas en clave menor, junto con bajos distorsionados y poderosos así como baterías de naturaleza casi épica, y que en cierta medida constituyen un muro de sonido propio del shoegazer. Sin embargo, como suele ocurrir dentro de la evolución del sonido de una banda, a medida que pasan los albumes aparecen nuevas influencias en el sonido que evitan que se queden en lo mismo una y otra vez; canciones como Lords o To Take The Black son prueba de ello, con un sonido que emparenta a la banda dentro del linaje del Heavy Metal clásico de Black Sabbath, al mismo tiempo que en este álbum, la voz de J.D. Cronise ha cambiado un poco con respecto a su primera producción asemejándose a lo logrado por el principe de las tinieblas, Ozzy Osbourne en sus días de gloria. En términos de la inspiración lírica, el álbum mantiene la línea de sus anteriores esfuerzos, con una feurte inspiración de la mitología nórdica, como aparece en How Heavy This Axe, The Frost-Giant's Daughter o The Sundering, al mismo tiempo que juegan un poco con la obra de H.P. Lovecraft, como lo muestra Fire Lances Of The Ancient Hyperzephyrians (que se gana el premio al título mas Stoner de una canción).

A pesar de lo mucho que me repugnan las etiquetas rebuscadas dentro del metal ('Melodic Despeluqueitor Socialist Death Metal'), Gods of the Earth es todo lo que debe ser el Stoner Metal: Una experiencia apabullante, densa y que invita a ser explorada en sucesivas ocasiones, sin riesgo de munchies, sequedad de la boca o cualquier otro efecto colateral.

O Canada! - Arcade Fire

2008-11-23T23:59:00.001-05:00

¿Había pasado bastante tiempo desde la última vez que hacía una de estas, no es así, chiquillos y chiquillas? Sea como fuere, hoy es momento para otra mirada a la música del país de Alexander Graham-Bell y Jéan Chrétien, hablando en esta ocasión de Arcade Fire.

Sin duda alguna, la banda encabezada por el matrimonio de Win Butler y Regine Chassagne hace parte de los sonidos representativos de esta década, tanto por su producción musical per se como por las circunstancias asociadas a su ascenso y popularidad; vivimos en la década de los fenómenos de Internet, donde con subir la música que se ha hecho a una página en MySpace o Last.fm alguien se puede dar a conocer sin necesidad de tener una disquera detrás de uno, juntado con las alegres coincidencias de ser descubiertos por David Bowie y Pitchfork Media, su álbum debut, Funeral, fue inmediatamente aclamado como uno de los mejores álbumes que había salido en un buen tiempo, (Y en mi opinión personal, uno de los mejores álbumes de esta década), y tenía todas las razones para hacerlo; el sonido de este álbum es representativo de lo que hemos oido en estos últimos años: Un intento claro de eliminar las barreras de lo que es el sonido del rock, conjugando guitarras distorsionadas con instrumentos poco convencionales dándole un aire orquestal a la música que crean, las 10 canciones de este álbum tienen la palabra 'Catarsis' escrita sobre ellas, pero es una catarsis oscura y melancólica, la sensación que deja Funeral es la misma que queda en el aire tras el funeral de un ser amado: La tristeza por quien se va, enmarcada en una especie de satisfacción por lo vivido.

2007 es el año en el que nos encontramos con su segundo álbum Neon Bible, que prueba que es posible romper la maldición del segundo álbum, llevando ese sonido característico de su primer álbum a un nuevo nivel, llevando el término de 'Pop Barroco' o 'Pop de Cámara' a una expresión que se encuentra peligrosamente cerca de ser su forma definitiva, una hazaña notable para el segundo álbum de una banda, con un sonido que recuerda a I'm From Barcelona, al mismo tiempo que sigue manteniendo ese aire sombrío de su primer álbum, haciéndole honor a su nombre, Neon Bible tiene un perturbador y provocador aire de misa.

Como mencionaba al comienzo, Arcade Fire tiene todo para ser una de las bandas mas representativas de lo que es el sónido de esta década, combinando elementos de distintas tendencias en una forma compleja y fascinante, tambien son, junto a Broken Social Scene, los mejores exponentes de la musica canadiense en los últimos años.

La proxima visita al Canadá musical será a Godspeed! You Black Emperor (Cortesía de Grace).

Albert Hammond, Jr. - ¿Como Te Llama?

2008-11-20T23:59:00.001-05:00

Ahora que lo pienso, otro título para esta reseña podría ser 'Los Pecados del Padre', porque la verdad sea dicha, Albert Hammond, Jr. ha estado -tanto con su carrera con Los Strokes como con su trabajo en solitario- pagando por el daño que su padre, Albert Hammond, Sr. le hizo a la música al perpetrar canciones con Julio Iglesias; y es así que nos encontramos con el segundo trabajo en solitario del jóven Hammond, ¿Como Te Llama?.

La impresión inicial del álbum es una de ambiguedad en la superficie, pero precisión mas allá de la misma; la ambigüedad viene en su título, que bien vendría a ser una atrocidad al español del corte del "1, 2, 3, catorce" de mi otro archinemesis, Bono, o podría ser el tipo de pregunta que uno le hace a una chica que está con un tipo que es un reverendo imbécil, que es, supongo, una interpretación distinta a la enorme red de conjeturas que aparece en el artículo de Wikipedia sobre el álbum.

Por otro lado, la impresión de 'Precisión' viene de su sonido, las 13 canciones que componen el álbum son canciones con una sorprente 'Economía de movimiento' por llamarlo de alguna manera, dicen lo que tienen que decir y suenan como tienen que sonar dejando una sensación que en ningún momento tienen elementos superfluos, con un sonido que es eficiente a la vez que es agradable al oído, como un VolksWagen Escarabajo que ha sido bien cuidado, algo que se ve en la canción que abre el álbum Bargain of the Century, mientras que un tema como GfC combina unas guitarras en apariencias simples con otras distorsionadas y fuertes, al mismo tiempo que Boss Americana le hace honor a su nombre, siendo una representante digna del sonido de 'New Americana' que han comandado los Strokes; En general, el sonido del álbum es un sonido que recuerda a los años dorados del rock en los 90, lo que tiene sentido cuando tomamos en cuenta que en la banda de Hammond se encuentran músicos que han trabajado con Lemonheads y Ben Kweller, aún así, hay un pequeño coqueteo con secuencias en Lisa, del cual sale bien librado.

Cuando hablaba del álbum en solitario de Kevin Drew, comentaba como este tipo de proyectos dejan ver la influencia de un artista en el sonido de la banda y viceversa, y esto mismo ocurre en este álbum, sin embargo, ocurre de una forma mas confusa que en otros proyectos de similar naturaleza; en este caso, resulta muy díficil establecer hasta donde va la influencia de Los Strokes en Albert Hammond y viceversa, como lo muestra Victory At Monterey, cuya batería hace que suene como The Other Side de Los Strokes, por otro lado, la voz de Hammond en ocasiones se siente muy parecida a la de Julian Casablancas, lo que las mas de las ocasiones, resulta demasiado confuso.

Aunque es un álbum interesante en si mismo, los momentos de similitud con el sonido de Los Strokes puede resultar un poco incomodo para algunos, por lo que una escucha juiciosa y atenta del álbum se hace necesaria.

En otras noticias, me enorgullece mucho anunciar mi filiación bestiarista, así como la inclusión de esta humilde paginita en la lista de links del Bestiario del Balón, sin duda alguna, una de las mejores páginas sobre fútbol que hay en este momento. Agradezco mucho la inclusión, y saludo a todos los que lleguen a ÑM producto del paso por el Bestiario.

Where The Grrls Are - Kathleen Hanna

2008-11-18T23:59:00.002-05:00

No muchas veces ocurre que el nacimiento de un género musical esté asociado de manera tan fuerte a un nombre propio, y aun menos que además de un género, haya un movimiento cultural asociado a ese mismo nombre propio, sin embargo, uno de esos raros casos es quien hoy me ocupa en esta edición de Where The Grrls Are: Kathleen Hanna.

Hablar de Kathleen Hanna es hablar del movimiento Riot Grrl, la revolución cultural de finales de los ochenta y comienzos de los noventa que se encuentra intimamente ligado a lo que ha venido a conocerse como la tercera ola del movimiento feminista. Hanna, nacida en 1971 se encontró con el feminismo a una temprana edad, cuando empezó a acompañar a su madre a eventos feministas y mítines dirigidos por Gloria Steinem, mostrándole la idea que una mujer puede hacer todo lo que quiera y que bajo ninguna circunstancia debería sentir que su género impone alguna medida de limitación sobre las opciones a las que tiene acceso, esta idea de 'Puedes hacer lo que quieras' al mismo tiempo resultaría crucial por ser, esencialmente, la idea que se encontraba en el núcleo de lo que fue el punk en sus comienzos, pero que se perdió en el sectarismo y la exclusión del Hardcore de los 80; utilizando elementos propios del mismo, como el zine para tomar el lenguaje de autoras como la misma Steinem y otras pensadoras, que con el pasar de los años se había visto anquilosado y presentarlo de nuevo a una audiencia que no necesariamente tenía acceso a la producción de estas autoras; una propuesta que eventualmente evolucionaría hacia la banda madrina del género: Bikini Kill y el género Riot Grrl, con bandas como Heavens to Betsy, Cadallaca, Bratmobile y Sleater-Kinney, dándoles a miles de mujeres jóvenes un sentido de empoderamiento que no habían podido experimentar en un buen tiempo, aportando términos al lexicon de la cultura popular como Grrl, al mismo tiempo que resignificaron otros como Dyke, Que vendría a traducir algo así como 'arepera', pero que tras su apropiación por la comunidad lesbiana ha terminado por adquirir otras connotaciones.

En un sentido mas general, implicó un despertar político mas organizado del movimiento Punk; dejándo atrás la anarquía sin orden ni concierto, el movimiento Riot Grrl inspiró la aparición de una conciencia política mas estructurada y ordenada, en un sentido, dejando atrás su adolescencia y entrando a una etapa de adultez, como lo evidencia el posterior proyecto de Kathleen Hanna: Le Tigre; junto a JD Samson y a Johanna Fateman, Le Tigre representó un cambio en el sonido de Kathleen Hanna, dejando atrás las influencias punk de Bikini Kill para explorar un sonido mas electrónico y mas amigo de los sampleos, explorando los mismos temas de Bikini Kill (Feminismo, la comunidad LGBT), junto con otros temas como la guerra en Irak.

Aunque Bikini Kill se disolvió hace ya bastantes años, y Le Tigre se encuentra en un 'Alto Prolongado', la influencia de Kathleen Hanna sobre el rol de las mujeres en la música es evidente; recuperando un escenario que se había perdido, y recuperando la frase que cimentó la revolución cultural punk: 'Puedes hacer lo que quieras'

Sahara Hotnights - Jennie Bomb

2008-11-16T23:59:00.002-05:00

El mundo tiene una deuda muy grande con Suecia... además de muebles dificiles de armar, autos seguros y una prospera industria del entretenimiento adulto, durante los últimos 35 años ha salido música extremadamente buena de ese país... desde ABBA (Si, ABBA, algún problema?) hasta Hellacopters, pasando por The Cardigans (No, no tengo una traga de adolescente de Nina Persson, de que hablan?) y quienes nos ocupan en esta ocasión, Sahara Hotnights, con su álbum Jennie Bomb del año 2001.

Venidas del mismo cruce de calles en Robersfors, Suecia, María Andersson, Josephine Forssman y las hermanas Jennie y Johanna Asplund son el epitome del Rock de Garaje, habiendo formado la banda por como ellas mismas lo dicen 'Aburrimiento', con un sonido ciertamente 'Garajudo' y con claras influencias de Los Ramones, y las madrinas de todas las girl-bands, The Runaways; estas 4 chicas son de las que parecen tener mas agallas que muchos hombres, no tienen miedo de decir lo que piensan y no tienen ningún reparo en decirlo de la forma mas dura posible, como ocurre en Fall Into Line ('Don't Ever Tell Me How To Feel' - Nunca me digas como debo sentirme), o en Out of the System, sin duda alguna, la canción mas fuerte, rápida y agresiva del álbum, arrancando con una guitarra distorsionada In Crescendo, y llevando a un ritmo de batería sin compromisos, y una guitarra fuerte y decidida, mientras que Keep Up The Speed le hace honor a su nombre (Manteniendo la velocidad), con un bajo distorsionado que no tiene nada que envidiarle a Death From Above 1979, y una energía que se prolonga a lo largo de toda la canción.

Al mismo tiempo, el álbum está lleno de canciones que aunque no son particularmente rápidas, como lo muestran Whirlwind Reaper, Only The Fakes Survive, With or Without Control o A Perfect Mess, sin duda alguna, la canción mas desgarradora del álbum, en la que la faceta de la 'Chica con Agallas' cae para dejar ver a una mujer lastimada, sola y con preguntas sobre el lugar que ocupa.

Con un sonido que aunque es crudo no es poco pulido o mediocre, y una actitud libre de pretensiones, Jennie Bomb es uno de los mejores álbums de esta década, a la vez que es el mejor punto de partida para ver la evolución que ha tenido el sonido de estas 4 encantadoras srtas. suecas.

The Sound of Lucrecia - Like Being Home

2008-11-13T23:59:00.004-05:00

Recuerdan el año pasado cuando arrancaron las eliminatorias y todos creíamos que ibamos a clasificar a Sudáfrica 2010? Recuerdan que en la nómina de la Selección Colombia había un jugador del que nadie había oído hablar que le estaba yendo bien en Francia llamado Carlos Sánchez? Pues bien, creo que resulta apropiado decir que he encontrado la versión musical del jugador del Valenciennes en The Sound of Lucrecia, cuyo EP Like Being Home me ocupa en esta ocasión.

Hablar del trabajo de esta Pereirana resulta un lugar un poco complicado para mi. Como quienes leen este blog con cierta regularidad saben, una de las cosas que me cose las medias de un artista nacional es el hecho que canten en un idioma distinto al español; principalmente porque como en muchas otras ocasiones, eso se convierte en una cortina de humo para ocultar las evidentes fallas en su ejecución, sin embargo este no es el caso con la talentosa Srta. Pérez; una de los primeros elementos que se nota al escuchar la música de ella es un elegante y sugestivo minimalismo, hay una 'econocmía de movimiento' en los arreglos de percusión y cuerdas que hace que aunque tengan presencias muy sutiles, como en la canción que abre el EP, Let's Pretend, son fácilmente identificables y reconocibles, dandole una identidad clara al sonido

Por otro lado, a lo largo del EP es posible ver como otra de las grandes cualidades del sonido de Lucrecia es la conjunción de elementos acústicos, eléctricos y electrónicos de una forma increiblemente natural, algo que aparece en todas las canciones del EP, pero se manifiesta con mayor fuerza en Changing the Weather, en la que los loops secuenciados, junto con la batería y la guitarra logran crear una atmósfera envolvente y muy ambiental en la que la dulce voz de Lucrecia se ubica en el medio, manifestándose en capas y capas de sonido que logran atrapar a quien las escucha de una forma sutil, elegante y sorprendente.

No me resulta descabellado decir que, junto con Austin TV, The Sound of Lucrecia es uno de los descubrimientos mas agradables de este año que ya está peligrosamente cerca de su final. Con elementos Ambient, Indie y Pop, Nos encontramos ante una de las propuestas mas interesantes que ha salido de Colombia en un buen tiempo, una combinación audaz y sorprendente entre elementos de Cat Power y PJ Harvey, altamente recomendada, y que merece toda la atención en el panorama musical nacional

Babasónicos - Mucho

2008-11-11T23:59:00.002-05:00

Cuando pienso en Babásonicos, por alguna razón mi cabeza me lleva a 1994-96, época de presidentes de moral reprochable, bajísima gobernabilidad y elefantes en la plaza de Bolívar... También fue la época de mi torpe preadolescencia (Que difiere de mi torpe POST-Adolescencia), y en la que la mayoría de adolescentes que conocía por ese entonces (Es decir, mi hermano y mis primos) estaban configurando sus gustos musicales, entre los cuales se encontraba la inclinación de mi prima por el sonido del sur del continente, que incluía a Adrián 'Dárgelos' Rodriguez Et. Al, si la memoria no me falla (Aunque ahora diga que el tipo es feo como un insulto, que es cierto), sin embargo ya no estamos en la década en la que los quemadores de CD eran un lujo y una conexión de internet de 56K era súper rápida, sino en la época de los quemadores de DVD y las conexiones de 1024K, y hemos pasado de Babasónica, Dopádromo y Trance Zomba a Mucho, el álbum que nos ocupa en esta ocasión.

La impresión inicial que deja Mucho es la confirmación de la teoría que desde su álbum de 2003 InFame ha habido un cambio en el sónido del grupo argentino, marcado sin duda alguna por la salida de DJ Peggyn hacia el final de la década de los 90 y que hizo que la banda se concentrara en un sonido mas inclinado al rock que a la electrónica (o por lo menos a la combinación con la misma); El sonido de Mucho es un sonido lleno de guitarras que aunque elegantes, no tienen miedo de ponerse pesadas como ocurre en Estoy Rabioso o Cuello Rojo, canciones que son puro Rock & Roll, descaradas y que hacen que el publico se mueva sin orden ni concierto, al mismo tiempo que El Ídolo tiene un curioso dejo country y que me recuerda a Una Muchacha Y Una Guitarra del inmortal Sandro de América. Es un sonido que resalta ese aire de 'Elegante decadencia' que acompaña a la banda desde InFame, una voz que aunque tiene un aire de copas de Champaña tomada en partidos de Polo, y que son servidas por chicuelas que solo usan hotpants y sombreros fedora de ala corta, no tiene miedo en mostrar un grado de percibida vulnerabilidad, como ocurre en Pijamas ('Por única vez, te pido que entiendas que este no es un cuento que lo invento yo') o en Como Eran Las Cosas ('Creo que es momento para otra bomba de humo y batirme en retirada' (...) 'Quizás fue en la mañana en la que vendados los dos descubrimos como eran las cosas' (...) 'Entonces deshaz el hechizo que me obliga a arrastrarme entre Guinea y tus sábanas'). A la vez que MicroDancing es la prueba que las costumbres viejas tardan en morir, en sus 3 minutos y 25 segundos es IMPOSIBLE no moverse con movimientos que son descendientes directos del padre de todos los bailes: el baile del Robot, y que aunque en su sonido desentona un poco con el aire general del álbum, es una canción tan pegajosa que realmente se les perdona ese yerro.

Con un sonido agalludo, elegante y decadente, Mucho pelea uno de los puestos en la lista de mejores álbumes del año, altamente recomendado y disfrutable (aunque bastante corto para mi gusto, y me quedé con ganas de mas).

En otras noticias, algunas de las fotos que tomé en Rock al Parque están disponibles en mi galería de Flickr (ya saben... el link que dice 'Flickr Gallery') así mismo, algunas de esas fotos están disponibles en el grupo del evento, fotos altamente recomendadas.

Y ya, hablamos luego, cuidense.

Austin TV - Fontana Bella

2008-11-09T23:59:00.002-05:00

Hoy quería escribir sobre Kathleen Hanna (A fin de cuentas, la sección 'Where The Grrls Are' solo podía ser inaugurada por la Grrl Original), pero ya que tras una búsqueda mas o menos intensiva me topé con esté álbum, no podía dejar pasar la oportunidad, aunque se sienta como que ya estoy dando demasiada alharaca con lo de RockalParque (Algo así como CNN y las elecciones de EEUU).

Probablemente la sopresa mas agradable que nos trajo este festival fue la excelente presentación de la banda Mexicana Austin TV. Para ser honesto, estaba bastante prevenido ante la presentación de los del D.F; si mi memoria no me falla, la primera vez que supe algo de ellos fue hace unos tres años, en algún canal de cable de cuyo nombre no quiero acordarme, e inmediatamente me sentí poco interesado en el carácter (a mi juicio) gimmicky de la banda, al verlos escondidos tras sus máscaras, inevitablemente las juzgué como un intento de distraer la atención sobre su música.

Una vez mas, estaba increiblemente equivocado.

Lo que hace la propuesta visual de Austin TV, es resaltar la increiblemente arrolladora fuerza de sus canciones, llenas de guitarras distorsionadas dispuestas a arrastrar a quienes las escuchan por los paisajes que crean sin ningún reparo, como ocurre en la canción que abre este álbum, Ana no te fallé, al mismo tiempo que logran conjugar guitarras acústicas y eléctricas de una manera que no se siente para nada forzada, como ocurre en Nadie está aquí, no hay nadie, nada hay aquí, que además, es otra de las canciones en las que es posible encontrar los precisos arreglos de teclado cortesía de Chiosan (La tecladista de la banda). Aunque completamente instrumental. Los sampleos de voz que aparecen en canciones como Flores sobre las piedras tienen la asombrosa propiedad de convertirse casi que en un instrumento mas, apareciendo en momentos puntuales y apropiados de la canción, sin quitarle protagonismo a los otros instrumentos.

Trato desesperadamente de buscar algún punto flaco en este álbum, pero a pesar de mis mejores esfuerzos (y eso que soy bien criticón) no lo hallo. Fontana Bella es un álbum en el que la sutileza y la violencia encuentran un jardín en el que pueden jugar, con guitarras desgarradoras y una simpleza casi infantil. Sin lugar a dudas, la sorpresa mas agradable del Festival Rock al Parque presenta uno de los mejores álbumes de este año, y se configura como la respuesta Región 4 a Mogwai.

Rock al Parque 2008 II

2008-11-06T23:59:00.002-05:00

Y como había dicho el miércoles, hoy hablaré de cositas que me quedaron en la cabeza despues de Rock al Parque.

De Árboles en la Yarda

Cuando hablaba de The Hall Effect, comentaba lo molesto que me resultaba que una banda cantara en un idioma distinto a su lengua materna, pero encuentro aun mas molesto el hecho que mezclen inglés y español en una misma canción, como ocurrió en la presentación de Swingers. No tiene que ver con la pronunciación o el acento que tengan (Como lo demostró Mmodcats), sino que me parece que esa excusa en la que se han refiugiado las bandas que 'El español no es un idioma que se presta para el Rock' es una excusa que carece de fundamento... A fin de cuentas, si Ratos de Porao puede hacer Hardcore en portugués, porque no se puede hacer rock en español?

Solo pueden llegar hasta cierto punto...

Hay que quitarse el sombrero ante la organización del festival a la cabeza de Daniel Casas C. El sonido de las bandas en esta ocasión fue probablemente, el mejor sonido que ha tenido el festival en su historia, en algunas ocasiones, demasiado bueno... Durante la presentación de Panteón Rococó tuve que irme a un lugar mas alejado porque sentí que el bajo me estaba reventando los huesos (En otras noticias, hay que quitarse el sombrero ante una banda que logra hacer temblar la tierra). Inevitablemente hay que hablar del clima; gracias al calentamiento global y sus temporadas de lluvias mas virulentas, ya son dos años en los que toca reprogramar todo y cancelar escenarios. Contrario a lo que algunos creen, la solución no es cambiar de fecha, lo queramos admitir o no, esta es la única fecha en la que se puede garantizar la presencia de bandas como Bloc Party por estos lares, y otra incómoda verdad es el hecho que en Bogotá, llueve mas de 180 días al año, lo que no nos deja muchas opciones... Es en este tipo de situaciones cuando se evidencia mas que nunca la necesidad de un escenario apropiado para conciertos y eventos similares, y para chasquearle el dedo a Samuel Moreno porque ya me arrepentí de haber votado por el.

Metäl/Metal/Metál

Es la pregunta que siempre sale a la hora de hablar de Rock al Parque: ¿Porque dedicarle un día entero a un género?, a fin de cuentas, quienes se adscriben al Metal, a pesar de tener una gran diversidad, parecen regodearse en aislarse cada vez mas y mas de otros géneros y propuestas. Ciertamente es una situación complicada, cuyo cambio depende no solo de quienes escuchan y hacen Metal, sino de la organización del festival, que cada vez mas va adquiriendo cierto grado de autoridad en lo que se refiere al rock distrital y nacional, que debe crear los espacios que permitan una integración entre los géneros musicales, algo que a fin de cuentas, contribuirá al avance del Rock nacional y distrital.

Y así termina otro Rock al Parque, ahora solo nos queda esperar al siguiente año y volver a disfrutarlo.

Hasta el Lunes.

Rock al Parque 2008 I

2008-11-04T23:59:00.004-05:00

A poco menos de 24 horas de haber terminado la 14va edición de Rock al Parque no estoy muy seguro de saber por donde empezar para comentar las impresiones que el evento dejó en mi... De momento hoy voy a hablar de las presentaciones y el viernes me dedicaré a comentar algunas conclusiones que me dejaron lo ocurrido este fin de semana.

Ya me atrevería a decir que uno de los temas constantes de este blog es 'Julián tiene una opinión preconcebida sobre algo que cambia una vez ve ese algo directamente', y he de decir que ese es el caso en esta ocasión, mas específicamente en lo que al Rock nacional se refiere. Mi principal percepción era que la escena nacional (y la distrital) estaba compuesta por bandas que se refugiaban en su situación para justificar una aparente precariedad técnica, algo asi como decir 'Somos malos porque no tenemos recursos y figuró quedarnos así', una afirmación que realmente se encuentra lejos de la verdad. A pesar de la seguidilla de cambios en la programación, el público tuvo la oportunidad de ver a bandas que realmente se toman en serio, no solo en lo que se refiere la calidad de su sonido en términos de su ejecución y su técnica, sino que en esta ocasión aparecieron bandas con una puesta en escena realmente sólida, como el caso de Mmodcats; siempre he estado algo receloso del Art-Rock porque las mas de las veces la propuesta visual es usada como una forma de enmascarar las limitaciones del sonido de la banda, pero este no es el caso. Es reconfortante ver a una banda solida en todos sus aspectos, Tantan Morgan me sorprendió gratamente con un estilo sobre el escenario que recuerda a James Chance y Howlin' Pelle Almquist, mientras que la mística de Silvie Lucy-Elliot es siempre bienvenida en una bajista. Por otro lado, la presentación de Swingers fue una presentación con altas y bajas; aunque dejaron la impresión de ser una banda solida y trabajada, tambien dejan en el público la pregunta sobre si no estan abarcando mas de lo que podían apretar...Si bien es agradable ver que en una banda sus miembros pueden pasar de un instrumento a otro, Swingers lo hicieron en demasía, cambiando tantas veces que no fue posible quedar con una impresión duradera del sonido de la banda. Para cerrar esta breve mirada a las bandas nacionales diré que SantaFuma fue probablemente el punto bajo del cartel nacional, no por su ejecución sino por los lugares comunes a los que acuden dentro de su sonido, mientras que Doctor Krápula se ha convertido en el U2 criollo no por su sonido, sino por un activismo fashion que realmente se está convirtiendo en una molestia (Hablaré en detalle de eso el viernes), mientras que Odio a Botero demostró de nuevo porque, junto a IxRxA son los padrinos del Punk nacional.

En lo que a las bandas internacionales se refiere, Al que quiera mas, que le piquen caña, Ratos de Porao, Carcass y Paradise Lost literalmente la sacaron del parque. La banda de Joao Gordo demostró porque Sao Paulo y Rio de Janeiro deben ser consideradas las capitales suramericanas del Hardcore, mientras que Carcass y Paradise Lost paladearon a la diversidad que existe en lo que a géneros de metal se refiere. Por otro lado, México aportó la sorpresa mas agradable del festival: Austin TV, originalmente no les había hecho mucho caso por la misma razón por la que trato de no ponerle mucha atención al Art-Rock, pero bastó con la presentación de ellos el día lunes para deshacer esa idea: Guitarras llenas de distorsión, energía y peso, conjugadas con un excelente manejo del escenario que les hizo establecer una conexión inmediata con su audiencia, mientras que la otra banda mexicana, Los Concorde, le hizo honor a su carácter de supergrupo: la unión de Fobia, Plastilina Mosh, La ley y Resorte solo podría dar como resultado una banda madura y de mundo, que sabe lo que hace y lo hace muy bien. Para ir un poco mas al sur del continente, Babasónicos tambien dió un muy buen concierto (para ser honestos realmente quería que tocaran MicroDancing para hacer el baile), La voz ligeramente nasal de Adrián Dárgelos y ese aire de elegante decadencia que exuda la banda hacen que sea uno de los mejores vocalistas que ha salido de Argentina, y un sucesor razonablemente digno de Sandro de América (Lo siento Má).

Quizá fue la lluvia, quizá fue la espera, pero en buena parte fue la energía que le metieron lo que hizo que la presentación de Black Rebel Motorcycle Club haya sido una de las mejores presentaciones en vivo que he visto. A pesar del linaje Folk, Bluesero, Garage y Rock & Roll que posee el trío de San Francisco, realmente nunca se puede negar de donde viene uno, lo que quedó demostrado con las excelentes improvisaciones en temas como 6-Barrel Shotgun o Whatever Happened to my Rock & Roll?, improvisaciones que en ningun momento se oyeron forzadas y que como las buenas visitas, supieron exactamente cuando irse. Por otro lado, la similitud del timbre de voz entre Robert Levon-Breen y Peter Hayes hizo que el paso de uno al otro en las labores vocales fuera increiblemente sutil y sin interrupciones. Por su parte, Bloc Party demostró que es de esas bandas que es mejor en vivo que en estudio (lo cual ya es mucho decir). Aunque sigo afirmando que Intimacy no es su mejor álbum, canciones como Halo o Mercury son canciones que escuchadas en vivo son increiblemente fuertes y atrayentes, conjugado con la fuerza de Kele Okereke en vivo, el vínculo que establece con su audiencia y, haciéndole caso al juego de palabras, la sensación de intimidad (Intimacy) que logra, una hazaña si tomamos en cuenta la audiencia tan grande ante la que tocó.

Como el cartel del festival lo sugería, y a pesar de los inconvenientes que dio el clima, esta ha sido la mejor edición del festival en los ultimos años, y probablemente una de las mejores (si no la mejor) de su historia. El viernes hablaré entre otras cosas, de la situación con respecto al rol del Metal en la programación, los problemas de las bandas nacionales, y como carajos se puede resolver el problema del clima. Mientras tanto, aqui hay unas fotos:

Moviendo El Músculo Democrático

2008-11-02T23:59:00.002-05:00

Encuentro la idea de unas elecciones tan excitante como el hecho que ya vivimos en el futuro cercano. Ya sea acá en Colombia o en alguna otra parte del mundo, el hecho que los ciudadanos le dan a un par el control sobre el gobierno es un testimonio de aquello de lo que es capaz el ser humano; A partir de ahi que siga con bastante interés las elecciones presidenciales en EEUU, que tienen el valor agregado que se estará eligiendo al Comandante-En-Jefe de la máquina de guerra mas grande del mundo, y esas no son ningunas chichiguas (Además que esa pantalla sensible al tacto que usan en CNN me parece la locura).

Y que mejor manera de conmemorar ese hecho que con American Idiot de Green Day, que a mi juicio, es el mejor álbum de Green Day desde Dookie. Desafortunadamente, quedó atrapado en la invasión emo de 2005 por lo que fue muy mal mirado por muchos, pero es realmente bueno, y es otro de los mejores álbumes de la década, además que me parece que es una radigrafía medianamente adecuada de lo que está pasando en el vecino del norte hoy en día, situación para que creo, está mas preparado Barack Obama, sin mencionar el hecho que Sarah Palin es una mujer que bajo ninguna circunstancia debe estar cerca de la presidencia de los Estados Unidos, no solo por su absoluta falta de preparación, sino por el hecho que Palin apela a los lados mas oscuros de la población estadounidense.

Sea como fuere, este es un blog de ñoñerismo musical, y no de ñoñerismo político, así que aqui va el video, y los invito a que escuchen el álbum en un gran loop el martes 4 de Noviembre.

De Narices Que Crecen Y Vidrios Rotos

2008-10-30T23:59:00.004-05:00

Como es razonable suponerlo de alguien que pone en su Top 3 de bandas favoritas a Los Misfits, y como una de sus peliculas favoritas Freaks, la festividad antes conocida como Samhain, ahora conocida como Halloween, y/o Noche de Todos los Santos...No es algo que tenga que ver con un interés en lo oculto o algo parecido, simplemente me gustan las imagenes asociadas a la celebración y me parece que es una buena excusa para ver peliculas como la antes mencionada, El Show de Terror de Rocky, o La Casa de los 1000 Cuerpos. Con eso en mente, pensé que era buena idea hacer una pequeña lista de canciones apropiadas para la fecha y que no deberían faltar en una fiesta de 31 de Octubre.

Thriller - Michael Jackson
Halloween - The Misfits
Astro Zombies - The Misfits
Dig Up Her Bones - The Misfits
Pet Sematary - The Ramones
Texas Chainsaw Massacre - The Ramones
Sheena is a Parasite - The Horrors
Monster Mash - Bobby 'Boris' Pickett (Aunque tambien es recomendable la versión de Los Misfits en su álbum Project 1950)
Am I Demon - Danzig
Ghouls - HorrorPops
Where They Wander - HorrorPops
Thunderkiss ' 65 - White Zombie
Dragula - Rob Zombie
Yo Pumpkin Head - Yoko Kanno & The Seatbelts (Para poner las cosas un pelín mas festivas)

De momento, son las canciones que se me ocurre pueden servir para animar un jolgorio en estas fechas...Pienso un poco en el hecho que quizá suene un poco pretencioso y hasta paternalista de mi parte decir esto, pero aqui va: En muchas ocasiones es simple amarillismo de los medios, acompañado del fanatismo de una que otra beata, pero la triste verdad es que hay cada enfermo dispuesto a hacer daño en estas fechas, asi que en el caso de que alguna de las personas que lee esta página se decida a llevar a un niño a pedir dulces, nunca hay suficientes precauciones: Llevénlos de la mano y no los suelten bajo ninguna circunstancia, especialmente si van a un sitio publico como un centro comercial, si hay alguien de aspecto sospechoso rondando por ahi, lo mejor es dar aviso a alguna autoridad e irse lo mas rápido posible, y por favor revisen cada dulce que les den a los niños, y asi asegurarse que no esté adulterado o algo peor.

En otras noticias estaré en Rock al Parque el sábado, domingo y lunes. El post del lunes será algo pequeño y sustancioso, probablemente que tenga que ver con las elecciones de EEUU, el miercoles todo volverá a la normalidad y en la medida de lo posible, hablaré sobre el festival. Si van a Rock al Parque, diviertanse, pasenla bien y no hagan nada estupido.

Ah si, y feliz Halloween para todos

Snow Patrol - A Hundred Million Suns

2008-10-28T23:59:00.001-05:00

Hay algo peculiar en la imágen de los chicuelos de Snow Patrol... Es hasta cierto punto lo mismo que ocurre con Coldplay y es esa aura de 'buenos chicos' que emiten, dan la impresión de ser la clase de sujeto que las mamás quieren como novios para sus hijas, y para rematar hacen música, como nos lo muestra su álbum mas recente, A Hundred Million Suns.

La primera vez que hablé de Snow Patrol en este blog, comentaba como son la encarnación mas mainstream de la idea del rock de garaje, con una imagen mas limpia que, por ejemplo, Arctic Monkeys, a la vez que tienen un sonido mas pulido y radio-friendly, con una inspiración lírica que tambien es distinta, lejos de noches de licor y unos cuantos puños, las canciones de Snow Patrol giran alrededor de relaciones, bien sea que estén iniciando, estén en su mejor momento, o estén yendose por el drenaje.

En ese sentido, A Hundred Million Suns marca una diferencia con respecto a su anterior álbum Eyes Open, mientras que su álbum de 2006 tenía canciones como Open Your Eyes, Chasing Cars o Set The Fire To The Third Bar (esta última con la colaboración de Martha Wainwright), canciones que hablaban de aquello que podía ser y no era, de lo que se quería con desesperación y de lo que se estaba irremediablemente alejado, las canciones que componen la grabación de 2008 se centran en el momento de la relación cuando esta está funcionando, centrandose en esos pequeños momentos de cotidianidad a los que uno se aferra despues, detalles pequeños como la forma en la que se enreda su pelo, sus gestos al comer o un ligero pero significativo roce de pieles, Crack The Shutters Open es una canción que habla de manos frías al despertar y como la luz del sol se enreda en el rostro y cuerpo de una mujer, mientras que The Planets Bend Between Us habla de ese momento inevitable en el que uno quiere gritar a los cuatro vientos que todo lo que hace y vive es en función de esa persona, a la vez que The Golden Floor juega con una sensación tan básica pero a la vez tan fundamental como sentir el cuerpo de alguien cerca al propio y todo lo que pasa por la cabeza en ese momento.

A pesar de las diferencias en el material lírico, A Hundred Million Suns sigue el camino trazado por Eyes Open
en términos de su sonido; apoyados en la continuidad de la producción de Jacknife Lee, este álbum sigue en el camino de lo pulido, añadiendo arreglos de teclados y cuerdas que elevan el coeficiente de radio-friendliness del álbum.

En un mundo donde esos términos (Radio-friendly y Mainstream) son utilizados con carácter peyorativo, este nuevo álbum de Snow Patrol demuestra que eso no es necesariamente cierto, que a la vez que se puede 'paladear a las masas' es posible crear algo con caracter y peso, como lo es este álbum.

The Raveonettes - Lust, Lust, Lust

2008-10-26T23:59:00.003-05:00

Escuchar a The Raveonettes es como escuchar al hijo bastardo de Ronnie Spektor y Jesus & Mary Chain. El sonido de Sune Rose Wagner y Sharin Foo le pide prestado tanto a las guitarras y los beats propios del sonido de los '60 como al muro de sonido y al reverb infernal de finales de los 80 y principios de los 90, y esta combinación se hace mas notoria en su cuarto álbum, Lust, Lust, Lust, lanzado este año.

Desde sus comienzos, la banda ha sido bastante directa a la hora de dejar ver a quienes han influido en su sonido, a fin de cuentas, en su anterior álbum Pretty in Black, colaboró nada mas y nada menos que Ronnie Spektor, y fue producido por Richard Gottherer, responsable de canciones como I Want Candy. A pesar de ello, este álbum evoca un feel distinto a sus anteriores trabajos. Producido enteramente por Sune Rose Wagner, se inclina mas hacia el muro de sonido y al reverb que al feel sesentero, con lo que este es, hasta el momento, su álbum mas minimalista; un minimalismo que viene dado por la sensación que deja el sonido del álbum en quien lo escucha, con el valor agregado del trabajo vocal tanto de Wagner como de Foo, aunque no son precisamente vocales susurradas, si se pierden un poco dentro del muro de sonido de las guitarras, haciendo que el sonido de este álbum se asocie mas con el Shoegazer que con cualquier otra cosa, como lo muestran canciones como Expelled from Love, Aly, Walk With Me con el brutal muro de sonido que construye hacia el final de la canción. Por otra parte, la batería en canciones como la apropiadamente llamada Lust parece sampleada del mismísimo PsychoCandy, lo cual no debe tomarse como algo negativo, sino como un testimonio mas del sonido y las influencias que inspiran este álbum.

Por otro lado, canciones como Sad Transmission, Blitzed o You Want The Candy (Un titulo bastante irónico si me lo preguntan) nos demuestran que Wagner y Foo no han olvidado de donde vienen: Canciones con armonías que recuerdan a los buenos días del surf rock e invitan a intensivas sesiones de rockanroleo.

Contrario a otras ocasiones, este album no es un buen punto de inicio para conocer a este dúo Danés, es mucho mas recomendable familiarizarse con sus anteriores álbumes antes de llegar a Lust, Lust, Lust, sin embargo eso no debe interpretarse como una falta de méritos del álbum, no por nada lo considero uno de los mejores álbumes de esta década, y es altamente recomendado para aquellos a quienes nos gusta el shoegaze.

Kate Nash - Made of Bricks

2008-10-23T23:59:00.003-05:00

Como lo comentaba a la hora de hablar de The Ting Tings, podría decirse que estamos ante una nueva invasión de Brit Pop, siendo esta nueva versión mucho mas pop que aquella con la que nos encontramos en la década de los 90. Y dentro de los nombres que hacen parte de esa invasión está Kate Nash, cuyo álbum Made of Bricks es el que nos ocupa en esta ocasión.

Tanto la portada del álbum, como la imagen misma de Nash y el sonido del álbum en general evocan una sensación de algo que es juguetón, simpático y lleno de colorido. Al oir canciones como Foundations, Mouthwash, Mariella, Pumpkin Song o Skeleton Song es inevitable pensar en pasteles de fresas con crema batida, medias de color azul cielo con lunares blancos, y chicas pelirrojas de flequillo a las que les gusta usar esas medias. Es un sonido dulce, pero dulce como el azucar natural, no como el Aspartame y el NutraSweet, lleno de melodías que uno puede escuchar a las 7 y 37 de la mañana en el bus camino al trabajo y te dejan con una sonrisa en la cara a pesar de lo atestado que está el bus, y hacen que se llgue al trabajo con una sonrisa en la cara, y que sea mas fácil lidiar con algun compañero de trabajo dispuesto a clavarle el puñal en la espalda a uno.

Aun asi, no todo es dulzura en el mundo de Kate Nash, y así como sus melodías son tan dulces como un brownie con arequipe, las letras de sus canciones son como pegarle un mordisco a un limón grande y maduro. Al ponerle atención al contenido lírico de las canciones que componen el álbum, es fácil darse cuenta que Nash le ha puesto mucha atención a la idea de la escritura de canciones como un método terapeutico; Así como Foundations tiene una melodía dulce y encantadora, la letra de la canción es todo lo contrario, hablando de una relación que no va para ningun lado: 'Then you'll call me a bitch, and everyone we're with will be embarrassed, and I wont give a shit' (Entonces me llamarás 'perra', y todos con los que estamos se avergonzarán, y no me importará ni mierda'), y aun cuando no va a ningun lado, ambos se aferran a ella de una manera mas bien patética, mientras que Merry Happy habla de lo que pudo ser y no fue: 'Don't you try and tell me that never loved me, Coz I know that you did, Coz you said it and you wrote it down' (No trates de decir que nunca me amaste, porque se que lo dijiste, porque se que lo escribiste).

Mención aparte merece Nicest Thing, una arrolladora combinación entre una sencilla instrumentación y arreglos, y la voz de Nash que deja su tono de adolescente juguetona para mostrarnos a una mujer que ha amado y perdido, pero que está dispuesta a entrar a la pelea de nuevo.

Con una estética que parece sacada de un libro de Roald Dahl, y un sonido que a la vez que es encantador habla del amor la perdida, y los corazones rotos, Made of Bricks es un album altamente recomendado, mientras se espera al siguiente album de Nash, que estará listo para el siguiente año.

En Avisos Parroquiales, la programación de la edición número 14 de Rock al Parque ya está disponible...Sin lugar a dudas, esta promete ser de las mejores ediciones del festival en un buen tiempo, tomando en cuenta las banderillas de los invitados. A fin de cuentas, ver a Ratos de Porao, Carcass, Odio a Botero, Babasónicos, Bloc Party y Black Rebel Motorcycle Club en un mismo escenario no es algo que ocurra con mucha frecuencia.

Sigur Rós - Með suð í eyrum við spilum endalaust

2008-10-21T23:59:00.004-05:00

He de ser brutalmente honesto en esta ocasión (No quiero decir que en otras ocasiones no lo haya sido, sino que en esta lo soy de una manera brutal): Si alguien me pregunta si me gusta Sigur Rós, la respuesta es No. Mi descontento con ellos tiene que ver con sus primeros álbums, Von, Agaetis Byrjun y ( ). Esos tres álbums, especialmente el tercero, se me hacen increiblemente etereos, y por lo tanto, dificiles de anclar. Al escucharlos, siempre quedo con esta sensación de no saber que escuché realmente, a pesar de ello, en los últimos años me he tenido que tragar mis palabras un poco, con sus mas recientes álbums, Takk... y el que me ocupa en esta ocasión, Með suð í eyrum við spilum endalaust.

Si he describir el sonido de la banda islandesa en este álbum con una sola palabra, creo que esa palabra sería celebración, aunque ciertamente no han dejado del todo atrás ese sentido de hermosa melancolía que acompañaba a sus anteriores trabajos, como lo muestra de manera tan contundente su canción Staralfur, este nuevo album sigue el camino que empezó a trazar Takk..., su album del año 2005; en Með suð í eyrum... canciones como Gobbledigook, Inní mer sur syngur vitleysyngur, Við spilum endalaust, Með suð í eyrum o la aptamente llamada Festival (que por cierto, tiene uno de los finales mas hermosos que he oído en un buen tiempo para una canción) son temas que ponen de manifiesto el carácter festivo, alegre, y si me permiten el término, ciertamente juguetón que tiene este nuevo álbum de Jónsi & Cía. Un carácter que empieza a manifestarse desde la misma portada del álbum, con su fotografía de cuatro personas haciendo Streaking.

Creo que el cambio mas importante que tiene este album es el cambio tan significativo que ha tenido Sigur Rós en la instrumentación y en los arreglos, y que es un cambio que viene desde Takk... aunque sigue teniendo un carácter minimalista, se podría decir que es una clase distinta de minimalismo, uno mucho mas orgánico y menos etéreo, por lo que la experiencia de escuchar el álbum deja a quien lo hace con la sensación de haberse encontrado con algo tangible y anclable a una experiencia, lo que realmente no ocurría con sus anteriores producciones.

Aun asi, este álbum aun tiene algo para complacer a los admiradores del sonido 'Vieja Escuela' de la banda, como lo demuestra Festival, aunque su segunda mitad es todo lo que he mencionado hasta el momento, la primera parte es todo lo que era Sigur Rós antes, y uno no puede dejar de pensar que quizá la canción estaba mejor partiéndola en dos... a fin de cuentas, junto con Ára Bátur, es la unica canción del album que coquetea con los 9 minutos de duración.

No tengo ningun problema en admitir que tengo que tragarme mis palabras en lo que a Sigur Rós se refiere, por lo menos, con este álbum: mostrando un sonido que sigue siendo filosoficamente fiel a los anteriores trabajos de la banda, Sigur Rós muestra en Með suð í eyrum við spilum endalaust un sonido que tambien puede ser de mas fácil acceso y que resulta ser una experiencia altamente reconfortante y recompensante.

Where The Grrls Are...

2008-10-19T23:59:00.005-05:00

Me gusta creer que el hecho que ocasionalmente me fije en alguna peculiaridad de mi colección de música es un testimonio del hecho que estoy calificado para hacer el trabajo que hago, en esta ocasión, me fijé en el hecho que existe una representación mas o menos equitativa en lo que se refiere a género... Y eso me hace pensar un poco en el lugar que ha ocupado la mujer en la música en los últimos años.

La verdad es que infortunadamente, el lugar de la mujer se ha visto influido por el lugar que ha adquirido en la sociedad occidental, y mas especificamente, del lugar que ha adquirido dentro de la cultura blanca anglosajona. En una sociedad donde el ser blanco, anglosajón y de clase media era, por lo menos, la garantía de una vida sin muchas premuras, la mujer vino a ser relegada al lugar de un objeto, algo para ver y admirar sin tener un interés por aquello que tenga que decir y/o opinar. Para ilustrar mi punto, remitámonos al mainstream de los años 60, cuando el Rock estaba en su primera infancia para darnos cuenta que el cromosoma XX estaba relegado a un lugar de 'mirar, pero no tocar', determinado por la forma de participación que tenían en la música de la época: Aunque eran protegonistas de las canciones, por alguna misteriosa razón se veían relegadas a la categoría de 'Objeto Inalcanzable' o 'Despiadada Rompecorazones'; al mismo tiempo, el lenguaje que se usaba en las canciones tenía un dejo bastante incómodo, usando constantemente el término 'girl' (chica) en lugar de 'woman' (mujer), aunque para ser honestos, ese era mas bien un sintoma de toda la cultura popular: por ejemplo, en Los Cuatro Fantásticos y los primeros números de los Hombres-X, los personajes de Sue Storm y Jean Grey usaban los nombres clave de 'Invisible Girl' (Chica invisible) y Marvel Girl (Chica maravilla), no sería hasta varios años que cambiarían sus nombres a 'La Mujer Invisible' y 'Fénix'. Por otro lado, la participación de las mujeres en la música de la época estaba reducida a un pop sacarinoso que aunque interesante musicalmente hablando, no era precisamente el paraíso de la igualdad de la mujer, con canciones cuyas protagonistas a la luz de hoy, perfectamente calificarían como victimas de abuso emocional por parte de los patanes con los que estaban saliendo. Sin embargo, cabe anotar que fuera del mainstream la situación no era asi, mujeres como Billie Halliday o Ella Fitzgerald estaban dentro de sus respectivos géneros en una situación de paridad, o incluso, de superioridad con respecto a los hombres, fue esta situación, junto con los cambios sociopoliticos de la época que se pavimentó el camino para mujeres como Janis Joplin.

La década de los 70 llegó de la mano con el movimiento de liberación femenina. Artistas como The Runaways, Suzi Quattro y Joan Baez siguieron el camino trazado por Joplin. Las primeras, aunque habían sido pensadas como un proyecto manufacturado, terminaron mostrando un Rock & Roll extremadamente honesto, que vendría a estar relacionado con la revolución Punk; mientras que Baez se apegó a un sonido mas folk que le hacía un complmento harto interesante al sonido de Bob Dylan. Al mismo tiempo, la revolución que se estaba gestando en las calles de Nueva York y Londres tenía un aporte muy importante de las mujeres, como lo testimonian la importancia de nombres como Patti Smith y Deborah Harry en Nueva York, o Chrissie Hynde, Ari Up, Poly Styrene y Vivienne Westwood en el movimiento punk inglés. El rock dejaba de ser un 'Ol' Boys Club' para convertirse en un espacio mucho mas pluralista, con mas voces que a su vez tenían mas temas y situaciones sobre las cuales hacer música, con inspiraciones que no solo venían de su historia de vida sino de la literatura con la que habían tenido contacto como Rimbaud o los autores de la generación Beat.

Desafortunadamente, esa situación cambiaría en la década de los 80. La llegada al poder de Ronald Reagan y Margaret Thatcher al gobierno de los EEUU y el Reino Unido respectivamente, trajo como consecuencia la intrusión del estilo de vida yuppie como la norma. Como consecuencia, el Rock se convirtió en una burla de si mismo; las bandas de Hair Metal se convirtieron en la norma y no en la excepción: Van Halen, Poison (Como quizá algunos de ustedes ya se hayan dado cuenta, Bret Michaels es mi archi-nemesis), WhiteSnake y un larguisimo etcétera volvieron a poner a la mujer en la categoría de objeto, al mismo tiempo que las propuestas hechas por mujeres que llegaban al mainstream solo eran una contraparte a lo que hacían los hombres, como en el caso de The Bangles, o incluso de Joan Jett. En el ruido ensordecedor que se había creado, lo que hacía alguien como Kate Bush quedaba irremediablemente perdido en el ruido, por otro lado, el movimiento punk, que vino a convertirse en el HardCore de los 80 terminó por transformarse en una escena extremadamente excluyente. A pesar de ello, los últimos 20 años han representado un cambio en esa situación (Como lo mencionaba en otras ocasiones, me resulta muy dificil creer que esta década ya esté llegando a su fin). La revolución gestada por el movimiento Riot Grrrl a la cabeza de Kathleen Hanna recuperó la voz que las mujeres parecían haber perdido en la música, al mismo tiempo que empezaron a aparecer nombres como Björk, o PJ Harvey que siguen mostrando propuestas muy válidas hoy en día, al mismo tiempo que alguien como Alanis Morrisette se dedicaba a darle la voz a la mujer y a la adolescente que habían sido objetivadas por tanto tiempo y que oh, sorpresa! tambien tienen algo que contar.

Es mucho el camino que se ha recorrido, pero al mismo tiempo, es mucho el que queda por recorrer para que haya una verdadera igualdad de géneros en lo que a música se refiere. Y esta nueva serie de posts va a echarle una mirada al asunto. Así que los admiradores de Joan Jett, Lita Ford, Cat Power, Deborah Harry, PJ Harvey, Shirley Manson, Patti Smith, Siouxsie Sioux, Björk, Kate Bush, Neko Case, Sahara Hotnights, The Donnas y un larguísimo etcétera deberían estar pendientes.

Me creerían si les digo que existe una versión Latin Jazz de Breaking The Law?

Me creerían si les digo que la pueden escuchar acá?

Mogwai - The Hawk Is Howling

2008-10-16T23:59:00.001-05:00

Esta reseña hace parte de un ejercicio harto interesante, creo yo. Junto con Gloria (de Jurado por Madonna), hemos elegido un álbum que será reseñado por cada uno muy a su manera y muy a su estilo...Como resulta razonable suponerlo, les invito a que tambien lean el ejercicio realizado por Gloria, junto con las otras mucho muy interesantes reseñas que ha escrito en su página.

Como me ocurre mas de una vez con las bandas y artistas que escucho, el conjunto post-rock escocés Mogwai era una de esas bandas de las que siempre había oido hablar (y bastante bien, por cierto), pero nunca me había sentado a escuchar con verdadero juicio, fue hasta comienzos de 2006 cuando me decidí a hacerlo gracias a las menciones que se hacían de la banda en Questionable Content de Jeph Jacques, sin duda alguna, uno de los mejores webocmics que existe en la actualidad (Aunque esa es historia para otro día). Para cuando los descubrí, su álbum Mr. Beast acababa de salir, por lo que es hasta ahora que siento con Mogwai esa emoción que solo es posible cuando una banda que le gusta a uno lanza un nuevo álbum, en este caso, su mas reciente esfuerzo se titula The Hawk Is Howling.

Si alguien me pregunta en que consiste Mogwai, me atrevería a decir que el sonido de estos cinco escoceses puede definirse como una clase de 'Rabia A Punto De Estallar' que sin duda alguna, resulta producto de la combinación entre un sonido pesado y distorsionado que le dan a sus guitarras junto con los arreglos de batería y teclados que complementan a las guitarras de Stuart Braithwaite y John Cummings...una cualidad que sin duda alguna se ve a lo largo de este álbum; mientras que canciones como I'm Jim Morrison, I'm Dead. I Love You, I'm Going To Blow Up Your School. Scotland's Shame. The Precipice y Danphe And The Brain se sienten como el paseo que alguien increiblemente enojado da por el espacio reducido del cuarto al que se ha visto confinado, Batcat, e incluso el final de The Precipice es la explosión de esa rabia: El hombre encerrado acaba de salir y toda esa rabia que estaba atrapada explota contra lo primero que encuentra a su paso.

Mención aparte merece The Sun Smells Too Loud, que curiosamente, aparece hacia la mitad del disco, dando un agradable efecto de 'Intermezzo'. Como lo han demostrado algunos de sus EPs, y la participación de la banda en el Silent Alarm Remixed de Bloc Party, Mogwai no es una banda que le haga el feo a la idea de una remezcla; en ese sentido, este tema no solo es el mas apropiado del album para recibir el tratamiento, sino que además, tiene la asombrosa propiedad de ser bastante rítmico y algo relativamente bailable (una propiedad desconocida para la música de la banda que se llama como los espiritus perniciosos de la mitología china). La combinación del ritmo de la batería junto con el riff de la guitarra en esta canción, hacen que uno en algun momento se encuentre moviendo la cabeza o tamborileando el piso con los pies mientras escucha el tema.

The Hawk Is Howling tiene el aspecto y el feel de una montaña rusa emocional, con partes de tensa calma, de rabia desatada y muy extraña relajación, como lo condensan las 3 Bonus Tracks que acompañana este álbum: Dracula Family, Stupid Prick Gets Chased By The Police And Loses His Slut Girlfriend, y Devil Rides, la única canción con parte vocal del álbum. Despues de 6 álbums (incluyendo a este), nos muestra a una banda madura y bien compenetrada con su sonido; es, sin duda alguna, uno de los álbums mas importantes que ha visto la luz en el 2008 y es altamente recomendado.

Santa Cachucha chicos y chicas! Mi reseña del concierto de CARAJO; Odio a Botero y El Sie7e fue publicada en el sitio de EJE Records! una vez mas, le agradezco a Andrea de EJE Records el haber publicado la reseña.

Broken Social Scene Presents: Kevin Drew - Spirit If...

2008-10-14T23:59:00.001-05:00

Lo prometido es deuda...en parte. Aunque no he podido encontrar una copia de Something For All Of Us para reseñar (como lo había prometido), no tuve dificultad para encontrar una copia del protagonista de la presente reseña, y ciertamente, no podía dejar pasar la oportunidad.

Cuando alguno de los miembros de una banda decide hacer un proyecto en solitario, como John Frusciante en los Red Hot Chili Peppers, o Albert Hammond, Jr. en Los Strokes, siempre trato de poner bastante atención. Porqué? Porque es una forma bastante interesante de hacerle 'Ingeniería Inversa' al sonido de dicha banda. Es posible entender cual es la contribución de ese músico en particular a la propuesta del grupo en general, y una vez se ha descubierto eso, cuando se vuelve a escuchar al grupo, la experiencia es mas recompensante por cuanto se tiene un mayor conocimiento de la banda en cuestión.

Ciertamente este es el caso con Spirit If... Cuando hablaba de Broken Social Scene, comentaba como sus primeros álbums tenían una vertiente decididamente Ambient, y si me permiten el atrevimiento, tambien tenían unos muros de sonido que recordaban al My Bloody Valentine de sus mejores épocas (Lo cual tiene un tufillo a redundancia porque MBV nunca ha tenido malas épocas), y al escuchar este álbum, uno se da cuenta que buena parte de esas propiedades del sonido de BSS son obra de Kevin Drew. En ese sentido, canciones como Farewell to the pressure kids, la canción que abre el álbum, junto con Frightening lives, Back out on the..., Underneath the Skin, When it begins, Aging faces/Losing places, o Gang bang suicide tienen ese caracter que se veía con mas fuerza en Feel Good Lost, primer album del colectivo canadiense: Canciones llenas de overdub tras overdub que logran crear el ya mencionado muro de sonido, una presencia constante y dificil de describir con exactitud, y que lejos de tener una naturaleza ominosa, en ocasiones llega a ser increiblemente seductora.

Agarrar mañas o expresiones de las personas que conocemos es algo inevitable: Permaneces el suficiente tiempo en la compañía de alguien, y antes que te des cuenta, has adoptado una que otra expresión de esa persona, o tu forma de caminar ha cambiado un poco o cualquier otra cosa, y al oir este álbum, es evidente que lo mismo le ha pasado a Kevin Drew, pues así como hay canciones que recuerdan al sonido mas etereo de BSS, tambien hay otras que ponen de manifiesto la cualidad de 'Pop Barroco' o 'Pop de Camara' de Broken Social Scene, y que puede interesar a quienes hayan oido a I'm From Barcelona (De quienes ya había hablado en otra ocasión), como se ve en Tbtf, F---ed up kid, Safety bricks, o Lucky ones. Sin embargo, el hecho que esas canciones se encuentran juntas dentro del tracklist del album (lo que tambien ocurre con las canciones que había mencionado con anterioridad) le quita un poco de naturalidad al álbum, probablemente, su único punto flaco.

En varios de los distintos álbums que he tenido la ocasión de reseñar hasta el momento, comento como se convierten en excelentes puntos de entrada para conocer una banda. lo mismo ocurre con este disco, que se convierte en una excelente síntesis del sonido de Broken Social Scene, al mismo tiempo que permite escuchar la voz propia de Kevin Drew.

Carajo, Odio a Botero y El Sie7e - Octubre 10 de 2008

2008-10-12T23:59:00.004-05:00

Del punk se dicen muchas cosas... Que es mediocre, que no es mas que pop acelerado (con lo cual estoy muy de acuerdo), que es muy buena escuela para arrancar a hacer música, que dentro de 50 años bandas como Los Ramones van a tener el estatus de Los Beatles, en fin... Se dicen muchas cosas que muy en el fondo, apuntan al hecho que a pesar de su aparente crudeza y falta de recursos, hay un genero que posee muchísima profundidad y que asi como ha evolucionado en distintos géneros, tambien tiene mucho camino para recorrer y explorar dentro de si mismo, como lo demostró el concierto del Viernes 10 de octubre de Carajo (de Argentina) y las bandas colombianas Odio a Botero y El Sie7e que tuvo lugar en EJE Bar.

Dicen por ahí que hacer comedia es diez veces mas dificil que hacer drama, es por eso que siempre he respetado a las bandas que no se toman DEMASIADO en serio y que tienen un buen sentido de la comedia, y mas aun, cuando entre una frase como 'Las Armas Nucleares Son Bruscas' logran decir algo que pueda dejar pensando a la gente...Odio A Botero es de alguna manera, como ese amigo que uno siempre tuvo en el colegio y/o la universidad que era increiblemente payaso, pero que cuando te sentabas a hablar con el resultaba ser un tipo con ideas mas o menos interesantes. En las bandas en las que hay mas de un vocalista, el principal problema a superar es como llegar al punto medio en el que un vocalista no tenga mas protagonismo que el otro y la labor de ambos se encuentre bien balanceada dentro de la musica de la banda, en ese sentido, Odio A Botero ha llegado lentamente a ese punto, como lo muestran las canciones de su último álbum Kill The Cuentero, la labor de René Segura y Carolina Cantor en cada una de las canciones se encuentra distribuida de una manera que se siente muy natural, y en ningun momento forzada.

A la hora de reseñar una banda en vivo despues de oirlos en la radio o escuchar su álbum, es inevitable verlos a través de las impresiones que deja ese primer contacto, en ese sentido, siempre he pensado que El Sie7e es una de esas bandas que cae en el mismo molde que -entre otras- The Hall Effect: Hay algo tanto en su sonido como en sus letras que tiene un tufillo a Extremadamente Genérico y con una especie de miedo a tomar riesgos. Aunque esto es algo mas notorio en su sonido en estudio que estando en vivo, fue una impresión que no se borró por completo en esta presentación. Finalmente, aunque quizá no tenga mucha autoridad moral para hacer este reclamo (a fin de cuentas, bajo determinadas circunstancias, puedo tener el léxico de un marinero en día de permiso), resulta un poco molesto cuando de cada 5 palabras, 2 son 'Hijueputa', es un poco chocante y la verdad sea dicha, no hace que uno le ponga mas atención al que está sobre el escenario.

Cuando uno piensa en la música que viene de Argentina, los nombres que suelen venir a la cabeza son Fito Páez, Charly García, o L.A. Spinetta; aunque son nombres relevantes (He visto a 2 de los 3 en vivo,y me gustó lo que vi), realmente solo viene a ser una fracción de lo que viene del país de Boogie el Aceitoso. A fin de cuentas, Argentina y Brasil fueron de los países que mas acogida le dieron a Los Ramones en su época (Llegando a llenar estadios mientras que en EEUU tenían que contentarse con bares mugrosos), y dejaron una impresión que aun se siente, como lo demuestra Carajo. Existe la creencia general que la música que tiene un componente fuerte de Agresión o Fuerza (o como se quiera llamarle) tiende a ser bastante limitada en lo que a su técnica, ejecución y posibilidades se refiere, creencia que al oir a Carajo queda enérgicamente refutada, especialmente con el setlist del concierto del viernes en el que se pudieron ver en retrospectiva los cambios en el sonido del trío argentino, arrancando con su album mas reciente, dejando los clásicos como 'Sacate la Mierda' para el final. Finalmente, es muy agradable ver una banda que sigue tomandose el tiempo para conectar con su audiencia, quedándose casi una hora despues de terminado el concierto para tomarse fotos y firmar autógrafos, lo que en parte fue posible por el ambiente del concierto.

En conclusión, un muy buen concierto, tanto por el ambiente del mismo como por las bandas que se presentaron, mostrándonos a una banda que es digna sucesora de Attaque 77 y A.N.I.M.A.L, así como dos propuestas nacionales las cuales, independientemente de la afinidad que se les tenga, merecen apoyo y seguimiento constante.

Y para rematar, los dejo con estas fotos de un servidor junto a los miembros de la banda (Para que se ubiquen, yo soy el de gafas y peinado horrible)

Rise Against - Appeal to Reason

2008-10-09T23:59:00.001-05:00

Hablar de Rise Against de nuevo me remite al año 2005 y a 120 minutos, tambien me envía a un juego al que le di con fuerza en esa época, Need For Speed Underground 2; como había comentado en otra ocasión, es el año en el que mi oido musical decidió explorar muchas otras vertientes mas allá del punk clásico. En ese orden de cosas, fue en esa época en la que decidí darle una oportunidad a esta banda de Hardcore de Illinois, lo cual, tomando en cuenta que tenían unos cuantos álbums encima cuando los descubrí fue una experiencia bastante agradable.

Sin riesgo a sonar exagerado, Rise Against son el producto de la unión entre el sonido de Black Flag y la conciencia política de Bad Religion y NOFX, a fin de cuentas, la banda realizó un cover de 'Nervous Breakdown' para la película Lords of Dogtown y estuvieron en la disquera de Fat Mike (El bajista de NOFX), participando en uno de los compilados Rock Against Bush, y mucho de esta unión se evidencia en las 13 canciones que hacen parte de este álbum. Por una parte, la voz de Tim McIllrath ha logrado un punto en el que logra combinar la parte melódica con la versión madura de los gritos de Banshee típicos del Hardcore en una forma muy orgánica, en la que el paso de un registro al otro no se siente forzado, como lo muestra el primer sencillo del álbum Re-Education (through labor) o Entertain, mientras que The Dirt Whispered muestra la faceta mas amigable al oido de su voz; por otro lado, canciones como Savior, Kotov Syndrome nos muestran el estado actual de la voz de McIllrath: un muy preciso punto medio que combina fuerza, elegancia y suavidad de una forma que muchos vocalistas aun se esfuerzan por lograr.

No estoy muy seguro quien fue, me parece que fue Alexis de Tocqueville quien explicaba dentro del contexto de la democracia de EEUU (pero creo que es aplicable a cualquier país...no estoy dando nombres cof *Colombia* cof), que una vez un grupo masivo de ciudadanos empieza a moverse en una dirección determinada dentro del sistema democrático, se convierten en una fuerza de cambio que no puede ser detenida. Y de alguna manera eso es lo que Rise Against manifiesta en el contenido de su álbum, las letras de canciones como Collapse (Post-Amerika), Hero of War, o la misma Re-Education... son un llamado de alerta de quienes las escuchan, para que despierten de la apatía en la que se encuentran y se manifiesten en contra de aquellos que rigen los destinos del país en el que viven... (Es asombroso como esta situación tambien es aplicable a otros países). En estos días de canciones que glorifican excesos y glamorizan enfermedades, es una muy grata sorpresa encontrar una banda que trata de hacer publico un mensaje mas inteligente.

Una de las cosas de las que había hablado al comienzo era la madurez del álbum y en general, de la banda a través de su discografía, una madurez que entre otras cosas, se manifiesta en la duración de las canciones, lo que se convierte en lo que es quizá el unico punto flaco del álbum; de la misma manera que uno puede llegar a sentirse algo hostigado al montar una montaña rusa muchas veces, algunas canciones del álbum se sienten demasiado largas, como es el caso de Kotov Syndrome, aunque es mi canción favorita del álbum, no pude evitar sentir que puede ser dividida en dos canciones igual de interesantes y llamativas (o incluso, aun mas).

Para aquellos que gustan (o gustamos) de un sonido agalludo y contundente, que te golpea a la vez que te deja pensando, Appeal to Reason de Rise Against es una excelente elección que traerá mas ganancias para aquellos que se decidan a buscar mas de esta banda, además que calma las ansias mientras llega el nuevo álbum de AlexisOnFire.

En otras noticias, hace poco abrí una cuenta en Blip.fm, no la actualizo con taaaanta frecuencia, pero me aseguro de poner mas de una canción todos los días, sientanse libres de visitarla cuando quieran, tambien si miran la página de EJE Records, verán que mis reseñas están al aire de nuevo. Tambien verán que he añadido el link de Bogotá Ciudad Rock a la lista de links, y Sebastián muy amablemente me indicó que Arcade Fire, contrario a la creencia popular, no es The Arcade Fire, la corrección está hecha

M83 - Saturdays = Youth

2008-10-07T23:59:00.002-05:00

Podría decirse, reafirmando aquella idea que el Pop se comerá a si mismo, que los últimos años han visto un resurgimiento del Shoegazer. Bandas como Asobi Seksu, Beautiful Lunar Landscape, Serena Maneesh o los mismos padrinos del género, My Bloody Valentine han comprobado a través de sus recientes lanzamientos y conciertos que el muro de sonido y las letras susurradas suavemente sobre ese sonido avasallador (El último concierto de MBV es un contendiente al título del concierto mas duro de la historia...132 decibeles!) están de vuelta y con bastante fuerza, como tambien lo demuestra el álbum mas reciente de M83, Saturdays = Youth.

Despues de su álbum Before the Dawn Heals Us, el cual, aunque tenía cosas interesantes dejaba mucho que desear en otros aspectos, eramos (me incluyo) muchos los que dudabamos del futuro de la banda, debido a reportes de una agotante gira que causó la disolución del dúo de Anthony Gonzalez y Nicholas Fromageau, convirtiendo a M83 en un proyecto de Gonzalez con invitaciones a otros músicos. Por otro lado, el álbum lanzado a finales de 2007, Digital Shades Vol. 1, aunque interesante, sembró aun mas dudas sobre el destino del proyecto, sugiriendo el abandono del concepto de 'Shoegazer con sintetizadores' para adoptar por completo un estilo mas ambiental dentro del sonido de M83.

Muchas de esas dudas quedan resueltas con los primeros cortes de Saturdays = Youth; You, Appearing y Kim & Jessie son canciones que aunque no necesariamente suenan a lo que nos tenía acostumbrados Gonzalez, si se sienten como los anteriores trabajos de M83, siendo esto una forma mas efectiva de volver a familiarizar a quien escucha con el sonido del proyecto, lo que ocurre con canciones como Graveyard Girl, Highway of Endless Dreams, Dark Moves of Love y Couleurs, la cual, aunque en algunos momentos se siente demasiado larga para su propio bien, recuerda a las épocas de su segundo álbum Dead Cities, Red Seas & Lost Ghosts. Por otro lado, el álbum tiene un evidente feel ochentero, como aparece en Kim & Jessie; tomando prestadas las palabras de Jeph Jacques, el álbum es la carta de amor de M83 a la década de los 80. Finalmente, We Own The Sky y Midnight Souls Still Remain se llevan el premio a las mejores canciones del álbum. Mientras que la primera es hermosamente triste, la segunda, a lo largo de 11 minutos logra llevar el término 'Muro de Sonido' a su definición mas poderosa y contundente.

Saturdays = Youth es un excelente Regreso a Forma para M83 que demuestra que el ShoeGazer está mas vivo que nunca y aumenta las expectativas del género con respecto al posible nuevo álbum de My Bloody Valentine.

En Avisos Parroquiales, me informaron de parte de EJE Records que han tenido unos pequeños inconvenientes que han hecho que algunas de las reseñas que había en el sitio desaparecieran (incluyendo las mías), pero que es cuestión de tiempo para que todo vuelva a la normalidad. No se si en este momento sigan recibiendo reseñas, si hay alguien interesado, lo mejor que pueden hacer es ponerse en contacto con ellos a través del formato que tienen en la página.

O Canada! Parte 4: Danko Jones

2008-10-05T23:59:00.003-05:00

Y vuelve la serie de artículos favorita de todos los Quebecois, esta vez, hablando sobre el trío de Hard Rock originario de Toronto, Danko Jones.

La primera vez que oí hablar de la banda compuesta por Danko Jones, John Calabrese y Dan Cornelius fue a través de esas 4 encantadoras señoritas suecas, Sahara Hotnights y mi búsqueda de la canción con la que ellas contribuyeron al álbum tributo a los Ramones, The Song Ramones The Same, por esas coincidencias de la vida, Danko Jones también contribuyó a ese álbum (con una versión de the Return of Jackie & Judy), y como dicen por ahí, el resto es historia.

Los orígenes de la banda se remontan a 1996 y una extensa actividad de giras en la que le abrieron a bandas que iban desde Nashville Pussy hasta Blonde Redhead, apoyándose en la reputación que les daba su actividad en vivo y rehusándose a grabar un álbum hasta que en 1999 lanzan el EP My Love Is Bold y que empezaría una tumultuosa relación con el mainstream canadiense, al parecer, por la actitud de la banda con respecto al file sharing, al mismo tiempo que su sonido mutaba del Heavy Metal al Hard Rock, como es posible descubrirlo si uno escucha en maratón sus álbums Born a Lion, We Sweat Blood, y Sleep Is The Enemy.

El 2008 marca el lanzamiento de su álbum mas reciente, Never Too Loud, en el que la inspiración de las letras con una marcada influencia del blues que ha marcado toda la discografía de la banda ha sido combinada con una temática de sexo, dorgas y Rock & Roll que le debe mucho a Motörhead, sin sonar como una copia de la misma, con lo que se convierte en un buen punto de partida para conocer la obra de estos 3 canadienses.

Y asi llegamos al final de otro O Canada!, la mirada a la música de los gentiles gigantes del norte seguirá con los indie darlings favoritos de todo el mundo, The Arcade Fire.

Aunque ciertamente desentona un poco con el feel de este post, me gustaría recomendarles que le pegaran una escuchada a este podcast que es una presentación de nada mas y nada menos que My Bloody Valentine el 13 de junio de este año. Ciertamente, una de las bandas mas importantes de los últimos 20 años (Muchas gracias a Sebastián por la recomendación).

Lasciate, Ogni Speranza Voi Ch'Entrate

2008-10-02T23:59:00.002-05:00

¿Que decir de una banda que arranca su presentación con un cover de 'White Wedding' de Billy Idol?

Que tienen mi completa atención.

Ese fue el caso con la presentación de la banda bogotana de Hard Rock DANTE, y el concierto que dieron el día de ayer en La Pola Pub (Cra 14A 83-16), un concierto en el que tocaron algunas de sus canciones originales, como Jack Daniels o Demon Lover, junto con covers que iban desde David Bowie hasta Judas Priest (En la variedad está el placer dicen algunos).

DANTE es una banda que deja la impresión de ser 100% sleaziness y lo logran bastante bien, especialmente a través del manejo del escenario de su vocalista Kami Rayne; aunque en un escenario reducido, Rayne cantó y se movió con un estilo que recordaba a Jyrki 69 (especialmente en su aspecto); asi mismo, la banda logra mantener un feel de Garaje que siempre es agradable encontrar en un grupo, y al mismo tiempo que mantienen ese feel de Garaje, tambien demuestran una consolidación que siempre es un constante proceso para una banda.

Sin embargo, hubo uno que otro bemol; como fue el caso del sonido, que en algunas ocasiones ahogaba la voz de Rayne, y en otras ocasiones hacía que no se escuchara la guitarra de Tank!; por otro lado, a pesar de lo bien ejecutados, fue inevitable pensar que quizá hubo demasiados covers en el repertorio, especialmente tomando en cuenta que la banda se encuentra preparando su EP debut, titulado Red Light District.

En un panorama que a veces parece estar saturandose de propuestas dificiles de clasificar bajo una etiqueta determinada y que parece que lo hacen solo para seguir una moda, es agradable encontrar una banda que decide ubicarse dentro de una propuesta determinada sin necesariamente caer en el cliché, DANTE es una banda que cabe en esa descripción, y como ocurre con las bandas de la escena local, requiere y merece el apoyo de quienes quieren ver propuestas nacionales interesantes. Para mas información sobre la banda, pueden ver su página en MySpace, así como su sitio oficial.

Kami Rayne - Voz
Draco Londonn - Batería
Tank! - Guitarra
Alex Grimm - Guitarra
Bajista invitado: Juan Camilo Herrera

En otros Avisos Parroquiales, me complace mucho anunciar que dos de las reseñas de Ñoñerismo Musical han sido publicadas en el sitio web de EJE Records, mas exactamente, esta y esta. Quiero agradecer a EJE por la oportunidad, junto con mis reseñas, han sido publicadas dos reseñas de Gloria, cuyo blog; Jurado por Madonna hace parte de los links de esta página, una visita a la página de ella tambien es altamente recomendada, Gloria tiene un estilo mucho mas interesante que mi eterno ñoñerismo.

Hasta el lunes

HorrorPops - Kiss Kiss Kill Kill

2008-09-30T23:59:00.003-05:00

HorrorPops es hasta cierto punto el matrimonio feliz del PsychoBilly, género que le debe tanto a Glenn Danzig y a Buddy Holly como a Boris Karloff y Christopher Lee; digo que es el matrimonio feliz porque sus cabezas visibles, el matrimonio formado por la encantadora Patricia Day y Kim Nekroman (Que tambien es el bajista de Nekromantix), y desde su primer álbum, Hell Yeah de 2004, han sido una voz distinta dentro de un escenario que tradicionalmente, parece estar dominado por hombres (Como ocurre muchas veces con el punk y sus derivados, pero de nuevo, esa es historia para otro día), sea como fuere, durante los últimos cuatro años, han sido una banda que ha valido la pena seguir, como lo demuestra su álbum mas reciente, Kiss Kiss Kill Kill, lanzado este año.

A diferencia de su segundo álbum, Bring it On!, lanzado en el 2005 y que tenía un sonido mas punk (Lo que tiene sentido cuando se tiene a Brett Gurewitz de productor), esta producción es un esfuerzo consciente por volver a las raíces del psychobilly, tanto sónica como visualmente, desde el punto de vista del sonido, lo logran dandole una mayor relevancia al contrabajo así como volviendo a ese sonido de los años cincuenta de las guitarras que se había perdido un poco en el álbum anterior, como lo demuestra la única canción instrumetnal del álbum, HorrorBeach pt. 2, la continuación al tema del mismo nombre de su primer álbum Hell Yeah. Así mismo, visualmente, el álbum recuerda a los posters de películas de serie B, algo que en principio, sería otro cliché mas si no lo lograran con tanta precisión; en ese sentido, la figura de Patricia Day se presta mucho para el look de modelo de Serie B, evocando películas como Faster, Pussycat!!, Kill, Kill!!, y básicamente, cualquier otra película de Russ Meyer.

El tema Meyer-esco se prolonga con la fuente lírica de las canciones, que en general hablan sobre mujeres en la huida, y que tambien tiene sentido cuando una de las canciones está titulada Thelma & Louise, o Hitchcock Starlet. Aunque la excepción es Boot2Boot, canción que trata sobre los disturbios asociados con la destrucción del Ungdomshuset, un edificio abandonado en Copenhague y que servía como punto de encuentro para los distintos grupos anarquistas y de izquierda de la capital danesa. Finalmente, aunque esto es mas una preferencia personal que cualquier otra cosa, hay que quitarse el sombrero ante una banda que canta She Wished Bret Michaels Was Her Date (...) God Damn Poison Was Never Cool (Ella desea que Bret Michaels fuera su cita (...)Maldita sea Poison nunca fue cool).

El PsychoBilly es uno de esos generos, que, al igual que el metal en sus muchisimas vertientes ha sido, desafortunadamente, ha sido victima del cliché y el estereotipo, sin embargo HorrorPops, con este álbum, ha hecho un esfuerzo significativo en sacar al género de dicho encasillamiento, lo que hace que este álbum (y la banda en general) hagan que valga la pena echarles un vistazo.

AVISOS PARROQUIALES: Me complace mucho anunciar las dos nuevas adiciones a la barra de links: EJE Records y Radio Galáctica. Por otro lado, hoy miércoles a las 8 de la noche, en La Pola Pub (Cra 14A # 83-16) se estará presentando la banda bogotana DANTE, no hay cover lo cual es bueno y quizá esté ahi (busquen a un sujeto chaparro con gafas de geek y pelo desordenado). Finalmente, no sería mala idea visitar la exposición MarraniArte, que va a estar hasta el 24 de octubre en el centro cultural Gabriel García Márquez.

Feliz cumpleaños, Valeria!

The Dresden Dolls - No, Virginia

2008-09-28T23:59:00.001-05:00

Resulta un poco complicado acercarse a los Dresden Dolls (Amanda Palmer & Brian Viglione) sin algo de reserva; principalmente, por la percepción que se puede armar alrededor de ellos de ser una banda extremadamente 'gimmicky', una percepción que viene dada tanto por la presentación visual del dúo, con su elaborada estética de muñecas de porcelana que se hacen trizas, como por la etiqueta autoimpuesta de 'Punk Cabaret Brechtiano' que aunque logró su propósito de evitar cualquier asociación con el término 'Goth', tiene un tufillo a esnobismo intelectual que puede ahuyentar a muchos, como fue mi caso en un momento determinado, sin embargo, he tomado un curso intensivo en ete dúo, pasando por A is for Accident, The Dresden Dolls y Yes, Virginia... en un tiempo relativamente corto para llegar a su mas reciente esfuerzo, No, Virginia...

Con ese título, y tomando en cuenta que su anterior producción fue Yes, Virginia... uno podría suponer que el álbum funciona como una especie de complemento a la producción del 2006, lo cual, a mi juicio, es cierto en el sentido que existen similitudes en el estilo de ambos discos. Como suele ocurrir con muchas bandas que basan su propuesta musical en cierto grado de crudeza, a medida que ha pasado el tiempo, Amanda Palmer ha disminuido un poco tanto los gritos de Banshee como los susurros desesperados de su estilo, encontrando un punto medio que, en el caso de muchos vocalistas como ella, resulta siendo su verdadera voz, que resulta capaz de seguir proveyendo el contenido emocional que antes lograba sin necesidad de tantos cambios dinámicos en una misma canción (o por lo menos, cambios que no resultan tan drásticos), así mismo, el sonido crudo de su primer álbum o sus grabaciones en vivo ha evolucionado, se ha hecho mas pulido y ciertamente maduro. Siempre he considerado que las bandas que se quedan en un sonido crudo y poco pulido inevitablemente terminan por estancarse y dejar de ser propuestas interesantes.

A pesar de todo ello, realmente resulta un avance en la propuesta del dúo Bostoniano? La respuesta es no, como suele ocurrir con estos álbums que funcionan como complemento (p.ej Load/RELoad) al terminar de escucharlo uno queda con un ligero dejo a 'es mas de lo mismo', sin embargo, en este caso, ese 'mas de lo mismo' es una propuesta en pulimiento y constante maduración, lo cual siempre es significativo.

El post de hoy marca una nueva era en Ñoñerismo Musical. A partir de ahora, habrán posts nuevos cada Lunes, Miércoles y Viernes. Los posts serán subidos hacia la medianoche, de tal manera que estén disponibles a primera hora del día. A aquellos quienes han hecho de este blog una lectura mas o menos regular, los invito a que sigan acompañándolo en este nuevo horario.

I'm From Barcelona

2008-09-27T12:14:00.004-05:00

Así como en los últimos años ha estado saliendo música muy interesante y muy variada de Canadá, lo mismo se puede decir de los países de la península Escandinava...atrás han quedado los estereotipos de la aparente dedicación exclusiva de los descendientes de los pueblos vikingos a producir bandas de Black Metal...bandas como The Hives, Sahara Hotnights, Turbonegro, o The Raveonettes son los exponentes de una activa escena musical que tiene mucho que ofrecer y que está dispuesta a hacer constantes exploraciones, como lo demuestra la banda que nos ocupa en esta ocasión, I'm From Barcelona, de Jönköping, Suecia (Curiosamente, es la ciudad natal de Nina Persson, vocalista de los Cardigans).

Buscando información sobre ellos, quedé francamente sorprendido al descubrir la cantidad de miembros de la banda (30 en total!), sorpresa que se desvaneció al adentrarme en su album debut del 2006, Let Me Introduce My Friends, y conocer mas de su sonido. En los 37 minutos que dura el álbum, es posible confirmar la frase 'Mas es Mejor', como ocurre en el caso de Treehouse, en la que los distintos arreglos de banjo y arpa (entre otros instrumentos), así como el trabajo vocal (casi de coro) le dan a la canción un aire increiblemente relajado y elegante, a la vez que tiene tantos detalles que es inevitable volver una y otra vez a la canción para descubrir todos esos detalles, una cualidad que hace evidente la etiqueta que han recibido de 'Pop Barroco'.

En ese sentido, es inevitable la comparación con Broken Social Scene... No solo en términos del tamaño (aunque BSS no es tan grande) y de su sonido; la verdad, aunque tienen puntos en común, tambien hay una diferencia significativa en el sentido que I'm From Barcelona no explora los elementos ambient de los canadienses tuvieron como piedra angular de su sonido, cambiandolos por un enfásis en instrumentos no muy tradicionales como el kazoo y otros, con los que asi como se parecen a BSS, tambien recuerdan un poco a Polyphonic Spree.

Aunque ya tiene 2 años, y su segundo álbum, Who Killed Harry Houdini está a la vuelta de la esquina, este album es el mejor portafolio para ver de lo que es capaz esta banda, llena de canciones que invitan a levantar el ánimo y a alegrarse un poco, asi uno no lo quiera.

Este post, y el descubrimiento de esta banda no habrían sido posibles sin la colaboración de Lucía, su blog 'Haciéndole Siesta al Tinto' es una lectura altamente recomendada

The Ting Tings - We Started Nothing

2008-09-26T12:24:00.003-05:00

Parece que le están echando algo al agua del servicio de acueducto en las islas británicas, porque en los últimos años hemos visto una explosión de bandas y artistas de Pop con evidentes coqueteos Indie. Desde las muy encantadoras Pipettes, pasando por Kate Nash y Lily Allen hasta llegar a quienes nos ocupan hoy: The Ting Tings, con su album debut, We Started Nothing.

Integrados por Katie White y Jules di Martino, lo que diferencia a The Ting Tings de otros ofrecimientos pop británicos es su evidente inclinación dance, mientras que las Pipettes logran evocar el mood de los años sesenta, Kate Nash parece salida de un libro de Roald Dahl, y Lily Allen poco convence con su actitud de chica mala de Cockney, las 10 canciones que componen el We Started Nothing son pequeñas invitaciones a pararse de la silla y mover el esqueleto como si nadie lo estuviera viendo a uno; como lo exponen claramente sus sencillos That's Not My Name y Great DJ, llenos de loops que invitan a moverse sin orden ni concierto, que a fin de cuentas, es la mejor manera de bailar si me lo preguntan.

Por otro lado, otra de las cosas que hacen que The Ting Tings no suenen como otras cosas que se han oído antes es la actitud es la entrada de di Martino en un ambiente que parecía estar dominado por mujeres, en ese sentido, parece darle una sensibilidad distinta tanto al sonido como a las letras de la banda; mientras que las Pipettes, Nash y Allen (especialmente las 2 primeras) parecen crear pop pegajoso como un intento de lidiar con las cicatrices del amor perdido y corazones hechos pedazos, White y di Martino logran crear canciones sobre el viernes en la noche y el simple hecho de salir a festejar, como lo demuestra Great DJ, aunque canciones como Shut Up And Let Me Go cumplen con la cuota de los corazones rotos.

A la velocidad con la que parecen ocurrir las cosas en esta época, las propuestas parecen perder si vigencia y relevancia con cierta rapidez, sin embargo, el album debut de este dúo británico le da una dimensión distinta, mas dance a lo que parece ser la nueva encarnación del Brit-Pop, que resulta bastante promisoria.

Four Lads In a Garage

2008-09-25T10:17:00.003-05:00

Cuando hablaba sobre Regina Spektor y las que a mi juicio podían ser consideradas como Spektorettes, hablaba de como estas Spektorettes eran, en cierto sentido, variaciones sobre una misma idea, y como esto no solo era aplicable a ellas, sino a otras bandas y artistas. Pues bien, me parece que es el momento para explorar como ocurre dicha situación.

Uno de los principales logros de los Ramones (probablemente su principal logro), fue propagar un mensaje, que quizá en virtud de su tremenda sencillez, se hizo extremadamente efectivo, y se propagó como fuego en un cuarto lleno de trapos empapados en aceite y periódicos viejos, ese mensaje fue: Tu Tambien Puedes Hacer Esto; para miles y miles de jóvenes, desapareció esa idea que había que ser un virtuoso de la musica para ser capaz de pararse en un escenario, si lo pueden hacer 4 vagos que apenas pueden tocar sus instrumentos, porque no nosotros?, y así empezó la revolución mas grande del rock desde la guitarra eléctrica: El Garage Rock.

Empieza de una manera increiblemente sencilla: Cuatro muchachos (o muchachas, o cualquier combinación de chicos y chicas que se les ocurra) deciden que quizá sea buena idea hacer una banda, ya sea para luchar con el aburrimiento, ya sea porque hace mucho frío en el pueblo de Escocia donde viven y asi pasan el tiempo sin congelarse, o ya sea porque les gusta la música pero no saben muy bien por donde empezar...La cosa es que deciden reunirse, colgarse unos instrumentos al hombro o sentarse detrás de una batería y empezar a machacarlos para ver que sale; Lo increiblemente hermoso del asunto es que el efecto de los Ramones se concentra en ser el impulso inicial, mientras que lo que sigue después viene por cuenta de quienes deciden arrancar la banda, y es algo hermoso en la medida que lo que significa es que cada uno de estos muchachos le va a poner su propia inspiración e influencias a ese sonido: desde la música que les gusta, pasando por los libros que leen, las peliculas que ven y sus experiencias de vida, con lo que las combinaciones que surgen son casi infinitas, y muy interesantes por si mismas.

En ese sentido, se me ocurren cuatro exponentes de 3 de las que creo yo, muchas vías que puede tomar este Garage Rock, desde la manifestación mas intelectual del asunto, pasando por la que es mas leal a las raíces punk, hasta la que le coquetea mas al Mainstream.

Bloc Party: A mi juicio caben en la categoría de mayor intelectualidad, sin que ello tenga alguna implicación peyorativa o negativa; a mi juicio, el sonido de ellos parece tener un componente significativo de influencias del art-rock y el art-punk de los ochenta, a pesar de la negativa de la banda ante tales comparaciones, al mismo tiempo que tienen un aire ciertamente mas exótico producto de sus coqueteos con la Electrónica y el trabajo de Kele Okereke.

The Futureheads/Arctic Monkeys: Por otra parte, estas dos bandas son bandas en las que no se requiere mucho esfuerzo para darse cuenta que The Clash y Ramones no solo inspiraron la idea de crear una banda sino que tambien tuvieron un efecto significativo sobre el sonido de las mismas. Resultado: Un sonido crudo pero por eso mismo, no quiere decir que sea poco prolijo, con guitarras fuertes, y una propuesta que se encuentra desprovista de alguna clase de compromiso.

Snow Patrol: Y cierro esta mirada con la banda mas cercana al mainstream, sin que, de nuevo, ello signifique algo negativo...Hay algo en el sonido de ellos especialmente en su álbum mas reciente y en la canción que aportaron a la banda sonora de Spider-Man 3, que los hace increiblemente aptos para una sensibilidad que ciertamente podría ser considerado como pop.

Como mencionaba hace unos parrafos, estas son solo unas ramas de las muchas que tiene el fenómeno del Rock de Garaje...Y lo increiblemente fascinante del asunto es sentarse a explorar las muchas ramas que tiene, algo a lo que le invito a todos a que lo hagan.

HIM - Digital Versatile Doom

2008-09-17T20:23:00.004-05:00

Mi primer contacto con esta banda finlandesa llegó en el año 2000, cuando escuché Join Me In Death de su álbum Razorblade Romance...realmente no me pareció nada fuera de lo común en su momento, aunque es explicable porque tenía 15 años y era un adolescente ciertamente torpe. Fast forward al año 2004, cuando mi saludable afición por los Ramones me ha llevado a descubrir a TurboNegro y por ahí derecho, a redescubrir a HIM, gracias a los covers que hicieron tanto de Poison Heart de los Ramones como de Rendezvous With Anus de TurboNegro.

Con el curso de los años empecé a escuchar con mas atención a HIM, no solo por las canciones arriba mencionadas sino por otras razones que no viene al caso comentar en el momento...Aunque no sin cierta aprehensión hacia el excesivo romanticismo Poe-esco de algunas de sus canciones, con el tiempo empecé a descubrir el mérito que existía en sus canciones, y principalmente, en la voz de Ville Valo que logra los que a mi juicio, son unos rangos muy interesantes, aunque eso se vea con mas fuerza en los primeros álbums de la banda...Me temo que su hábito de fumar como lavandera finalmente le está pasando la cuenta en algunas ocasiones; a pesar de ello, las recientes presentaciones en vivo de ellos (gracias Youtube) me dejaron con muchas ganas de ver de lo que son capaces en vivo, de ahi que me haya interesado tanto echarle el diente a su primer álbum en vivo, Digital Versatile Doom.

El secreto de un buen álbum en vivo es el setlist...una de las razones por la que It's Alive de los Ramones es uno de los mejores álbums en vivo de la historia es porque la selección de canciones del mismo se convierte en un paseo muy completo por el catálogo que los 4 simpáticos patanes de Queens tenían hasta el momento, lo cual ocurre tambien en este caso...Las 16 canciones que componen el álbum son una muestra lo suficientemente completa de lo que es capaz la banda de Love Metal finlandesa...alguna vez leí que HIM tiene canciones para toda ocasión: canciones de amor, canciones de desamor, y canciones para noches desenfrenadas, y quien escuche este álbum queda convencido de ello: desde Soul on Fire, pasando por su excelente cover de Wicked Game, Killing Loneliness o It's All Tears, es fácil encontrar una canción con la que es fácil de una manera u otra cabe en alguna de esas etiquetas o en otra mas...Por otro lado, uno de los aspectos mas importantes a la hora de mirar un álbum en vivo es el sonido y como aparece este desde un punto de vista mas técnico, en lo que este álbum tambien logra salir bien librado, es posible entender como el trabajo de cada uno de los miembros de la banda se articula respecto a los demásde una forma suave y sin sobresaltos, es el testimonio de una banda que a través de los años ha logrado compenetrarse.

Sin embargo, como comentaba antes, el punto flaco del álbum es la voz de Vallo, como lo comentaba en un principio, mientras que en sus primeros álbums (Greatest Love Songs, Vol. 666, Razorblade Romance) mostraba un registro que pasaba de un lado al otro del espectro con una facilidad casi pasmosa, ahora permanece en un punto medio con ocasionales excursiones a un lado u otro y solo cuando es estrictamente necesario. Aun asi, este se convierte en un excelente punto de partida para aquellos que no conocen a HIM y quieren oir algo mas de ellos, y conocer algo mas que el Heartagram que Bam Margera usa hasta el cansancio

Metallica - Death Magnetic

2008-09-13T10:31:00.003-05:00

Si me lo preguntan, diría que Metallica es algo así como el George Lucas de la música; Por alguna razón, la gente no puede pensar en términos relativos respecto a ellos, y las opiniones sobre la banda de Lars 'Cara de Niña' Ulrich siempre caen en dos bandos: Los que creen que son unos vendidos desde que se cortaron el pelo y que todo lo que hacen después del Álbum Negro es una soberana mugre, y los que siguen creyendo que son unos condenados genios...Independiente de la opinión que tengan, ambos están pendientes de cualquier cosa que hagan, que es lo que explica que me encuentre escuchando y hablando de su mas reciente álbum, Death Magnetic.

Ciertamente, después de su álbum St. Anger, Metallica tenía que hacer un serio proceso de control de daños...Tras ver el documental Some Kind of Monster uno no puede evitar pensar que era inevitable que ese álbum saliera de la forma en la que tenía que salir; En mi opinión, las relaciones entre los miembros del grupo, la salida de Jason Newsted y la relación creativa con Bob Rock, la cual era evidente que ya no iba para ningun lado, se manifestaron en el sonido de St. Anger, pero el fiasco de 2003 no es lo que nos ocupa hoy, sino este esfuerzo de 2008...

Decir que este álbum es 'Más de lo mismo' con respecto al sonido tradicional de Metallica es una verdad a medias, ciertamente es un album cuyo sonido y disposición en general recuerda al Metallica de antaño, pero decir 'Mas de lo mismo ' implica estar metido en un ciclo de repetición que resulta poco interesante, lo cual no es el caso con este álbum...El trabajo de Rick Rubin ha hecho que haya una vibra distinta con respecto al sonido de la banda en general, como si fuera mas maduro, un ejemplo claro es el rol que tiene el archifamoso pedal wah-wah de Kirk Hammett en las canciones, mientras que antes daba la impresión que tenían que meterlo en la canción de cualquier forma posible, lo que no siempre era muy orgánico, ahora solo aparece cuando es realmente necesario. Algo similar ocurre con la voz de James Hetfield, atrás han quedado las épocas de los aullidos injustificados y el registro algo chillón; finalmente, Lars Ulrich trae algo de su mejor juego a este album con una excelente técnica en la que vuelve con lo que está familiarizado: un beat articulado y con varias capas que reniega del sonido desnudo y crudo del St. Anger.

Sin embargo, no todo es perfección, y como un observador sagaz lo podría suponer, tiene que ver con el miembro del grupo que no he mencionado hasta el momento: Robert Trujillo: Fui uno de los muchos que saltó en una pata al saber que aunque le habían hecho el feo a Twiggy Ramirez, por lo menos habían seleccionado a Robert Trujillo como su nuevo bajista, al mismo tiempo, no podía esperar a ver cual sería el resultado al saber que todos los miembros de Metallica estaban tomando parte en el proceso creativo...De ahí que crea que el sonido de Death Magnetic sea un arma de doble filo: Uno esperaría que alguien que tocó con Ozzy Osbourne, Suicidal Tendencies y Black Label Society haga aportes que además de significativos, sean interesantes con respecto al sonido del álbum, pero la verdad es que no aparecen, aunque ciertamente no desentona con el trabajo del resto de integrantes, el bajo de Trujillo tampoco destaca de una manera significativa, lo que me hace pensar que los días de la dictadura creativa de Hetfield y Ulrich no están completamente superados, y que quizá dentro de unos años volvamos a encontrarnos con otro St. Anger.

De no ser por ese controversial trabajo, Metallica ya podría estar mas allá del bien y del mal, y lo quieran admitir o no, sus subsiguientes esfuerzos van a estar juzgados bajo la sombra de ese álbum; Death Magnetic es un excelente regreso a forma, que demuestra que Metallica aun tiene con que pelear, sin embargo, no está excento de sus vicios y no despeja todas las dudas que han surgido sobre el futuro de la banda.

O Canada! Parte 3: Broken Social Scene

2008-09-06T11:54:00.003-05:00

Ahora, seguimos con esta mirada a la música del país de Terry Fox, los Smarties y Pierre Trudeau hablando de Broken Social Scene.

Resulta muy díficil dar una definición de lo que es Broken Social Scene, sobre todo, cuando me doy cuenta que un nombre que traduce 'Escena Social Rota' resulta un oximorón a la hora de ver lo que en realidad son; alrededor de Brendan Canning y Kevin Drew (los miembros centrales de BSS) se ha constituido una puerta giratoria por la cual han entrado y salido algunos de los nombres mas importantes de la música canadiense en la actualidad como Leslie Feist (Feist) y Emily Haines (Metric). Su primer álbum, Feel Good Lost, del año 2001, es un esfuerzo con una cualidad decididamente ambiental; canciones como I Slept with The Bonhomme At The CBC o la arrolladora Guilty Cubicles son muestras perfectas del genero, canciones que se encuentran dirigidas a crear una atmosfera determinada, lo cual facilidad pasmosa ya sea con un par de acurodes puestos en el momento justo o un sonido que aparece en loop a lo largo de toda la canción...Sin embargo, un álbum ambient no es la experiencia en vivo mas interesante de la tierra, y es en este momento cuando se empieza a gestar realmente lo que es BSS, a partir de la colaboración de músicos como Emily Haines que empezaron a hacer parte de los shows en vivo de Canning y Drew desarrollando partes vocales y letras para las canciones del álbum. Y fue ahí cuando se echó a andar la bola de nieve, porque parece que a todos los músicos que los acompañaron en vivo decidieron que no sería tan mala idea sentarse a grabar un álbum, dando como resultado You Forgot It In People, el cual he considerado como uno de los mejores álbums de esta década, y que hasta cierto punto demuestra aquella frase de 'mas es mejor': La cantidad de colaboradores y las influencias que trajeron consigo hicieron de este un álbum con un sonido mas rico y lleno de mas matices: aunque tiene elementos que lo hacen similar al primer álbum, You Forgot It In People es el álbum de indie rock por antonomasia, con elementos de folk, shoegazer, piano rock, y otros mas que lo hacen una experiencia que parece una montaña rusa, al mismo tiempo que en ocasiones es alegre, en otras ocasiones es increiblemente triste y en otras ocasiones seductora.

Los años han pasado y BSS lanza en 2005 un álbum homónimo el cual toma los elementos de You Forgot It In People y los multiplica por 20...La forma en la que está producido el álbum lo convierte en una experiencia mucho mas envolvente que el anterior...Es un álbum, que como Jeph Jacques lo describió muy bien, es mucho mas interesante cuando se está con el veneno de preferencia (en mi caso, una Murphy's Stout); en un sentido, es la experiencia de You Forgot It In People revisada y ampliada, lo cual resulta muy prometedor tomando en cuenta que este es un álbum que puede ser expandido y explorado de muchas formas.

En la actualidad, BSS ha lanzado la serie Broken Social Scene Presents... esfuerzos en solitario de sus miembros con el apoyo de los demás miembros de la banda/colectivo/supergrupo; Spirit If y Something For All Of Us son los títulos que han sido lanzados hasta el momento bajo esta forma y que tambien resultan harto significativos (Something For All Of Us será reseñado, lo prometo).

No me resulta para nada descabellado decir que dentro de la oferta musical canadiense, Broken Social Scene resulta una de las propuestas mas interesantes, si no la mas interesante junto a The Arcade Fire...Es una de esas bandas que tiene de todo para todos, con un sonido que aunque de fácil acceso, resulta complejo y fascinante, y lleva a quien lo escucha a volver constantemente para descubrir todos los matices que tiene para ofrecer.

El viaje musical por el país de los canadienses ficticios favoritos de todos (Terrence & Phillip) seguirá con Danko Jones

Como Se Le Dice A Ésta Década?

2008-09-02T18:00:00.001-05:00

Los 00? Resulta realmente soprendente (por lo menos para mi) que ya estemos a 2008 y que el final de esta década ya esté a la vuelta de la esquina...en un sentido muy general, ha sido una década en la que el miedo entró al mundo en una mañana de Septiembre y a Colombia en una tarde de Agosto (Las posesiones de presidente siempre son por la tarde, no?), pero en fin, esa es arena de otro costal...Musicalmente, diría que esta ha sido una década que ha tenido harto de pluralista; mientras que los 90 vieron el ascenso y caída del Grunge y una segunda invasión británica, con la aparición de tendencias electrónicas harto interesantes, diría yo que gracias al desarrollo exponencial que tuvieron los computadores durante la década.

Por su parte, los 00 (no se si se le diga asi a esta década, por favor sigan mi razonamiento de momento) han visto el resurgimiento del Rock de garaje, y gracias a la tecnología y a Internet (parece mentira que solo hace unos años la gente creyera que Internet era como en esa película super chafa 'Hackers'), es mucho mas fácil para los artistas y bandas hacer conocer sus propuestas...por mas que se le considere perjudicial para la salud (y es que lo es), se le debe reconocer a sitios como MySpace el hecho que han representado la oportunidad de presentación a personas que quizá no tendrían otra forma de hacerse conocer.

Musicalmente hablando, esta década ha sido la confirmación de la frase ´Pop Will Eat Itself' (Que además, es una banda altamente recomendada, y no solo por las referencias a Alan Moore), bandas como The Strokes, Interpol, Franz Ferdinand, o Asobi Seksu han recogido las banderas de bandas, propuestas y generos de hace 20 o 30 años, sin embargo, lo han hecho de una manera tal que no sea un simple reciclaje, sino que han podido reinterpretar los sonidos del Garage Rock, Post-Punk o Shoegaze de una forma que no se oye a un simple reciclaje, sino que es la reinterpretación de esos géneros, añadiendo elementos propios de la sensibilidad de esta época con lo que esos generos no pierden validez...Puede que el rock como lo conocíamos haya muerto, pero esta nueva raza del género tiene mucho que ofrecer, al mismo tiempo que aquellas bandas y artistas que marcaron el derrotero de la música en la década de los 90 siguen tan fuertes como hace 10 años.

En fin, estoy corriendo el riesgo de hablar demasiado sobre la lista sin molestarme a publicarla, asi que aqui va, advierto que los albums aparecen sin ningún orden en especial.

Daft Punk - Discovery (2001)
Broken Social Scene - You Forgot It In People (2002)
Converge - Jane Doe (2001)
Björk - Vespertine (2001)
The Mars Volta - De-Loused In The Comatorium (2003)
The Arcade Fire - Funeral (2004)
Placebo - Meds (2006)
Regina Spektor - Begin to Hope (2006)
Café Tacuba - Cuatro Caminos (2003)
Sleater-Kinney - The Woods (2005)
Radiohead - In Rainbows (2007)
Nine Inch Nails - The Slip (2008)
The Strokes - Is This It? (2001)
Muse - Black Holes & Revelations (2006)
Interpol - Antics (2004)
The Raveonettes - Lust, Lust, Lust (2007)
Sahara Hotnights - Jennie Bomb (2002)
The Blood Brothers - ...Burn, Piano Island, Burn (2003)
Mastodon - Leviathan (2004)
Asobi Seksu - Citrus (2006)
Green Day - American Idiot (2004)
Rise Against - Siren Song Of The Counter-Culture (2004)
Mogwai - Happy Songs For Happy People (2003)
Cat Power - The Greatest (2006)

Bloc Party - Intimacy

2008-08-27T16:52:00.001-05:00

Bloc Party apareció en 2005, el momento en el que mis gustos musicales estaban dando un giro quizá no de 180 grados, por ahi de unos 90° o incluso 60°, lo cual no significa que fuera menos significativo; dejaba un poco de lado mi saludable afición por los Ramones, Misfits y Turbonegro, para incluir en mi playlist bandas como Sleater - Kinney, Ted Leo & The Pharmacists, artistas como Brendan Benson, al mismo tiempo que me preparaba para una invasión canadiense cuyos efectos se sienten aun hoy, gracias a Dios.

Creo que una de las razones por la que la musica de estos 4 jovenzuelos británicos caló de manera apreciable en mi fue el hecho que ciertamente partían de un mindset muy punk pero lo combinaban con otros elementos lo que hacía que sonaran frescos e interesantes, como eventualmente lo demostraría la colaboración de su vocalista con los Chemical Brothers y los remixes de su primer álbum hechos por Ladytron, M83 o Four Tet, y siguiendo en la línea de la voz, me llamó mucho la atención lo que logra Kele Okereke en el sentido del rango que logra abarcar en términos de la fuerza o sutileza de su voz y el efecto que esta tiene sobre las canciones de la banda, tendencias las cuales siguieron apareciendo en su segundo álbum , A Weekend In The City.

Y es así que me encuentro con su tercer álbum, Intimacy, el cual empecé a escuchar esperando encontrarme con mas de lo mismo que habían ofrecido sus anteriores trabajos (Nota: 'mas de lo mismo' no siempre es malo, Metallica lo demostró con el sencillo de su nuevo álbum), como lo muestran Halo o One Month Off, junto con coqueteos con elementos mas electrónicos, que aparecen en Biko y Zephyrus. Sin embargo, ahí es donde empieza a flaquear el disco, dado que realmente no existe una verdadera combinación entre unos elementos y otros, lo que hace que la experiencia de escuchar Intimacy sea una que deje un sabor a fragmentación en la boca. Paradójicamente, solo es hasta la última canción, Ion Square, que realmente se siente una medida de compenetración entre una y otra vertiente del sonido de la banda.

En conclusión, Intimacy es un álbum que se queda corto en sus intenciones, aunque sus 10 cortes son interesantes en si mismos, fallan a la hora de funcionar como un todo, impidiendo conectarse de manera efectiva con esta nueva propuesta de Bloc Party, e irónicamente, fallando en lo que implica dar una sensación de conexión e intimidad

Nine Inch Nails - The Slip

2008-08-21T19:00:00.001-05:00

He de confesar que tuve un grado bastante grande de sospecha cuando supe que Nine Inch Nails iba a lanzar un nuevo album este año, tomando en cuenta el excelente Year Zero que apenas había visto la luz el año anterior...Aunque estaba perfectamente consciente que era algo poco probable viniendo de Trent Reznor, alias 'Uno de los nombres mas influyentes en la musica en los últimos 20 años', no podía dejar de pensar que The Slip no iba a ser mas que una recopilación de canciones rechazadas del Year Zero, puestas en otro álbum sin orden ni concierto, y que precisamente si no habían alcanzado a entrar en el álbum anterior era por algo...

Ciertamente, estaba equivocado.

Creo que cada vez que NIN lanza un álbum, resulta tentador compararlo con sus obras maestras de la década de los 90, Downward Spiral y The Fragile, de la misma manera que la gente compara cada nuevo álbum de Radiohead con OK Computer o cada álbum de Björk con Homogenic (En el caso de Björk, esa es historia para otra perorata), sin embargo, volviendo al tema de NIN, me parece que es mas apropiado pensar en sus tres últimos álbums: With Teeth, Year Zero, y The Slip como parte de una nueva era dentro de la producción musical de la banda/Trent Reznor, incluso, me atrevería a decir que estos 3 albums pueden llegar a ser considerados como una trilogía, tanto desde una perspectiva tanto musical como conceptual, en ese sentido, me parece que The Slip se convierte en la forma mas consolidada de la propuesta desde un punto de vista músical; poniendolo en términos bastante llanos, este es no es un álbum cuya división entre canciones lentas y melancolicas y temas que perfectamente pueden poner a alguien a moverse es tan clara que se puede cortar con un cuchillo, estando Corona Radiata, The Four of Us are Dying, y la canción que abre el álbum, 999,999 en el primer grupo, y Discipline, y Letting You (entre otras) en el segundo. Es precisamente esta división tan clara entre clases de canciones en la que el álbum tiene su Talón de Aquiles, y que confirma, al menos en parte, los temores que tenía respecto al álbum; aunque cada una de las 10 canciones es una muestra del talento de Reznor en tantos niveles que me queda muy dificil sentarme a enumerarlos, son tan fácilmente distinguibles que no hay una sensación de continuidad, en ocasiones, no se puede evitar sentir algo asi como 'OK, ya oimos las canciones rápidas, ahora oigamos las lentas', lo cual hace que en momentos uno sienta que The Slip no es mas que una simple colección de canciones sin una medida de continuidad, en ese sentido, me parece que es un retroceso respecto de la propuesta conceptual que acompañaba al Year Zero.

Mención aparte merece el modelo de distribución del álbum, y que es la versión mejorada de lo que intentó hacer Radiohead con In Rainbows el año pasado, es básicamente, otro clavo más en el ataúd de la industria discográfica tal y como la conocemos, tanto en su modelo de distribución, como en lo referente a los asuntos de propiedad intelectual, el hecho de haberlo lanzado a través de una licencia Creative Commons es un paso de suma importancia en tanto que redefine lo que se puede hacer o no con el disco que se ha adquirido, e incluso, pone en entredicho lo que antes se consideraba como 'productor' y 'consumidor', mas importante aun, creo que el éxito que tengan modelos de distribución como el de este album (una combinación entre descarga gratis y venta de ediciones limitadas) trasladará la fuente de ganancias de las bandas y artistas hacia los conciertos, lo cual puede tener repercusiones positivas en tanto puede implicar que bandas que usualmente no visitarían escenarios como los de Colombia se decidan a venir en búsqueda de ingresos.

Creo que tanto NIN como Trent Reznor han llegado a un punto en el que están mas allá del bien y del mal, en el que cualquier cosa que lancen va a tener la garantía de ser una obra de calidad, que es lo que pasa con The Slip, el cual, a pesar de no tener una continuidad temática en sus canciones, musicalmente está tan bien logrado que se convierte en la antesala perfecta al concierto que darán en Bogotá el 12 de Octubre.

La Banda Favorita de Patty Hearst

2008-08-17T12:03:00.001-05:00

Por alguna razón, hablar de una escena local bogotana resulta particularmente díficil para mí, para ser brutalmente honesto, creo que está relacionado con alguna creencia que las cosas que se generan acá no son particularmente interesantes tomando como ejemplo el mainstream, me parece que el razonamiento que sigo a un nivel muy básico es 'Si lo que hay en el mainstream es tan poco interesante, lo que se hace de manera independiente mucho menos', siendo esta la razón por la que no le había puesto mucha atención a Bogotá Ciudad Rock, que es una organización que está promoviendo a las bandas de rock en Bogotá, y que como primera impresión lo hace bien, con un buen grado de logistica y organización, y con un ciclo de conciertos en varios bares de la ciudad, como el que se realizó el 09 de Agosto en el que tocó la banda de la que me propongo hablar hoy: Síndrome Estocolmo.

Síndrome Estocolmo arranca como Ana Ansiedad, una propuesta con un sonido mas ambiental (como ellos mismos lo definen), la cual despues de un tiempo fue 'reseteada'a mediados del 2007 para encontrarnos con lo que están haciendo ahora estos jóvenes: un sonido en el que aunque las secuencias siguen teniendo un lugar dentro de la propuesta, le delegan algunas de sus labores a la batería, añadiendo otra guitarra a la formación, trayendo como resultado un sonido que se inclina mas hacia el rock, y en algunas ocasiones, a las distorsiones y el sonido pesado que hacen que algunos de nosotros queramos tanto a Mogwai; la inspiración para las letras de sus canciones viene de muchas partes: Desde el destino de Plutón hasta el Capitán Ahab, pasando por una que otra historia sobre imágenes un poco apocalípticas que no le hacen daño a nadie.

La impresión que me dejaron en su presentación en Kirlibang café bar es la de una banda que ha recorrido mucho, y que aun puede recorrer mucho más; se oyen como un grupo de músicos que en este periodo de tiempo han podido compaginarse bastante bien; sin embargo hay cosas que a uno lo dejan pensando: A pesar de la compenetración que han logrado, hay pasajes de las canciones en los que la programación y los teclados adquieren un peso relativo mayor que los otros instrumentos, lo cual aunque no es malo per se, en el caso de Síndrome ocurre de una manera tal en la que parece que hay una competencia por alguna medida de protagonismo, así mismo, en momentos como el cover de 'Izquierdo' de PornoMotora, la canción sonaba muy similar a la original, espacielmente en lo que respecta a las secuencias, aun cuando creo que eso es algo que eventualmente desaparecerá a medida que pasa el tiempo y la banda termina por encontrarse con su voz propia.

Gracias a Last.fm y la posibilidad que le da a cualquiera de poder hacer conocer lo que crean se puede conocer mas de esta banda, que creo puede ser una propuesta interesante dentro del rock bogotano.

Aldo Ahumada: Batería
Sebastián Reyes: Bajo
Camilo Carreño: Voz
Rafael Oliver: Guitarra
Arturo Durán: Programación y teclados

Así es que aprenden los niños

2008-07-31T20:05:00.001-05:00

Estoy perfectamente consciente que no voy a hablar sobre ningún album, artista, o concierto, pero creo que esta es la mejor definición de lo que es el 'Ñoñerismo Musical'

Feist en Plaza Sésamo cantando '1234', aunque Feist como solista no me llama mucho la atención, para esas gracias, está Cat Power...me llama mas la atención lo que hizo con Broken Social Scene, como esa versión hermosisima de 'Lover's Spit' que oí por primera vez en un capítulo de Nip/Tuck.

Y mientras escribo todo esto, estoy oyendo el cover que hace A.F.I de 'Head like A Hole'...Ñoñerismo al soco

James Newton-Howard & Hans Zimmer - The Dark Knight

2008-07-22T19:31:00.002-05:00

En primer lugar, advierto que va a ser bastante dificil hablar de esta banda sonora sin hacer un comentario sobre la película, pero voy a hacer mi mejor esfuerzo para que tal cosa no ocurra, o que por lo menos, ocurra en sus justas proporciones.

Creo que la marca de una buena banda sonora es que logra funcionar en sinergia con la película a la cual corresponde, y este es el caso con las 14 canciones que James Newton-Howard y Hans Zimmer compusieron para esta película de Christopher Nolan, la cual, es todo lo que la gente dice y mas (lo siento, pero tenía que sacarlo de mi sistema). Siguiendo ese orden ideas, la sinergia que se forma entre la banda sonora y la película consiste en el hecho que logra amoldarse a los eventos y personajes de la película de manera tal que sus características logran verse potenciados, como ocurre con el caso de Why So Serious, el tema del Guasón, que en poco mas de dos minutos y solo con una cantidad mínima de notas logra explotar en los oídos de la audiencia de la misma manera que el personaje de Heath Ledger aparece en la pantalla. Al mismo tiempo que Harvey Two-Face es una melodía elegante y hermosa, y que se convierte en la pieza que falta para que la audiencia se conecte de manera emocional con el personaje, una conexión que ni El Guasón ni Batman pueden dar. Finalmente, A Dark Knight, una poderosa suite de 16 minutos logra convocar el heroísmo, la profunda desesperación y la rabia que tienen lugar en el Hombre Murciélago.

Con respecto de la banda sonora de Batman Begins, que tambien había sido producto de la colaboración entre Newton-Howard y Zimmer, esta banda sonora se siente con mas cuerpo, las líneas límitrofes entre el estilo de un músico y otro que se encontraban al interior de las canciones, e incluso, entre las canciones mismas de Batman Begins se hacen mas difusas en The Dark Knight, lo que trae como resultado un álbum con una sensación mas orgánica, mas como una verdadera colaboración que como dos trabajos que se ponen juntos, una crítica que se hacía palpable en la ocasión anterior.

A diferencia de otras sagas filmicas con temas reconocibles fácilmente, resulta díficil ubicar un "tema de Batman", algo que si ocurría con el trabajo de Danny Elfman en la banda sonora de la anterior serie de películas, uno de los aciertos de esta banda sonora es crear un tema que se siente como tener una palabra en la punta de la lengua, un tema que resulta dificil tararear de manera espontánea, pero que cuando es escuchado, puede ser identificado de manera casi inmediata por el espectador, de alguna manera, se convierte en el eje temático del álbum en general, la idea de una presencia que aunque no es fácilmente identificable, está constantemente sobre el hombro, dispuesta a aparecer cuando menos se espera.

Sin embargo, de la misma manera que la banda sonora potencia los elementos de la película de Nolan, también comparte sus defectos, mas de alguno salió del cine exhausto, como si hubiera acabado de salir de una montaña rusa fílmica y emocional de la cual no tuvo descanso alguno, siendo esto algo que también ocurre cuando ha terminado la última canción, en la medida que no existe una canción que de esa pausa emocional tan necesario, algo que si ocurría con canciones como Barbastella, Lasiurus o Corynorhinus en el caso de Batman Begins, en esta ocasión, Harvey Two-Face es la única canción que logra algo parecido aunque al final se queda corta de proveer realmente dicha pausa emocional.

De esta manera, The Dark Knight cumple de manera sobresaliente de complementar la película a la que acompaña, a pesar que lo hace hasta el punto de compartir los mismos fallos del film, el escucharla es una forma de prolongar la experiencia de la nueva película de Batman.

Why So Serious?

Muse. Bogotá, Julio 20 de 2008

2008-07-21T01:23:00.001-05:00

Siempre me he considerado un patriota, en el sentido que quiero a mi país, quiero lo mejor para el, y estoy dispuesto a pronunciarme dentro de los límites del sistema democrático ante los errores que cometen sus líderes, lo que considero, es una forma mas valida de patriotismo que manosear una serie de símbolos hasta que se convierten en clichés. Es quizá en ese orden de ideas que realmente nunca me han importado mucho fechas como el día de la independencia, para ser brutalmente honesto, el 20 de Julio de este año es la única vez que recuerdo haber estado emocionado por un día de la independencia, y la razón fue el concierto de Muse en el palacio de los deportes de Bogotá.

Primero lo primero; no se como sea el asunto en otros países, pero que trabajo tan reprobable el de el personal de logistica. Se que no debe ser muy fácil, pero estoy convencido que debe haber una forma en la cual hacen entrar a la audiencia de un concierto al escenario, sin necesidad de arrear a las personas como si fueran ganado, exponiendo a manoseos innecesarios, golpes y vaya uno a saber, desmayos. Por otro lado, he de decir que la audiencia fue mas de lo que esperaba; en Last.FM se habló mucho de lo poco que parecían moverse la venta de boletas, y aunque no llegó a los niveles de Placebo o Björk (El área de VIP estaba a aproximadamente el 90% de su capacidad, y Preferencial a un 95%), fue mucho mas de lo que esperaba, lo que me lleva a pensar un poco en el desorden que pareció haber entre los servicios de venta de Boletería.

En un tema similar, creo que fue un grave error darle la promoción del concierto a Radioacktiva, no tengo nada contra ellos, estoy convencido que son personas que les gusta su trabajo y estoy seguro que dan todo de si para hacerlo bien, pero la verdad es que Muse es una banda que hasta ahora está coqueteando con el mainstream, por lo menos en lo que respecta a Colombia, y en función de eso, Radioacktiva, que es la cosa mas mainstream de la tierra (sin que ello sea algo malo) hasta ahora les está poniendo atención, a diferencia de una emisora como Radiónica que si lleva siguiendolos por lo menos, por un par de años mas, lo que creo fue uno de los factores que contribuyó a los pequeños claros entre la audiencia del palacio de los deportes, realmente creo que fue un evento al que la emisora que se supone iba a promocionarlo no lo hizo, o por lo menos, lo hizo de una forma desganada.

Ahora, los teloneros: The Hall Effect. Voy a arrancar diciendo que ser telonero no es nada fácil, empezando porque el telonero sabe perfectamente cuando sube al escenario, que la gente quiere que se vaya lo mas rápido posible para que arranque el acto principal, lo que no es ayudado por el bajísimo nivel de tolerancia que las audiencias acá suelen tener. Sin embargo eso no le quita lo mediocre a esta banda bogotana; en primer lugar, la idea de cantar en inglés es algo que particularmente me raya, y mucho, eso de cantar en un idioma y dirigirse a la audiencia en otro es algo que no tiene mucho sentido, y el hecho que haya ocurrido en el día de la independencia nacional se presenta para tantas interpretaciones que hablar de ellas da para otro post. Ahora, musicalmente, es una banda que podría dar mas; tanto el guitarrista como el baterista me dejaron con la impresión que son músicos talentosos, no solo competentes, sino realmente talentosos, y no puedo evitar pensar que solo hacen 'la fácil' y realmente no se esfuerzan, creo que es por eso, que algunas de sus canciones suenan como si fueran covers, y lo peor de todo, malos covers. La impresión con la que me dejaron es que son una banda que podría dar mas, pero se contenta con algo de airplay en las emisoras nacionales, con que roten sus videos en MTV y PlayTV y ya; para ser brutalmente honesto, me recuerdan a Creed, y ese no es ningún halago.

Y a lo que vinimos, vamos: Que concierto tan Brutal el de Muse, fue excelente en muchos niveles, arrancando por la selección de canciones para el Setlist. En este tipo de conciertos de primera vez en un país, es muy fácil que la banda o el artista concentren el setlist en las canciones del álbum que están promocionando, aunque es perfectamente comprensible, pero que bajo estas circunstancias puede dejar a la audiencia un poco desencantada, pasó con Cat Power en mayo, y en menor medida con Placebo en marzo del año pasado, pero no esta vez, el repertorio que mostraron los tres de Teignmouth fue un paseo por su discografía que me niego a creer que haya dejado a alguien desencantado, tuvo para satisfacer a aquellos que los conocieron con su álbum mas reciente como para los que llevan siguiéndolos desde hace algún tiempo. Por otro lado, Matthew Bellamy, Dominic Howard, y Chris Wolstenholme merecen que me quite el sombrero ante ellos (y si fuera mujer, probablemente me quitaría algo más :P), además de ser músicos increíblemente talentosos, son músicos que logran conectarse con la audiencia de una manera que deja pasmado a cualquiera, y lo que es mas sorprendente, logran hacerlo dialogando con la audiencia a través de su música, no solo en términos de la ejecución, sino en términos de la forma en la que presentan dicha ejecución; la energía de Matthew Bellamy me dejó pasmado (creo que junto a John Frusciante, Omar Rodríguez-López y John Mayer es uno de los mejores guitarristas de esta época), así como la sólidez de Wolstenholme y Howard. Probablemente el único punto flaco de la presentación de Muse fue el sonido, en mas de una ocasión el volumen de los instrumentos ahogaba el de la voz de Bellamy, como ocurrió al momento de tocar Feeling Good.

No creo que esté exagerando cuando digo que es el mejor concierto al que he ido, y muy probablemente, va a pelear el título de concierto del año con Nine Inch Nails en octubre, amancerá y veremos.

SETLIST:

Dance of the Knights (intro)
Map of The Problematique + Riff de Heartbreaker
Supermassive Black Hole
Dead Star
New born + riff de Headup + outro de Ashamed*
Butterflies and Hurricanes
Bass jam
Feeling Good
Sunburn
Hysteria + Riff
Starlight + improvisación
Time is running out
Stockholm Syndrome + outro feedback
Encore:
Soldier's Poem
Invincible
Plug-in Baby
Knights of Cydonia

O Canada! Parte 2: City & Colour

2008-06-25T19:56:00.002-05:00

Y ahora, amigos míos, seguimos con ese viaje por la música de los gentiles canadienses echándole un vistazo a City & Colour, el proyecto en solitario de Dallas Green, el guitarrista de AlexisOnFire.

Si escucharon lo que hace AlexisOnFire, lo que hace el Sr. Green es un giro de 180 grados con respecto al sonido post-hardcore de los cinco de St. Catharines, es un sonido que en principio era además de acústico increíblemente minimalista, para ir evolucionando hacia algo mas folk y que le pide prestado un poco a Iron & Wine, lo cual, complementado con la voz de Dallas Green, (que entre otras cosas, es el complemento perfecto al rango de Wade McNeil y George Petit en AOF), da pie a una propuesta que logra de manera contundente evocar una sensación de vulnerabilidad y melancolía.

En algunas ocasiones, el mismo Dallas Green ha comentado que la mejor música es aquella que es triste, con lo que no podría estar mas de acuerdo; cuando uno está triste piensa en el porqué llegó a ese estado, que lo mantiene en ese estado, cuando va a salir de ese estado, y que puede hacer para salir de ese estado, preguntas las cuales, me parece que son tema para muuuuuchas canciones. Tambien es la razón por la que me siento culpable escuchando a Nine Inch Nails porque siento que me estoy aprovechando de la depresión de Trent Reznor pero esa es historia para otro día. Al mismo tiempo, Green ha mencionado como el escribir canciones le ayuda a sentirse mejor cuando está deprimido, los temas del amor perdido o aquella persona vital para la vida de uno que por alguna razón no está junto a uno son el complemento perfecto al sonido de City & Colour y que convierten a esta propuesta en la ideal para escuchar cuando se quiere buscar algo que logre combinar tristeza y elegancia al mismo tiempo.

Como comentaba en un comienzo, el proyecto inicialmente constaba solo de un hombre con su guitarra (aunque estoy conciente de lo extremadamente cursi que esta imágen resulta), como es el caso de los primeros EPs, y el album debut, Sometimes, sin embargo, esta situación ha cambiado en su album mas reciente, Bring Me Your Love, hace uso de una instrumentación mas variada, con arreglos de banjo, armónica, y piano, sin dejar de tener ese toque acustico y adquiere un toque folk-esco que siendo un sonido distinto al de sus primeros lanzamientos, sigue siendo producto de los mismos estados emocionales, y sigue siendo capaz de generar las mismas respuestas en el que escucha este proyecto en solitario, que mirado con el suficiente juicio, demuestra de donde vienen las canciones mas melancolicas del repertorio de AlexisOnFire.

Que seguirá en esta mirada por la música del país de los gentiles policías montados? Broken Social Scene, eso es lo que va a seguir.

Regina And The Spektorettes

2008-06-16T19:45:00.001-05:00

Voy a hacer una confesión que probablemente desanime a algunos de seguir leyendo las barrabasadas que tengo para decir: Vine a descubrir a Regina Spektor hasta finales del año pasado, y a riesgo de sonar demasiado snob bufandero, no se como vine a pasar todo este tiempo sin escuchar a esta mujer, en un sentido, diría que es música con la que uno sueña encontrarse, principalmente por la facilidad casi pasmosa que tiene la neoyorquina nacida en Rusia (no, no es un oximoron, porque ser neoyorquino, creo yo, tiene que ver con actitud tanto o mas como con geografía) de cambiar de piel de una canción a la otra, sin que en ningún momento suene forzada o artificial, lo cual es posible comprobar oyendo "Aprés Moi" "Your Honor" "Better", "Ne Me Quitte Pas" y "Samson" seguidas. Me parece que la aparición de ella es un buen signo con respecto a nuestros intentos desesperados de etiquetar aquello que oímos y ponerlo en taxonomías que son a todas luces, antinaturales e innecesarias, aunque algunos podrían argumentar que ese fue un movimiento que arrancó con alguien como Norah Jones (lo cual me parece, tampoco es una idea tan descabellada), creo que la propuesta de la hija de Ravi Shankar tiene una raíz jazzistica muy fuerte que impide que pueda tener esta cualidad de no poder ser clasificada.

Ahora, aunque tambien no es un tema del que me gusta hablar de a mucho, es inevitable reconocer que cuando una propuesta como la de Regina Spektor llega al mainstream, ese viejito que otrora fuera tirano que es la industria musical (en palabras del Reverendo) busque formas de sostenerse a partir de estas propuestas, y es ahí cuando encuentro a las que llamaría yo, las Spektorettes, chicuelas que tratan de ubicarse dentro de una propuesta que sin tratar de sonar de alguna manera u otra oportunista o aprovechadora de un nicho determinado del mercado, inevitablemente termina por caer en esa situación, y como ejemplo de dicha situación, presento a dos muestras que a mi juicio, son Spektorettes: Sara Bareilles y Yael Naim, aunque lo que ellas hacen ciertamente no puede ser clasificado como poco interesante, me parece que una de las razones de su relevancia viene en el aprovechamiento de cierta sensibilidad pop (tanto desde lo visual como desde lo sónico) que es solo una dimensión de aquella propuesta que las antecedió.

En otro sentido, y para cerrar esto sin que suene a que les estoy dando a estas dos señoritas a sombrerazo limpio, me parece que en el sentido mas general, son variaciones de una misma idea, lo cual no solo ocurre con una artista como Regina Spektor, hay otras bandas y artistas que demuestran esa dinámica, pero esa es una perorata para otro día.

Sara Bareilles - Love Song

New Soul - Yael Naïm

Some More Reasons Why The 90's Ruled

2008-06-08T12:59:00.001-05:00

Antes de empezar, no, no es un refrito de esos especiales de E! que uno ve un sábado a las 4:30 de la tarde mientras está buscando plan para la noche, simplemente me pareció que era un buen título para el post (aunque un tanto obvio)

Quizá estoy exagerando un poco, pero siempre he tenido la impresión que, en términos generales, la década de los 90 tiende a ser menospreciada en términos de sus contribuciones a la música. Aunque es cierto que es la década que nos trajo a Limp Bizkit, tambien es cierto que no pueden pagar justos por pecadores, es decir, no pueden pagar Björk y Thom Yorke por Fred Durst y Wes Borland; de ahí que le dedique este post a una idea a la que le había echado cabeza desde hace un buen tiempo: Los mejores albums de la década de los 90.

Estoy perfectamente consciente del hecho que esta lista es terriblemente subjetiva, y que las personas que por X o W razón vengan a parar acá estén en desacuerdo con el pitchforkmedia-de-una-sola-persona que es este blog, pero intenté acudir no solo a mi gusto personal sino a un sentido de importancia histórica de los albums seleccionados, por ejemplo, nunca me ha gustado Nirvana, les he dado muchas oportunidades tomando en cuenta que, en términos históricos, son los descendientes de un estilo musical que siempre me ha simpatizado, pero simplemente nunca me ha podido agradar, sin embargo, eso no implica que no sea capaz de reconocer la importancia de un album como Nevermind en el panorama musical de la década. Siguiendo esa línea, hay albums que aunque no son tan reconocidos o apreciados, tienen una importancia innegable en términos de su influencia sobre otros artistas, de ahí que entren obras como Loveless de My Bloody Valentine, que, aunque reconozco que en ocasiones puede llegar a ser un gusto adquirido, mucha de la música que oímos hoy en día (como The Postal Service, M83 o Asobi Seksu) tiene una deuda estilística enorme con el obsesivo-compulsivo de Kevin Shields.

Otro criterio que tuve en cuenta a la hora de seleccionar los albums es la importancia que tienen con respecto a la carrera de la banda o el artista, de ahí que entren albums como Yield de Pearl Jam o Apocalypse Dudes de Turbonegro; independientemente de lo que haya ocurrido DESPUÉS de esos discos, esas grabaciones son, de alguna manera u otra, el momento en el que el sonido de esas bandas alcanzó una madurez y una forma definitiva, de ahi que tengan una importancia en si mismos, y no necesariamente sobre otros discos.

También entró a jugar el tema del que hablé en el post inaugural de esta página, el componente visual de la música, y aquí es cuando entra la islandesa favorita de todos, Björk, aunque Post y Homogenic tienen un valor musical innegable, no solo en términos de los discos en si mismos, sino de su influencia sobre otros músicos, me parece que Björk es una de las artistas que mejor ha sabido aprovechar este componente visual de la música, dando pie a algunos de los mejores videos musicales que se hayan hecho, como It's all so quiet o el hermosisimo All is full of love.

En fin, me podría quedar bastante tiempo hablando sobre la lista en si, sin mostrarla, asi que para no alargar esto, aquí está la lista de los que a mi juicio, son los mejores albums de la década de los 90.

Nevermind - Nirvana
OK Computer - RadioHead
Re - Café Tacuba
Apocalypse Dudes - TurboNegro
Loveless - My Bloody Valentine
Post - Björk
Homogenic - Björk
Yield - Pearl Jam
The Downward Spiral - Nine Inch Nails
Circo Beat - Fito Páez
Mezzanine - Massive Attack
Without You I'm Nothing - Placebo

Esta es la lista que he podido elaborar hasta el momento. Se que en mi memoria de pollito se me pasaron albums que había seleccionado, y tambien estoy convencido que algunas de mis selecciones no son la cosa mas popular que la tierra. En fin, para eso están las secciones de comentarios, no?

O Canada! Parte 1: AlexisOnFire

2008-06-04T18:44:00.002-05:00

Me he dado cuenta de algo bastante curioso mientras le ponía algo de orden a mi biblioteca de música, y es el hecho que varias de las bandas que hacen parte de la biblioteca vienen de Canadá, país de alces, policías educados y Terrence & Phillip (También es, de alguna manera, el responsable de mi existencia, pero esa es historia para otro día).

Una de esas bandas es AlexisOnFire, una excelente banda de Post-Hardcore proveniente de St. Catharines, Ontario que ya tiene 3 albums a sus espaldas. Ahora bien, se que varios ya entornaron los ojos al leer el término "Post-Hardcore", y la verdad sea dicha, no los culpo, a fin de cuentas, el Hardcore ha terminado por ser sinónimo de una élite que no ve mas allá de los vocalistas de voz rasgada y los moshpits con tonos homoeróticos (Henry Rollins tiene razón, un montón de sujetos semi desnudos sudorosos golpeándose y luego abrazándose? vamos....), y precisamente en virtud de eso, tiende a ser visto como un género mas bien limitado que no tiene mucho que ofrecer. Sin embargo, con el correr de los años, han aparecido bandas dispuestas a explorar nuevas propuestas que surjan de ese 'Hardcore primordial' si queremos llamarlo de alguna manera.

AlexisOnFire es una banda con temas que logran combinar fuerza y velocidad con complejidad, al mismo tiempo que otras de sus canciones aunque mantienen esa fuerza, la expresan en canciones que no tienen esa velocidad. La inspiración de sus temas va desde los Karts hasta Kurt Vonnegut, pasando por la cocaína y Linda Blair. Una multitud de influencias que se manifiestan en los proyectos alternos de sus miembros, siendo uno de ellos City & Colour, parte 2 de esta serie O Canada!

George Petit: Voz
Dallas Green: Guitarra
Wade McNeil: Guitarra
Chris Steele: Bajo
Jordan Hastings: Batería

La Música Ahora Entra Por Los Ojos

2008-06-02T16:01:00.001-05:00

No, no es un oximorón, ahora el componente visual de la música que escuchamos es tan importante como el sonido mismo.

No creo que haya que culpar de todo a MTV, como lo hacen algunos, es mas, no creo que sea cuestión de culpar a alguien, de alguna manera, es algo que inevitablemente iba a ocurrir; el hecho mismo de la existencia de medios de comunicación como la televisión o la radio hicieron que los artistas se hicieran mas cercanos a su público, al mismo tiempo, la idea de los conciertos le mostró al público que habían rostros y nombres detrás de la música que les gustaba tanto...nombres y rostros que eran reconocibles, y que podían admirar y de los que incluso podían llegar a enamorarse, circunstancia que no solo fue aprovechada por la industria musical sino por los artistas mismos, que vieron que la manera en la que presentaban su música tambien era parte de su propuesta, como nos lo demostraron The Velvet Underground, David Bowie, e incluso Queen

La inevitable verdad es que juzgamos los libros por su portada, de la misma manera que la persona con tatuajes o piercings muchas veces queda fuera de las ofertas de trabajo solo por el metal o la tinta en su cuerpo, independientemente de su hoja de vida, la verdad es que ahora el aspecto de los artistas influye de maneras que no podemos racionalizar del todo en nuestro gusto. La razón por la que Grateful Dead alcanzó el reconocimiento que alcanzó es porque arrancaron antes de la era del videoclip, porque nadie iba a querer ver a un montón de hippies barbudos y muy probablemente olorosos; al mismo tiempo, la razón por la que una banda tan mediocre como Poison pasó a la historia es porque arrancaron JUSTO en el inicio de la era del videoclip y Bret Michaels era un hombre bien parecido ('era', porque ahora es un accidente de botox, gordo, con un mal bronceado y el pelo achilado).

Mi experiencia personal viene con Belanova. la primera vez que tuve una probada de ese encantador y pegajoso pop mexicano fue a través de un MP3 que alguien me pasó, sin embargo, este enamoramiento rápidamente terminó cuando ví uno de sus videos y quedé desencantado de la rutina de niña de su vocalista, de ahí que proponga este experimento con 'Cada Que' de Belanova y 'Pretty Woman' de Ray Orbison. Escuchen primero las canciones SIN ver el video (pongan otra pestaña de firefox mientras tanto) y luego escuchenlas viendo el video.

Hay alguna diferencia?

A Cuento De Que Viene Esto?

2008-06-02T15:02:00.001-05:00

Y si, arrojo mi sombrero al mundo sobre-poblado de los blogs sobre música, los cuales, me parece que han adquirido una mala fama no por su naturaleza misma, sino por como son llevados (o mas bien, mal llevados en ocasiones); aunque es cierto que todo esto de la Web 2.0 le ha dado al JuanPérez544 promedio la posibilidad de decir lo que piensa, muchas veces este tipo de espacios terminan convirtiéndose en paredes de baño público binarias en las que la gente no se molesta en dar una opinión medianamente estructurada y se rebaja a decir "TAL COSA ROCKEA!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!111111" o "TAL COSA APESTA!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!11111" sin decir porque rockea o porque apesta.

Ahora, tengo yo la solución? probablemente no, probablemente en algun momento caeré en la tentación de simplemente decir que rockea y que apesta sin una argumentación medianamente coherente, al mismo tiempo, no tengo ningún título en teoría o crítica musical, aunque la verdad sea dicha, una cosa así no es necesaria para poder explorar la música que me gusta, las cosas que me gustan (y no me gustan) de esa música, y cualquier sonido que encuentre por ahí.